Em cartaz até 30 de julho, a mostra homenageia Diego Ceano e Antônia Dumont e ressalta ligações históricas e sociais entre a arte campesina da Espanha e Brasil

A Embaixada da Espanha e o Instituto Cervantes, em parceria com o Espaço Cultural Barthô Naïf e o Instituto Alvorada Brasil apresentam a exposição coletiva Poéticas Campesinas – Um mundo de valores, recordações e aspirações, que reúne obras do artista plástico espanhol Diego Ceano e da mestra em bordados Antônia Dumont, grandes homenageados da mostra, e dos brasileiros Jocelino Soares, Codo, Jair Lemos, Shirlene Pérola Negra, além dos coletivos de bordadeiras Linhas da Resistência e Matizes Dumont. 

Poéticas Campesinas tem curadoria do Espaço Cultural Barthô Naïf e do Instituto Alvorada Brasil. Inaugura no dia 8 de junho no próprio Instituto Cervantes, às 19h. Aberta e gratuita à comunidade de Brasília, estará até dia 30 de julho. 

Entre pinturas e bordados, a exibição estreita laços entre o Brasil e a Espanha e reforça elos de ligação estéticos, históricos, sociais e afetivos entre os dois países, por meio da expressividade da arte, dos artistas e do povo do campo. Os trabalhos retratam a fé, as festas religiosas, as colheitas, a gastronomia, os costumes, os folclores e os valores solidários e comunitários do povo campesino. 

Literatura espanhola, canções de trabalho, trovas e hábitos alimentares integram um universo pleno de sotaques e vocabulários locais que reafirmam a importância do trabalho e da cultura no campo, onde as manifestações plásticas se tornam um denso e lírico gesto de mergulho no meio rural. A poética campesina se manifesta como resistência, memória e ancestralidade na luta pela terra e preservação de tradições, rompendo estereótipos de dor e propondo o campo como local de vida pulsante.

“Pensar a Poética Campesina como uma ponte entre Brasil e Espanha significa discutir o direito a habitar a terra e a permanecer nela não só como um ato econômico, mas, também, cultural. As artes visuais, nesse sentido, valorizam a realidade do camponês no passado, a sua existência presente e a construção de seu futuro”, afirma Oscar D’Ambrósio, membro do conselho curatorial ao lado de Odécio Rossafa, Shirlene Pérola Negra, Juliana Cândido, Sávia Dumont e Beatriz Dignart. 

A mostra contará também com uma oficina interativa com as bordadeiras na quarta-feira (10), das 14h30 às 17h, no Instituto Cervantes.

Os artistas e as obras, por Oscar D’Ambrósio

A identidade Andaluza de Diego Ceano

ANatural de Málaga, Diego Ceano celebra, em suas telas, a memória do mundo rural andaluz. Atua como escritor, historiador e pintor. Ex-funcionário da DiputaciónProvincial de Málaga, órgão que apoia a preservação da cultura rural na região, desenvolve um trabalho literário e visual focado no resgate de crônicas, personagens e paisagens que compõem a alma da cidade e de seus arredores. Captura, assim, com tonalidades vívidas, a essência do cotidiano camponês espanhol, retratando, entre outros temas, vilarejos, campos e a arquitetura das residências, mostrando ainda tradições populares, evocando uma atmosfera de nostalgia e pureza em relação ao passado rural.

Antônia Zulma Diniz Dumont, mestra dos Bordados 

Antônia Zulma Diniz Dumont – Ioiô, como a chamava o pai Floriano Diniz, nasceu pessoa alegre, encantadora, espirituosa, irônica em seus comentários. Muito querida pelos pais, pelos irmãos, irmãs, cunhadas e pelo marido Demóstenes Dumont Vargas –  esse amor principado aos 16 anos. As flores da bordadeira chegam com as estações. Surgem na poeira a cada curva da estrada de chão ou da estrada de ferro – Tudo quanto era estação salpicada de florescência a mostrar uma certa expansão dos lilases, dos amarelos e dos tons e das águas do cerrado. Assim foi ampliada para sempre a arte de bordar, feita de curiosidade entre banhos de córrego, laçadas azuis em volta de um buquê em floração. 

A chegada do amado, a meninada crescendo, a florir em volta das caixas de linhas e dos riscos. A vida seguindo. Nas caixas e nos guardados, os buquês de papoulas vindos do outro lado do mar fazendo par com lírios do brejo e amor-perfeito na vida da jovem mulher, em seu fazer de bordar flores.

Antônia sempre olhou para formas, cores, flores, com interesse de quem quer ver além da pétala, entre os fios d’água do rio azul cheio de céu que é o São Francisco. Em cada floração, desde as miudinhas de beira de calçada até as de monturo, as flores de romã, as rosas “La Família”, os cravos do quintal de vó Bilu. Em cada uma ela soube descobrir brincadeiras para seus bordados.

Uma Certa Estrada Boiadeira, de Jair Lemos

 A Série Uma certa estrada boiadeira, de Jair Lemos, apresenta dez pinturas que enfocam a antiga rota comercial que conectava o Mato Groso ao Noroeste Paulista entre os séculos XIX e XX. Esse percurso era utilizado pelas comitivas que conduziam o gado até os frigoríficos de Barretos. As imagens constituem um convite a uma reflexão sobre o desenvolvimento regional e a identidade cultural moldada pelas estradas de pó vermelho ao ritmo lento dos bois. As telas valorizam o dia a dia dos boiadeiros e das comitivas, remetendo à natureza e aos vilarejos que surgiram ao longo do caminho, sendo um documento poético visual que preserva as tradições rurais.

Codo e a Revolução Campesina

Os trabalhos de Codo lidam plasticamente com episódios e personagens da Guerra Civil Espanhola (1936–1939) na perspectiva de como existem elos entre esse momento histórico e a luta campesina espanhola. A luta dividiu a Espanha entre o governo republicano democraticamente eleito e os rebeldes nacionalistas liderados pelo general Francisco Franco, terminando com a vitória destes últimos e a instauração de uma ditadura fascista que durou quase 40 anos. O confronto é amplamente considerado pelos historiadores como um prelúdio para a Segunda Guerra Mundial. Enquanto os republicanos (legalistas) eram defensores da Segunda República Espanhola – incluindo a esquerda política, liberais, comunistas, anarquistas e sindicatos, recebendo apoio militar direto da União Soviética e a ajuda voluntária de milhares de civis estrangeiros integrados nas chamadas Brigadas Internacionais –, os nacionalistas (sublevados) reuniam a ala conservadora do exército, grandes proprietários de terras, a Igreja Católica e o partido fascista Falange, recebendo apoio bélico da Alemanha Nazista de Adolf Hitler e da Itália fascista de Benito Mussolini. As obras de Codo citam justamente episódios nesse contexto de polarização e violência que encontra muitos reflexos nos conflitos na zona rural da Espanha.

O ser caipira de Jocelino Soares

Natural de Neves Paulista, região de São José do Rio Preto (SP), o artista visual Jocelino Soares pesquisa visualmente a zona rural, profundamente vinculada com as suas memórias de infância. Retrata colheitas na perspectiva da vida cotidiana de quem está na lida do campo, com um intenso trabalho nos jogos de luzes e de claros e escuros, além de folias de reis, manifestações sagradas presentes no cotidiano rural, criando conjuntos em que as cores celebram a força da terra, o lirismo, a resiliência e a resistência do ser e do viver caipira. 

Sementes de história de Shirlene Pérola Negra

Natural de Cajuri (MG), a artista visual, curadora e gestora cultural  Shirlene Pérola Negra atua em ações relacionadas no segmento da arte popular, valorizando a cultura de matriz africana como maneira de expressar uma relação visceral com as manualidades e artesanias como maneira de construir uma interpretação do mundo.

Seus trabalhos valorizam o fazer artístico enquanto uma criação que instaura pontes entre pessoas e regiões de maneira horizontal e democrática, trazendo para o centro do cenário ancestralidades e memórias pessoais que se universalizam por serem retratos do ato de existir no mundo. 

Grupo Matizes Dumont

Uma das maiores referências brasileiras na intersecção entre arte têxtil, poética campesina e preservação cultural, o grupo Matizes Dumont é composto por membros da família Dumont, de Pirapora (MG). O grupo transformou o bordado tradicional em uma linguagem artística contemporânea conectada com a bacia do Rio São Francisco e com pássaros, flores e o curso das águas que aludem ao cerrado, representados com multiplicidade de cores e texturas. Os bordados também trazem como temática o misticismo, as lendas e a religiosidade dos povos ribeirinhos e sertanejos. O uso de diferentes pontos cria relevos que dão vida ao dia a dia do campo, transformando o tecido em uma topografia de afetos, já que o trabalho é feito a muitas mãos, reforçando a ideia de que a arte feita no campo é, por essência, um ato comunitário e familiar. Ao manter vivo o bordado manual em um mundo industrializado, o grupo preserva o saber das bordadeiras do interior e promove a sustentabilidade cultural da região.

Coletivo Linhas da Resistência

Grupo de artistas, ativistas e educadores, o Coletivo Linhas da Resistência utiliza as artes têxteis como ferramentas de denúncia política, preservação da memória e resistência social. Um dos objetivos é resgatar saberes manuais tradicionalmente domésticos e levá-los para o espaço público como forma de protesto. O bordado não é visto, portanto, como adorno, mas como uma forma de escrita visual que enfoca a luta pela terra, a violência contra a mulher, o racismo e a defesa da democracia. Os trabalhos remetem a tradições rurais e às mãos de mulheres que, historicamente, usaram a agulha para sustentar suas famílias e culturas. O grupo, nesse sentido, organiza encontros em praças e ocupações, onde o ato de bordar convida ao diálogo e à conscientização política e grandes panos bordados são carregados em marchas pelas cidades com mensagens que nasceram no campo ou nas periferias.

 SERVIÇO:

Exposição Poética Campesina – Um mundo de valores, recordações e aspirações. Quando: De 8 de junho a 30 de Julho 

Onde: Instituto Cervantes (SEPS 707/ 907 Lote D). 

Horários: De segunda a sexta, das 9h às 21h, e sábados, das 9h às 12h. 

Entrada franca, livre para todos os públicos. 

Informações pelo e-mail barthonaif@gmail.com ou pelo número 61 99661 1935 (Odécio Rossafa, co-curador da mostra).

Em exposição individual, artista trans do Distrito Federal questiona o horror à morte e convida o público a renascer pela aceitação do fim, em mostra que ocupa a galeria A Pilastra a partir de 30 de junho.

A galeria A Pilastra (Guará II) abre suas portas no dia 30 de junho para receber a exposição “Do Pó ao Pó”, de Romulo Barros (Medeiros – MG, 1995). Com curadoria coletiva de Belo e Bizarro, Júlia Teodoro, Madá Granja, Ness e Tahak Meneguzzo, a mostra reúne um conjunto de obras que explora os ciclos de morte e renascimento, a memória de narrativas marginais e a morte não como um fim, mas como um processo de transformação. A visitação segue até 15 de agosto, com entrada gratuita e programação educativa paralela.

Natural do interior de Minas Gerais, em uma região marcada pelo artesanato, pela agricultura e pela cultura da invenção, Romulo Barros carrega em sua prática a memória de fazeres manuais. Sua produção nasce do afeto e do vínculo com o mundo, desprendendo-se do corpo para existir como transmídia. Escultura, instalação, pintura, fotografia, gravura e outras materialidades são utilizadas como dispositivos simbólicos que materializam uma atmosfera ritualística, articulando o que já existe no mundo em expressão poético-alquímica.

Em “Do Pó ao Pó”, Romulo Barros reinventa simbolismos e constrói uma poética visual que atravessa o abjeto e o divino, o erótico e o fúnebre, o visceral e o delicado. Em um país que há mais de 17 anos lidera o assassinato de pessoas trans, a fala de artista trans sobre a morte — não como negação, mas como aceitação e aprendizado — torna-se um ato político e existencial, um convite para desaprender o medo do fim.

“Não nos traz respostas fáceis. Sua obra é polissêmica: ao mesmo tempo que toca em temas como corpo de um ponto de vista escatológico, suas obras evocam um erotismo; ao mesmo tempo em que são sombrias e fúnebres, produzem um deslumbramento divinal; falam simultaneamente sobre afeto e violência. Ela quebra todas as dualidades, despedaçando as barreiras frágeis que dividem e domesticam o mundo. É um trabalho ao mesmo tempo visceral e delicado, melancólico e celebrativo, simples e complexo, erótico e abjeto. Está além da linguagem, é inexplicável, e por isso comporta intermináveis significados.”, destaca o coletivo curatorial.

Matéria, signo e corpo: a tridimensionalidade como linguagem

A pesquisa de Romulo se materializa em uma mistura de linguagens que transita entre a pintura, a escultura, a fotografia, a gravura e a instalação. Longe de se fixar em um único suporte, costura seus temas com uma pluralidade de materiais e técnicas que dão carne ao conceito.

Entre os trabalhos tridimensionais, destaca-se a instalação “Fissura”, na qual o tecido adquire propriedades escultóricas ao dar forma a um monte de feijões. Já em “Pedrada”, o processo de escultura e assemblagem evidencia a materialidade bruta do fazer artístico. Em diversas obras de parede, como “SOM SOM SOM”, “A Gota d’Água”, “Seta” e “Elos Entrelaçados”, Romulo Barros incorpora elementos tridimensionais em alto ou baixo relevo, borrando a fronteira entre o plano e o volume.

A pintura, por sua vez, ganha densidade com o uso de materiais específicos como cimento, sangue e veludo, enquanto a presença de elementos gráficos — setas, cruzes e círculos — confere à obra uma dimensão simbólica e ritualística. A série fotográfica, composta por “Intervenção” e “Olhos que a terra há de comer”, completa esse universo visual com um olhar que documenta e também performa a memória.

O horror à morte em questão

A exposição parte de uma reflexão central: o horror à morte é um dos pilares do pensamento eurocristão-monoteísta, como aponta o pensador Nego Bispo em “A terra dá, a terra quer”. Ideias como pureza, higiene, segurança, isolamento, hierarquia e controle estão fundamentadas numa negação radical da morte e numa afirmação da vida que, segundo o Romulo, aprisiona o corpo e o pensamento.

Ao contrário desse dualismo, Barros propõe uma aproximação íntima com a morte. Não para temê-la, mas para aprender com ela. Sua obra convida a renascer, justamente por permitir encarar o fim como parte indissociável da existência. Essa abordagem torna “Do Pó ao Pó” uma experiência estética e filosófica rara no circuito cultural brasileiro, especialmente por vir de uma pessoa trans.

Serviço 

Exposição: “Do Pó ao Pó”, de Romulo Barros

Curadoria: Belo e Bizarro, Júlia Teodoro, Madá Granja, Ness, Tahak Meneguzzo

Local: A Pilastra – QE 40 Rua 09 Lote 8 – Guará II

Abertura: 30 de junho (terça-feira), às 19h – evento aberto ao público

Visitação: 1º de julho a 15 de agosto de 2026

Entrada: Gratuita

Atividades paralelas: A exposição contará com visitas mediadas, roda de conversa e ações do educativo do Quintal d’A Pilastra para público aberto. As vagas são limitadas e as inscrições serão divulgadas pelo Instagram da galeria, com formulário próprio. A programação também prevê atendimento a escolas mediante agendamento.

Sobre os curadores, grupo formado a partir do grupo de pesquisa em curadoria de 2024 da galeria-escola A Pilastra.

Belo e Bizarro é artista transmídia, cuja prática tensiona os limites entre linguagem e matéria, corpo e território. Indicada ao Prêmio PIPA 2026, integra o grupo de pesquisa da galera-escola A Pilastra.

Júlia Teodoro (Brasília, 1998) é bacharel em Antropologia (UnB), multiartista, atriz, arte-educadora e mediadora cultural. Participou das exposições coletivas Sumidouro, Investigações Poéticas e Delírio Voluntário. Esta é sua estreia como curadora.

Madá Granja é artista visual, curadora independente, mestranda em História da Arte pela UnB e produtora cultural. Desenvolve projetos curatoriais em espaços como Museu Nacional da República, DeCurators e Espaço Cultural Renato Russo.

Ness (Vanessa Aragão) é multiartista, estudante de Ciências Sociais com foco em Museologia (UnB) e mediadora no CCBB. Participou da pesquisa e montagem da exposição Falo (de) Erotismo e estreia como curadora em “Do Pó ao Pó”.

Tahak Meneguzzo (Curitiba, 1998) é artista visual e designer formado pela UnB, transmasculino e autista. Atua como designer editorial no Iphan e em projetos culturais. Integra a curadoria a partir de sua investigação em escultura cerâmica, pintura, desenho e gravura

Ministradas por artistas visuais presentes na Exposição “Amazônicas: Poéticas Femininas”, a agenda inclui uma visita guiada com a curadora da mostra, Sissa Aneleh

Promovendo a arte e a ancestralidade atreladas ao Norte brasileiro, o CCBB Brasília irá sediar nesta semana uma série de atividades que fazem parte da Exposição “Amazônicas: Poéticas Femininas”. Contando com pintura ao vivo, visita guiada pela mostra e uma palestra que tange o universo da arte contemporânea, todos os encontros são gratuitos e estão previstos para acontecerem ao longo do final do mês de junho.

As atividades já se iniciam nesta quinta-feira, dia 25, e seguem até o sábado, 27 de junho, sendo elas:

Palestra “Pintura Amazônica na Arte Contemporânea Brasileira” com Sissa Aneleh e Wɨra Tini (25/06)

Ressaltando a poética da construção na arte amazônica contemporânea com a mediação de Sissa Aneleh, curadora da Exposição “Amazônicas: Poéticas Femininas”, a artista Wɨra Tini irá reforçar a ancestralidade indígena por meio da arte urbana e do protagonismo feminino, que se entrelaça na experiência moderna com a imagem dos saberes tradicionais.

Ressaltando novas narrativas historicamente silenciadas ao mesmo tempo que explora temáticas atreladas à corporeidade, identidade e resistência, a palestra está prevista para iniciar às 15h,  é aberta ao público e os ingressos podem ser retirados diretamente na bilheteria do CCBB Brasília.

Pintura ao Vivo com Wɨra Tini (26/06)

Com o intuito de aproximar o público da experiência artística contemporânea na narrativa amazônica, a artista visual Wɨra Tini irá liderar a atividade que transforma a pintura em um espaço de diálogo e reflexão coletiva. Colocando sempre a presença feminina em evidência, a artista, que é descendente do povo Kokama, mescla em sua pesquisa os temas da ancestralidade indígena, território e identidade.

Ao convidar o público para refletir sobre a pluralidade das experiências femininas, uma obra irá ser desenvolvida aos olhos dos participantes, revelando assim as referências culturais, artísticas e afetivas que a artista carrega.

Alinhada ao conceito curatorial da Exposição “Amazônicas: Poéticas Femininas”, a atividade é aberta ao público e está prevista para iniciar às 14h da tarde.

Visita Guiada com Curadora Sissa Aneleh (27/06)

Fechando a programação da semana, a curadora Sissa Aneleh irá liderar uma visita guiada pela  Exposição “Amazônicas: Poéticas Femininas” a partir das 15h da tarde deste sábado, dia 27. Explorando uma pluralidade de temáticas que englobam afeto, regionalismo, diversidade e ancestralidade feminina, a mostra contém obras físicas e digitais de 21 artistas plásticas e visuais do Norte do Brasil que expressam sua individualidade através de esculturas, pinturas, gravuras, fotografias, objetos e performances.

A Exposição “Amazônicas: Poéticas Femininas” ficará disponível para visitação no Centro Cultural Banco do Brasil até 16 de agosto. Patrocínio da Petrobras e do Ministério da Cultura via Lei Rouanet – Incentivo a Projetos Culturais. Apoio do CCBB, coordenação e produção do Museu das Mulheres.

Espaço Petrobras Amazônicas 

A proposta do espaço é viver a realidade expandida, oferecendo visita de parte das obras da exposição no ambiente espacial do Metaverso das Mulheres. O visitante usa óculos 3D para  acessar a sala expositiva em 360 graus, conhecer o lounge, viajar entre portais, interagir com  avatares em realidade aumentada e visualizar as obras de forma totalmente imersiva e inovadora.

Programa Petrobras Cultural

A Petrobras possui uma história de mais de 40 anos acreditando de forma contínua na cultura como elemento transformador e fonte de energia para a sociedade. Apoiando projetos únicos e parcerias de longo prazo, construímos uma relação de respeito e colaboração com realizadores e iniciativas de todo o país. 

O Programa Petrobras Cultural tem a Brasilidade como elemento norteador, que se materializa nas temáticas, origens, curadoria, história e características de cada projeto que selecionamos. O Programa Petrobras Cultural apoia a cultura brasileira como força transformadora e impulsionadora deste desenvolvimento.

O CCBB Brasília

O Centro Cultural Banco do Brasil Brasília (CCBB Brasília) foi inaugurado em 12 de outubro de 2000. Sediado no Edifício Tancredo Neves, uma obra arquitetônica de Oscar Niemeyer, tem o objetivo de reunir, em um só lugar, todas as formas de arte e criatividade possíveis.

Com projeto paisagístico assinado por Alda Rabello Cunha, dispõe de amplos espaços de convivência, galerias de artes, sala de cinema, teatro, praça central e jardins, onde são realizados exposições, shows musicais, espetáculos, exibições de filmes e performances.

Além disso, oferece o Programa Educativo CCBB Brasília, projeto contínuo de arte-educação, que desenvolve ações educativas e culturais para aproximar o visitante da programação em cartaz, acolhendo o público espontâneo e, especialmente, estudantes de escolas públicas e particulares, universitários e instituições, por meio de visitas mediadas agendadas.

Em 2022, o CCBB Brasília se tornou o terceiro prédio do Banco do Brasil a receber a certificação ISO 14001, cuja renovação anual ratifica o compromisso da instituição com a gestão ambiental e a sustentabilidade.

Acessibilidade CCBB

A ação Vem pro CCBB conta com uma van que leva o público, gratuitamente, para o CCBB Brasília. A iniciativa reforça o compromisso com a democratização do acesso e a experiência cultural dos visitantes.

A van fica estacionada próxima ao ponto de ônibus da Biblioteca Nacional. O acesso é gratuito, mediante retirada de ingresso, no site, na bilheteria do CCBB ou ainda pelo QR Code da van. Lembrando que o ingresso garante o lugar na van, que está sujeita à lotação, mas a ausência de ingresso não impede sua utilização. Uma pesquisa de satisfação do usuário pode ser respondida pelo QR Code que consta do vídeo de divulgação exibido no interior do veículo.

Horários da van, de quinta a domingo:

Biblioteca Nacional – CCBB: 13h, 14h, 15h, 16h, 17h, 18h, 19h e 20h

CCBB – Biblioteca Nacional: 13h30, 14h30, 15h30, 16h30, 17h30, 18h30, 19h30, 20h30 e 21h30

Museu das Mulheres

O Museu das Mulheres (Museu DAS), sediado em Brasília, é o primeiro museu brasileiro dedicado a valorizar e dar visibilidade à produção artística, cultural e histórica de mulheres. Com execução de projetos diversos em espaços físicos no Brasil e no mundo, lança experiências em ambientes espaciais e interativos – com Realidade Expandida (XR), Realidade Aumentada (RA) e Realidade Virtual (RV) – e, por extensão, tem salas expositivas no Metaverso. Possui programação em artes plásticas e visuais, cinema, eventos, além de programa educativo, área de pesquisa, acervo e editora própria.

Diretora Artística e Curadora Sissa Aneleh

Fundadora e Diretora do Museu das Mulheres, Mestra e Doutora em Artes, Historiadora de Arte, Diretora Artística, Curadora e Produtora Executiva. Trabalha há mais de 15 anos na área artística e dirigiu projetos aprovados pela Petrobras, CCBB, Caixa Cultural, Fundo de Apoio à Cultura do DF e Goethe Institut. Faz a direção executiva e artística da programação expositiva, audiovisual e educativa do museu, além da coordenação editorial do Museu das Mulheres. Realizou a curadoria de mais de 17 exposições, incluindo 2 circulações internacionais de exposição do museu com artistas brasileiras na Alemanha, passando pelo Museu de Arte de Bochum, Centro de Cultura de Manheim, Bienal de Arte de Bochum e Festival de Berlim. Diretora Artística e Curadora da exposição Vetores-Vertentes: Fotógrafas do Pará no CCBB São Paulo, Belo Horizonte, Brasília e Rio de Janeiro – 2025 a 2026. Possui pesquisas de arte voltadas para história da arte, mulheres artistas, arte brasileira, arte decolonial, cinema autoral feminino e poéticas curatoriais.

Serviço

Pintura Amazônica na Arte Contemporânea Brasileira

Palestrantes: Wɨra Tini; mediação por Sissa Aneleh

Local: Centro Cultural Banco do Brasil –  SCES Trecho 02, Plano Piloto, Brasília / DF. Cinema.

Data: 25 de Junho, quinta-feira

Horário: 15h às 16h

Classificação indicativa: Livre

Entrada: Gratuita, com retirada de ingressos na bilheteria. Vagas sujeitas à lotação do espaço.

Serviço

Pintura ao Vivo com Wɨra Tini

Artista: Wɨra Tini

Local: Centro Cultural Banco do Brasil –  SCES Trecho 02, Plano Piloto, Brasília / DF

Data: 26 de Junho, sexta-feira

Horário: 14h às 16h30

Classificação indicativa: Livre

Entrada: Gratuita

Serviço

Visita Guiada com Curadora Sissa Aneleh

Local: Centro Cultural Banco do Brasil –  SCES Trecho 02, Plano Piloto, Brasília / DF

Data: 27 de Junho, sábado

Horário: 15h

Classificação indicativa: Livre

Entrada: Gratuita, com retirada de ingressos na bilheteria do CCBB.

Serviço

Exposição “Amazônicas: Poéticas Femininas”

Curadoria: Sissa Aneleh

Visitação: 09 de junho a 16 de agosto

Local: CCBB Brasília – Galeria 1 (Setor de Clubes Especial Sul Trecho 2 – Plano Piloto)

Horário: CCBB Brasília: aberto de terça a domingo, das 9h às 21h. Ingressos: Entrada gratuita. Ingressos retirados no site bb.com.br/cultura ou na bilheteria do CCBB 

Classificação indicativa: Livre

Informações:  fone: (61) 3108-7600 | e-mail: ccbbdf@bb.com.br | site/ bb.com.br/cultura | Instagram/ @ccbbbrasilia | Tiktok/@ccbbcultura | YouTube/ Bancodobrasil | Instagram/@museudasmulheres

Coordenação e produção: Museu das Mulheres

Patrocínio: Petrobras

Apoio: CCBB Brasília

Realização: Ministério da Cultura

A noite da última terça-feira (16) foi marcada por emoção, afeto e celebração na abertura da exposição Galeno, o mistério do simples, na Caixa Cultural Brasília. Familiares, amigos, artistas, colecionadores, representantes da cena cultural e admiradores da obra de Francisco Galeno se reuniram para homenagear um dos maiores nomes da arte contemporânea brasileira, pouco mais de um ano após sua partida.

A mostra, idealizada pela Referência Galeria de Arte, nasceu ainda com a participação ativa do artista, que acompanhou o desenvolvimento do projeto e escolheu pessoalmente o amigo e renomado curador Paulo Herkenhoff para assinar a curadoria. O resultado é uma exposição que transcende o caráter retrospectivo e se transforma em uma grande celebração de sua trajetória, de sua sensibilidade e da profunda conexão que construiu com o Brasil, suas memórias e sua cultura popular.

Com mais de 120 obras e objetos, a exposição apresenta um amplo panorama da produção de Galeno, reunindo pinturas, esculturas, gravuras, documentos, fotografias, objetos pessoais e obras emblemáticas que atravessam diferentes momentos de sua carreira. O público também pode conhecer aspectos íntimos da vida do artista, suas referências afetivas, sua relação com Brazlândia, com o Piauí e com o Botafogo, time que acompanhou apaixonadamente ao longo da vida.

Durante a abertura, a presença da família deu um tom ainda mais especial ao encontro, que começou com uma apresentação do filho Diego Galeno ao violão. Entre abraços, lembranças e reencontros, amigos e admiradores celebraram o legado de um artista que transformou a simplicidade em poesia visual e construiu uma obra reconhecida pela autenticidade, pela alegria das cores e pela capacidade de dialogar com diferentes gerações.

A exposição permanece aberta ao público até o dia 4 de outubro e ocupa todos os espaços expositivos da Caixa Cultural Brasília. Considerada a maior mostra já realizada sobre Francisco Galeno, a iniciativa reafirma a relevância de sua produção para a arte brasileira contemporânea e mantém viva a memória de um criador que fez da imaginação, da cultura popular e das experiências cotidianas matéria-prima para uma obra singular.

Após a temporada na capital federal, Galeno, o mistério do simples seguirá em itinerância para a Caixa Cultural São Paulo e, posteriormente, para a Caixa Cultural Rio de Janeiro, ampliando o alcance de uma homenagem à altura da importância de Francisco Galeno para a arte brasileira.

Exposição com curadoria de Paulo Herkenhoff reúne obras produzidas ao longo de sua carreira e celebra o legado do artista um ano depois de sua morte

A CAIXA Cultural Brasília apresenta a exposição “Galeno, o mistério do simples”, do dia 16 de junho a 4 de outubro de 2026, uma grande celebração a um dos mais importantes artistas visuais brasileiros contemporâneos, a ser realizada um ano após sua partida precoce, em 2 de junho de 2025. A curadoria de Paulo Herkenhoff foi uma escolha do artista, ainda durante o processo de criação da exposição, e a coordenação geral está a cargo da Referência Galeria de Arte. 

A mostra apresenta um amplo panorama da trajetória de Galeno, por meio de pinturas, esculturas em madeira, gravuras, objetos de diferentes dimensões, obras produzidas no início da carreira do artista até as mais recentes, entre elas três do acervo do MAB- Museu de Arte de Brasília e o documentário “Galeno, Curumim Arteiro”, do cineasta Marcelo Diaz.

A exposição propõe uma imersão no universo poético do artista, com fotos, matérias de jornais, objetos pessoais e sua forte relação com o futebol, em especial o Botafogo- time do coração do artista-, como forma de valorizar a memória, da infância, da cultura popular brasileira e das experiências afetivas que atravessaram a produção de Galeno. Entre as obras, destacam-se o mural da Igrejinha da 308 sul e o calçadão de Brazlândia, espaços já incorporados ao cotidiano e à paisagem urbana de quem vive no Distrito Federal. 

Em um trecho da apresentação, o curador Paulo Herkenhoff pontua: “Francisco Galeno se escreve com S de Simples, como no título de sua exposição ‘O Mistério do Simples’”, estabelecendo conexões entre a modernidade, a artesania e os códigos da arte popular brasileira, revelando a potência estética presente nos gestos cotidianos e nos materiais simples transformados pela imaginação do artista. “Galeno se comunicava diariamente com um grupo de pessoas amigas, do qual tive o prazer de fazer parte, com textos e fotos do seu entorno. Tinha orgulho de vir de uma família simples do Piauí”, afirma Herkenfoff, que acrescenta que o grande orgulho do artista era a família e as conquistas de seus filhos e netos. “Ele foi um menino candanguinho, que escolheu viver em Brazlândia”, finaliza Paulo.

Segundo Onice Moraes de Oliveira, da Referência Galeria de Arte, responsável pela coordenação geral da mostra, o título escolhido pelo curador traduz a essência da obra do artista. “A obra dele é simples, colorida, alegre, transmitindo autenticidade e verdade. O projeto, que era para ser uma retrospectiva da vida dele, depois de sua morte, passou a ser uma celebração”, afirma ela, que faz questão de ressaltar o fascínio que as obras de Galeno despertam nas pessoas. “A simplicidade da obra do Galeno é tão querida e tão desejada que passa a ser um mistério”. 

Para João Francisco de Andrade Galeno, filho do artista, a exposição tem um significado profundamente emocional e simbólico. “A exposição individual do meu pai na Caixa Cultural é algo que nós vínhamos conversando e tentando realizar há alguns anos. Infelizmente, ele não estará aqui para viver esse momento da forma como gostaríamos, mas sabemos que continuará presente através das suas obras, da sua história e das memórias que deixou em cada pessoa que teve a oportunidade de conhecê-lo e admirar sua arte”, afirma. 

João destaca ainda o caráter de legado da mostra. “Para nossa família, é um momento muito especial e emocionante, principalmente por ver seu trabalho ocupando um espaço tão importante para a cultura brasileira. Tenho certeza de que essa exposição será também uma forma de manter vivo todo o legado que ele construiu ao longo da vida. Mais do que uma exposição, esse momento representa o reconhecimento de toda uma trajetória dedicada à arte.”

Sobre Galeno

Nascido no dia 13 de maio de 1956 na Parnaíba (PI)- ondemanteve um ateliê ao longo da vida-, e criado em Brazlândia, Galeno construiu uma obra profundamente atravessada por suas origens e pelas experiências vividas entre o Nordeste e o Cerrado brasileiro. Seu olhar curioso e afetuoso para as manifestações culturais, os brinquedos populares, os objetos cotidianos e a história da arte consolidou uma produção singular, reconhecida nacional e internacionalmente. 

Considerado um dos principais nomes das artes visuais no Brasil, Galeno participou recentemente da 14ª Bienal do Mercosul, da exposição “Brasília, Arte da Democracia” e realizou a individual “O Piauí é aqui – o Piauí não é aqui”, na Galeria Galatea. Em 2025, sua obra “As Quatro Estações” passou a integrar o acervo do Palácio do Planalto.

Sobre Paulo Herkenhoff

Um dos mais importantes curadores e críticos de arte da América Latina, responsável por projetos fundamentais para a compreensão histórica da arte brasileira contemporânea, como o Pavilhão Brasileiro da 47ª Bienal de Veneza e a histórica 24ª Bienal de São Paulo, conhecida como “Bienal Antropofágica”. Herkenhoff destaca ainda que “pensá-lo como um artista ingênuo ou apenas ‘popular’ é um equívoco”, ressaltando a sofisticação formal e conceitual presente na obra do artista. “Galeno produziu uma geometria sensível, construída entre a cultura popular brasileira, a memória afetiva e a experiência contemporânea”, afirma ele. 

Referência Galeria de Arte

Ao longo de trinta anos de atividades como uma das principais galerias de arte em Brasília, a Referência atua destacadamente no cenário cultural de Brasília, promovendo e divulgando a produção de artistas locais, nacionais e internacionais, contribuindo para a integração da capital federal no circuito artístico brasileiro.

A Referência Galeria de Arte sempre manteve uma importante relação institucional com Galeno, levando suas obras para espaços como Caixa Cultural, Museu dos Correios e relevantes feiras do segmento como SP Arte e ArtRio. Além disso, realizou exposições marcantes na galeria, como “Arte por Engano” e “Meu Galeno”- esta última, uma homenagem ao artista que traduz o desejo dos amantes das artes de possuir uma obra de Galeno.

“Galeno, o mistério do simples” reafirma a força de uma obra que transformou memória, matéria e imaginação em linguagem artística, celebrando o legado de um criador que soube revelar, na simplicidade, uma profunda dimensão poética do Brasil. Depois de Brasília, a mostra segue para Caixa Cultural São Paulo (6/11/26 a 7/02/2027) e Rio de Janeiro (26/10/27 a 13/02/28).

SERVIÇO

Exposição: Galeno, o mistério do simples
Período: 16 de junho a 4 de outubro

Horário: De terça a domingo, das 9h às 21h
Local: CAIXA Cultural Brasília
Curadoria: Paulo Herkenhoff
Coordenação geral: Referência Galeria de Arte

Evento gratuito reúne a curadora Elma Sousa, a influenciadora Gigi Barreto e o escritor André Carvalhal em encontros que exploram os impactos do design na vida cotidiana

Brasília respira design o ano inteiro. Mas, no mês de junho, a cidade vira palco oficial da criatividade. De 8 a 14 de junho, o Brasília Design Week 26 ocupa o Memorial dos Povos Indígenas com uma programação que conecta arquitetura, arte, inovação e economia criativa por meio de experiências espalhadas por diferentes pontos da capital — e o Brasília Shopping não poderia ficar de fora desse circuito.

Patrocinador da edição deste ano, o shopping recebe dois dias de talks gratuitos no Teatro Brasília Shopping, reunindo nomes que transformam memória, comportamento e afeto em linguagem criativa. No dia 10 de junho, às 19h, a curadora Elma Sousa, do Galpão Design, conduz o encontro Entre Tempos: cidade, design e memória, ao lado das artistas responsáveis pelo mobiliário autoral criado para os espaços de convivência do Brasília Shopping. 

Idealizado pelo shopping em parceria com a Galpão — A Casa do Design Brasileiro, o projeto convidou cinco designers mulheres de Brasília a desenvolver peças inéditas inspiradas na arquitetura modernista da capital, na obra de Ruy Ohtake e nos símbolos urbanos que moldam a identidade da cidade. Indo além do processo criativo do mobiliário, o talk propõe uma reflexão sobre o design como ferramenta de memória, pertencimento e conexão entre tempos, pessoas e espaços. A programação inclui ainda a apresentação do videocast Entretempos, que mostra os bastidores da criação das peças. 

Já no dia 11, a conversa começa às 17h com Gigi Barreto, do perfil @casavidacenário, em um bate-papo sobre arquitetura afetiva, aquela que transforma espaços em extensão das histórias que vivemos neles. Mais tarde, às 19h, André Carvalhal sobe ao palco para falar sobre macrotendências, comportamento e futuros possíveis, além de lançar o livro A Alegria em Ficar de Fora.

Todas as atividades são gratuitas, com inscrições pelo app do Brasília Shopping. Um convite para enxergar o design por novos ângulos: mais criativos, mais inovadores e, acima de tudo, mais humanos.

SERVIÇO

Brasília Design Week no Brasília Shopping

Talk | Entre Tempos: cidade, design e memória
Data: 10 de junho (quarta-feira)
Horário: 19h
Local: Teatro Brasília Shopping

Talk | Arquitetura Afetiva, com Gigi Barreto (@casavidacenario)
Data: 11 de junho (quinta-feira)
Horário: 17h
Local: Teatro Brasília Shopping

Talk e lançamento do livro “A Alegria em Ficar de Fora”, com André Carvalhal
Data: 11 de junho (quinta-feira)
Horário: 19h
Local: Teatro Brasília Shopping

Entrada gratuita
Inscrições: aplicativo do Brasília Shopping

Evento no Espaço Brasal Noroeste, no dia 30 de maio, uniu sofisticação, gastronomia portuguesa e condições especiais de negociação em torno do empreendimento Reserva Douro

A Brasal Incorporações recebeu clientes e convidados no último dia 30 de maio, para uma experiência exclusiva no Espaço Brasal Noroeste (CLNW 2/3 Lote E, Noroeste). O encontro foi realizado em torno do Reserva Douro, projeto que traduz elegância, inovação e sofisticação inspiradas na essência do Vale do Rio Douro. 

A ideia foi proporcionar aos presentes uma verdadeira imersão no conceito que norteia o empreendimento. Para isso, foi oferecida uma experiência gastronômica temática inspirada em Portugal, com buffet de delícias da culinária portuguesa e degustação de doces típicos assinados pela “Com Certeza uma Casa Portuguesa”, referência na gastronomia lusitana na capital federal.

Durante o evento, os visitantes também puderam conhecer mais de perto os diferenciais do Reserva Douro, projeto que reúne 87 apartamentos (três ou quatro suítes) com metragens entre 128m² e 171m², além de coberturas duplex de 338m². Ele foi pensado para atender diferentes estilos de vida contemporâneos, valorizando conforto, convivência e bem-estar em uma proposta arquitetônica sofisticada e funcional.

O Reserva Douro chegou ao mercado reforçando o novo momento vivido pela incorporadora, que tem buscado imprimir em seus empreendimentos uma arquitetura pautada pela sofisticação, pela experiência e pelo conceito de bem viver. Além da ambientação especial e da experiência gastronômica, os convidados também tiveram acesso a condições exclusivas e diferenciadas de negociação exclusivamente no evento.