Sessão solene presta homenagens e debate representatividade, segurança e políticas públicas para fortalecer a participação feminina na cena independente

Ao som de uma versão do Hino Nacional executada com guitarra distorcida, teclado e voz, a Câmara Legislativa homenageou as roqueiras do Distrito Federal na noite desta quinta-feira (27). Com o tema “Mulheres do Rock: cultura, trabalho e políticas públicas para o fortalecimento da cena independente no DF”, a solenidade reconheceu as contribuições de artistas, produtoras, técnicas de som, roadies, fotógrafas, gestoras culturais, comunicadoras e demais profissionais que integram a cadeia produtiva do rock na capital.

>> Confira mais imagens da sessão no Flickr da CLDF

A sessão solene, no plenário da Casa, foi proposta pela deputada Dayse Amarilio (PSB) para debater desafios e reivindicar maior reconhecimento ao segmento. Entre as principais dificuldades encontradas pelas fãs e profissionais do rock estão a insegurança, a desigualdade de oportunidades, a baixa representatividade em grandes festivais e a ausência de mecanismos específicos de incentivo.

Em seu pronunciamento, Dayse Amarilio destacou a importância histórica do Distrito Federal para o gênero musical e defendeu a organização coletiva para ampliar a visibilidade do movimento. “Nós somos a capital nacional do rock e vocês fazem muito mais do que música. Mantêm um sonho vivo, transformam vidas e formam um movimento muito grande que, neste momento, está sendo inviabilizado”, afirmou a parlamentar. Ela também ressaltou que a homenagem representa um ponto de partida para a construção de políticas públicas voltadas ao setor.

Trajetórias e representatividade

A guitarrista da banda Estamira e produtora cultural, Sara Abreu, relembrou sua trajetória de superação até se tornar profissional da música. A artista, que adquiriu seu primeiro instrumento com a venda de amendoim em semáforos, destacou o papel de mulheres que a incentivaram ao longo do caminho.

“Hoje vivo da música graças ao incentivo de mulheres fortes que acreditaram em mim e me ajudaram a chegar a um lugar que eu jamais imaginei alcançar quando era criança”, relatou. Para ela, o fortalecimento de outras mulheres passa pela capacidade de inspirar novas gerações. “Vamos nos colocar para cima. Onde estivermos estaremos influenciando alguém com algo de bom que a gente faz”, afirmou.

Já a pesquisadora e produtora cultural Nina Puglia Oliveira apresentou reflexões a partir de estudos sobre a cadeia produtiva da música e a economia da cultura no DF. Segundo ela, as questões de gênero atravessam todo o setor cultural.

Nina argumentou que a cultura é importante fonte de renda para mulheres, mas que a insegurança ainda limita o acesso e a participação feminina nos espaços culturais. “As pesquisas mostram que muitas mulheres têm medo de consumir cultura. Em eventos noturnos e de grande porte, a segurança continua sendo uma questão fundamental para que possamos usufruir desses espaços como cidadãs”, comentou.

Origens do rock e protagonismo feminino

A atriz, comunicadora e pesquisadora Sheila Campos, por sua vez, defendeu o reconhecimento das raízes negras do rock e do protagonismo das mulheres na construção do gênero musical. Ao lembrar a trajetória da cantora e guitarrista norte-americana Sister Rosetta Tharpe, precursora do rock, Sheila destacou que a contribuição feminina foi historicamente invisibilizada.

“Se o rock é preto e seu primeiro registro é criação de uma mulher, é mais do que legítima a nossa presença não apenas aqui na CLDF, mas em todos os espaços culturais, econômicos e criativos relacionados ao rock”, afirmou.

Ela também reivindicou maior participação das mulheres em posições de comando. “Não queremos ser apenas musas ou vocalistas. Queremos mulheres instrumentistas, mulheres compositoras, empresárias, produtoras, responsáveis por estúdios, gravadoras, meios de comunicação, academia e ocupando os espaços de poder”, disse.

Políticas públicas e participação social

A pesquisadora e professora Ludmila Gaudad, vocalista da banda Estamira, ressaltou a importância da representatividade de gênero no rock e da presença feminina nos espaços de decisão. “É preciso sair do discurso para construção de política pública. E onde a gente consegue isso? Estando aqui dentro, fazendo controle social”, afirmou.

Já a jornalista, produtora cultural e multiartista Luciana Ribeiro apresentou o trabalho do coletivo Roqueiras BR, criado em 2025 no Distrito Federal com o objetivo de fortalecer e ampliar a participação feminina no rock, tanto nos palcos quanto nos bastidores. Segundo ela, além de visibilidade, as mulheres do setor reivindicam condições concretas para trabalhar.

“Como produzir cultura sem rede de apoio? Essa rede precisa vir também do Estado. Precisamos de creches. Muitas vezes a mulher fica presa num relacionamento nocivo, pois não consegue deixar o filho para trabalhar. A gente está buscando representatividade, visibilidade, mais segurança, mais espaço para a gente tocar, produzir, para a gente estar”, defendeu.

A produtora cultural Ivanete Feitosa destacou o caráter coletivo da mobilização e lembrou a importância da união e da resistência entre as mulheres da cena cultural. “Vai dizer que eu não realizei o sonho de ser revolucionária? É isso que a gente faz todos os dias sendo mulher”, afirmou.

Também presente ao evento, a deputada federal Erika Kokay (PT-DF) destacou que a presença feminina no rock representa uma forma de enfrentamento ao machismo e à exclusão. “As mulheres no rock significam a luta contra uma sociedade sexista e a defesa do direito de ocupar todos os espaços que a nossa humanidade permite”, declarou.

Bruno Sodré – Agência CLDF

Cantora aposta em parceria com um dos nomes mais emblemáticos do sertanejo brasileiro e apresenta novo single acompanhado de clipe oficial Um encontro entre diferentes gerações do sertanejo brasileiro marca o novo
momento da carreira de Duda Duarte. A cantora acaba de lançar “Não Tem Cachaça Que Cura”, música que conta com a participação especial do Trio Parada Dura, referência de um gênero que atravessa décadas e permanece presente na memória afetiva do público. Com um título forte, popular e fácil de lembrar, a canção parte de uma situação conhecida por muita gente: a tentativa de superar uma desilusão amorosa. Mas, como o próprio refrão sugere, existem dores para as quais nem a cachaça consegue ser remédio.

A música é assinada pelos compositores Chico Amado e Zé Moreira, com produção musical de Francisco Carlos de Rezende. Para Duda Duarte, a parceria representa um passo importante em sua trajetória artística. Ao dividir a gravação com o Trio Parada Dura, a cantora aproxima seu trabalho da tradição sertaneja e, ao mesmo tempo, apresenta essa sonoridade para uma nova geração de ouvintes. UM ENCONTRO ENTRE GERAÇÕES DO SERTANEJO A presença do Trio Parada Dura transforma o lançamento em mais do que uma nova faixa no repertório de Duda Duarte. O encontro simboliza uma ponte entre a história do sertanejo e artistas que seguem renovando o gênero. Ao longo de sua trajetória, o Trio Parada Dura construiu um repertório reconhecido pelo público brasileiro e tornou-se uma das referências da música sertaneja. Agora, essa experiência encontra a voz e a personalidade artística de Duda Duarte em “Não Tem Cachaça Que Cura”. O resultado é uma música que preserva elementos afetivos do sertanejo — amor, sofrimento, histórias e identificação popular — enquanto busca conversar também com o público atual.

CLIPE OFICIAL
“Não Tem Cachaça Que Cura” também ganhou um clipe oficial, ampliando a experiência do lançamento.
A produção audiovisual é assinada pela Harmonia Filmes, enquanto a distribuição digital é realizada pela ONErpm. O clipe já está disponível no YouTube e a faixa pode ser ouvida nas principais plataformas digitais.

POR QUE ESSA HISTÓRIA PODE VIRAR PAUTA?
Além do lançamento musical, a parceria abre espaço para uma conversa sobre a própria transformação do sertanejo brasileiro. Como artistas de diferentes gerações podem trabalhar juntos sem perder suas
identidades? Qual é a importância das referências do sertanejo tradicional para quem está construindo uma nova trajetória? E o que faz músicas sobre amor e desilusões continuarem atravessando gerações?
Duda Duarte pode falar sobre esses temas e revelar os bastidores da parceria com o Trio Parada Dura.

SUGESTÕES DE ABORDAGEM PARA REPORTAGENS E ENTREVISTAS
 O encontro de gerações entre Duda Duarte e Trio Parada Dura;
 Como nasceu a parceria para “Não Tem Cachaça Que Cura”;
 Bastidores da gravação da música e do clipe;
 A emoção e a responsabilidade de gravar com um nome histórico do
sertanejo;
 Por que as histórias de amor e “sofrência” continuam conquistando o
público;
 A influência do sertanejo tradicional sobre novos artistas;
 A trajetória e o atual momento profissional de Duda Duarte;
 Os próximos projetos da cantora.
DISPONIBILIDADE PARA IMPRENSA

Duda Duarte está disponível para entrevistas, participações e pautas especiais em emissoras de TV, rádios, podcasts, jornais, revistas, portais e veículos de entretenimento.

FICHA TÉCNICA
Música: Não Tem Cachaça Que Cura
Artista: Duda Duarte
Participação especial: Trio Parada Dura
Compositores: Chico Amado e Zé Moreira
Produção musical: Francisco Carlos de Rezende
Produção audiovisual: Harmonia Filmes
Distribuição digital: ONErpm
Assista: clipe oficial disponível no YouTube.
Ouça: disponível nas principais plataformas digitais.
SOBRE DUDA DUARTE
Duda Duarte segue construindo sua trajetória na música sertaneja com um
trabalho voltado à conexão com o público, buscando unir personalidade,
emoção e referências de um dos gêneros mais populares do Brasil.
Com “Não Tem Cachaça Que Cura”, a artista abre um novo capítulo de sua
carreira ao lado do Trio Parada Dura e reforça sua aposta em músicas capazes
de transformar histórias de amor, saudade e desilusão em identificação com o
público.

Exposição de Eny Junia transformar escultura em espaço de interação, tecnologia, música e reflexão sobre uma vida

Entrar em uma grande escultura – em formato de coração humano – e ouvir batimentos cardíacos. Essa é a proposta de experiência pela artista visual Eny Junia na Coração instalação, obra de início que ser apresentada ao em uma grânula pública reunirá exposição performances, musicos artísticos e participação visitantes.

Com uma altura de 2,2 metros, a escultura foi concebida paraoma pessoa em interior, rompendo a tradicional entre obra e aspectar. Mais do que observar, o passar o visitante a Integrado de instalação,-se parte da experiência.

Uma combinação de obras de escultura, tecnologia e inter paraatividade para provocação uma reflexão sobre vida, o cuidado o símpo e a importância das humanas em um tempo pela velocidade, marcado pela superficialidade e pelo excesso de estímulos.

em estrutura e revestida com papel machê a partuda a de cerca de 380 quilos de exemplares de papel de trabalho, Coração nasceu de uma experiência pessoal viva por Eny Junia. Após um terra de intenso estresse, a artista de seu uma médica pergunta que ecoando anos: “Você não tem dó do seu coração?” das thericling prescrição: “Você aprender precisa a care dele”. Uma medição dessastentiva, iniciou um processo criativo que acabou se tornando tão porta um de transformação interior.

Durante hoje a execução da obra, Eny conto com a orientação do artista Lourenço de Bem, por responsável o projeto e por share os necessários para necessários a construção da escultura em grande escala. “A obra foi crescendo ao mesmo tempo em que eu compreendia melhor o significado de cuidar da vida e das humanas», resume a artista, que foiada com o 1° no lugar 45° Salão de Artes Riachuelo 2025, Marinha do Brasil, com a obra “Força interior”.

Arte, tecnologia e

Além da dimensão da escultura, uma instalação incorporar recursos tecnológicos desenvolvidos pelo artista multimídia Alexandre Rangel. Pulsações de visualizações, cardíacos que perigam arróias e veias e ambiente uma interação sonora transformar uma estrutura em um organismo vivo, ampliando a do público.

Dois momentos marcantes da experiência acontecem quando o visitante está dentro do Coração e quando pode escutar batimentos cardíacos como se estivesse no interior de um corpo vivo.

Como crianças também também é especial. A instalação apresenta elementos lúdicos que simulam o do sangue pelo artérias por meio de bolinhas coloridas, de oficinas de machê e atividades de mediação a a.

Abertura reúne música, inclusão e celebração coletiva

A inauguração da exposição foi concebida como uma grande experiência participativa, reunindo diferentes linguagens artísticas em torno do tema central da obra. Entre os destaques está a apresentação dos Batucadeiros, grupo formado por crianças que interpretará a composição inédita O Som do Coração em interação com o público.

A programação contará ainda com apresentação do Coral do Senado, leitura de uma crônica sobre Brasília por uma filha de pioneira da capital e uma interpretação coletiva da canção Carinhoso, de Pixinguinha e Braguinha, sob regência do maestro Eldom Soares.

Ao longo da temporada, a exposição também oferecerá oficinas de papel machê, contação de histórias para crianças e palestra com cardiologista voltada ao público acima de 60 anos.

Ao reunir escultura, tecnologia, música, educação e, Coração uma experiência de experiência que os os limites da contemplação. Uma instalação transform o Visitante em de protagonista uma quensu reflexão sobre que pulsa de cada pessoa e sobre a a de preservar o que nos tornados coletivos Céstico humano.

SERVIÇO

Exposição: Coração – Eny Junia

Abertura: 3 de setembro de 2026

Local: do Museu da República

Visitação: de 3/9/26 a 1/11/26, tera de a domingo, das 9h às 18h30

Entrada: franca

Informações: @ exposicaocoracao

Sucesso de público, todos os cinco filmes retornam aos cinemas em outubro

A Paris Filmes acaba de anunciar que reexibirá “Jogos Vorazes”, “Jogos Vorazes: Em Chamas”, “Jogos Vorazes: A Esperança – Parte 1”, “Jogos Vorazes: A Esperança – Parte 2” e “Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes”, longas baseados nos best-sellers de Suzanne Collins. O relançamento contará com conteúdos exclusivos do elenco de “Jogos Vorazes – Amanhecer Na Colheita” antes de cada exibição.As produções, que voltam aos cinemas a partir de 15 de outubro, ganharam cartazes especiais. Baixe neste link.

No primeiro filme, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se oferece no lugar da sua irmã para competir nos Jogos Vorazes, onde jovens dos doze distritos de Panem são escolhidos aleatoriamente para lutar um contra o outro até que um sobrevivente permanece. “Em Chamas” mostra Katniss e Peeta Mellark (Josh Hutcherson) ao tornarem-se alvos da Capital após a vitória do 74º Jogos Vorazes, o que resulta em uma rebelião dos distritos.

Em “A Esperança – Parte 1”, Katniss é resgatada pelos rebeldes e levada ao Distrito 13 depois que quebra os Jogos Vorazes para sempre. Sob a liderança da Presidente Coin (Julianne Moore) e de Plutarch Heavensbee (Philip Seymour Hoffman), Katniss abre as suas asas e torna-se Mockingjay, o líder simbólico da rebelião. “A Esperança – O Final” traz Katniss percebendo que as apostas não são mais apenas para a sobrevivência, são para o futuro. Com a nação de Panem em guerra, ela enfrenta o Presidente Snow (Donald Sutherland).

Por fim, em “A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes”, anos antes de se tornar o tirânico Presidente de Panem, Coriolanus Snow (Tom Blyth), aos 18 anos, vê uma chance de mudança de sorte quando é escolhido para ser mentor de Lucy Gray Baird (Rachel Zegler), uma garota tributo do empobrecido Distrito 12.

Juntos, os cinco filmes já levaram mais de 16 milhões de espectadores aos cinemas do país. O elenco conta ainda com Stanley Tucci, Liam Hemsworth, Lenny Kravitz, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Sam Claflin, Viola Davis, Hunter Schafer e mais. A direção de “Jogos Vorazes” é de Gary Ross e dos filmes seguintes de Francis Lawrence. A distribuição nacional é da Paris Filmes.

SOBRE A PARIS FILMES

A Paris Filmes é a maior distribuidora brasileira independente e atua no mercado de distribuição de filmes no Brasil e na América Latina, destacando-se pela alta qualidade cinematográfica. Além de ter distribuído grandes sucessos mundiais como as sagas “Crepúsculo” e “Jogos Vorazes”, o premiado “O Lado Bom da Vida”, que rendeu o Globo de Ouro®️ e o Oscar®️ de Melhor Atriz a Jennifer Lawrence em 2013 e “Meia-Noite em Paris”, que fez no Brasil a maior bilheteria de um filme de Woody Allen, a distribuidora também possui em sua carteira os maiores sucessos do cinema nacional, como as franquias “De Pernas Pro Ar”, “Até Que a Sorte nos Separe”, “DPA – O Filme” e “Turma da Mônica”. Nos últimos anos a empresa esteve à frente de importantes lançamentos como “John Wick”, “La La Land – Cantando Estações”, “A Cabana”, “Extraordinário”, “Marighella”, “Meu Nome é Gal”, “Homem com H”, “Manas”, “Pedágio”, “Ritas”, “Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes”, “Jogos Mortais X”, “A Empregada”, a franquia “Truque de Mestre” e “Minha Irmã e Eu” – primeiro filme nacional a bater a marca de 2 milhões de espectadores pós-pandemia. 

Entre os próximos lançamentos estão “Feito Pipa”, “Geni e o Zepelim”, “As Dez Vantagens de Morrer Depois de Você”, “Minha Melhor Amiga”, “Minha Vida com Shurastey” e “Jogos Vorazes: Amanhecer na Colheita”.

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Cantoras unem influências dos urbanos, latin africanos, e o samba em um que trabalho que transtração uma construídas longas ao longo de anos

O que há primaze cerca de 15 anos, na cena musical e ganha do samba, agora um novo: lançamento o capítulo de “Maré primeiro Alta”, em parceria pelas cantoras Ane Êoketu (sergipana), de São Sebastião e Fernanda Jacob (brasiliense), de Sobradinho. O trabalho a todas como a chegada no plataformas digitais 28 de agosto, reundo cinco faixas de cinco anos de série e história de que ultrapassou os palcos e se transformar em arte em criação.

Pro longo ao dois de anos, onsão nasuma do duas entre encontros, diferentes mas38elas pelatúcia. De um ladoar artístico, a identidade de Ane Êketu ; de outro, a experiência da atriz e cantora, Fernanda Jacob. Juntas, elastroem um trabalho que percorre urbanos, ratsor latinos-americanas e características africanas, uma sonoridade sem contemporâneas das brasileiras. Foi o universo do samba que como artistas e deu aproximou-se da empresa com o passatempo, ultrapassou os palcos.

Uma que que vira música

Uma história de Ane e Jacob aproximadamente 15 anos atrás, como duas como se conhecer na cena musical. A pelo samba de elaboração de uma amizade uma amizade que fortalecedora se sedo com o do passar tempo e que que moda a ultrapassa profissional.

Essamittim também é presente no processador criativo de “Maré Alta”. A confiança entretus como duas permissão que o álbum desenvolvido a parter de uma troca profunda vez-antista, em que que referências e experiências diferentes de bronsar a música se.

Para Jacob, a admiração por Ane estágrade às confiança, à e ao amor que artista a demonstra pelo que faz. Ela água de destaque a visão de Ane sobre a música e sua forma de construir o teatro tematro-através.

A devastar também no sentido contribuir com inverso. Ane Êoketu reconhece em Jacob uma alguém e referência com quem aprendeu muito sobre arte. Foi, inclusive, Ane quem fez o para que como duas convites um EPEP, o infinito que o que crescendo e dando dando dandoaventuras ao álbum.

O processo foi desafiador, mas também marcado pela leveza da relação entre as duas amigas. A experiência de criar juntas permitiu que a parceria profissional se misturasse à amizade construída ao longo dos anos.

Cinco faixas, diferentes territórios sonoros

“Maré Alta” reúne as músicas “Cumbia Negra”, “O Barbante”, “Eu Amo Você”, “Maré Alta” e “Voltar pra Lar”. As faixas transitam por diferentes referências e mostram a disposição das artistas para experimentar sonoridades e aproximar universos musicais distintos. A música “O Barbante” tem composição de Thiago de Lima.

Mais do que reunir gêneros diferentes, o álbum traduz experiências e vivências acumuladas pelas duas cantoras ao longo de suas trajetórias. O resultado é um trabalho que aproxima tradição e contemporaneidade, mantendo a personalidade de Ane e Fernanda enquanto explora novas possibilidades de criação.

O álbum do vídeo da ideia de remete de movimento. Assim como a maré, o projeto se se entresinfluto diferente de influências, e territórios, sentimentos para levais a música parte da história construídas por duas artistas. O lançamento pendido foi potência com carinho em cada detalhe, inclusive na muito da escolha, que coincide com a energia da Lua Cheia, símbolo de essência, plenitude e versão profissional de formação de música que que desem a dese EP.

Mulheres à frente das etapas

Além da parceria entre as intérpretes, “Maré Alta” também chama atenção pela presença de mulheres em diferentes funções da produção artística e audiovisual do projeto. E conta com a participação especial da artista trans Ava Sher, que empresta sua voz a um poema presente no álbum. Sua recitação amplia a dimensão poética do trabalho e estabelece um diálogo entre música, palavra e identidade, trazendo para o projeto uma presença marcada pela sensibilidade e pela força de sua expressão artística.

O álbum é realizações com da Política Nacional recursos Aldir Blanc (PNAB) e contam acesso Acessibilidade da Audiodescrição e da Libras. A técnica é formação por Larissa Umaytá e JP Mansur na produção musical; Larissa Umaytá e Felipe Fiuza na percussão; JP Mansur nass; e Daniel Rodrigues no trombone, trompete e piano. Ane Êoketu e Fernanda Jacob são ass, e Ricardo responsável Ponte é pela pela mixagem e masterização.

Os clipes do projeto de formas de formas de formação de formação de formas profissionais: áreas diferentes de Jordana Mascarenhas e Fernanda Jacobsinas e roteiro; Mona Fiuza produção, de; Cláus didaria CostaLorena RodriguesFernanda Furtado, executiva; Lorena esdroida Rodrigues; assistência de; produção Fernanda Furtado, de fotografia, de fotografia Luiz Felipe Lira, e edição; e ane Êoketu, geral. E para a equipe, Elen Carol da Silva, assessora de Imprensa de e Lúcia de Lima, como social media e Fábio Setti, e Keka fotografia Balduino, designer.

“Maré Alta” à todas como plataformas de viagem um digital parasitano parasporidades que unemidades e tradição contemporaneidade, celebrando a força da parceria feminina, da da música como de encontro.

Serviço:

O que: Maré Alta – EP audiovisual

Quando: 28/08 (sexta-feira)

Onde: plataformas digitais

Classificação livrelivre

Foto: Fábio Setti

Informações: @fejacob e @ane.eoketu

Fonte: Entre Tons e Letras

Projeto de formação em percussão para pessoas idosas celebra conclusão de atividades neste domingo (30/8), no Estacionamento 13 

O projeto Avóz dos Tambores encerra sua edição neste domingo (30/8), com uma programação gratuita que celebra o processo de formação de pessoas idosas em oficinas de percussão brasileira. O encontro acontece das 10h30 às 12h, no Estacionamento 13 do Parque da Cidade, e reúne apresentação de Monikota faz o que gosta, das alunas, entrega de certificados e show de encerramento.

A programação começa às 10h30, com a abertura oficial do encerramento do projeto e a apresentação de Monikota faz o que gosta. Às 11h, as alunas que participaram da formação sobem ao palco para uma apresentação coletiva e recebem os certificados de conclusão. O encerramento fica por conta de um show, das 11h20 às 12h, celebrando junto ao público os resultados do percurso desenvolvido ao longo do projeto.

Idealizado a partir de ações socioculturais realizadas no território desde 2020, o Avóz dos Tambores se consolidou como uma proposta de formação cultural que coloca a pessoa idosa no centro da cena. Conduzida pelo arte-educador Celin do Batuk, as oficinas trabalharam a prática coletiva da percussão a partir de ritmos e manifestações da cultura popular brasileira, criando um espaço de aprendizado, convivência e expressão artística.

A metodologia parte de uma abordagem integradora, conectando as referências musicais trazidas pelos próprios participantes aos conteúdos apresentados durante as aulas. Em vez de concentrar a formação em um único instrumento, a oficina percorre diferentes sonoridades da percussão brasileira, proporcionando uma experiência coletiva que valoriza tanto a escuta quanto a criação.

O projeto

Ao longo do projeto, iniciado em abril deste ano, as participantes vivenciaram práticas em grupo, exercícios individuais, momentos de troca e reflexão e ensaios voltados para a apresentação de encerramento. A formação também contou com rodas de conversa que contextualizam os ritmos trabalhados a partir de suas dimensões históricas, sociais e culturais, aproximando a prática musical de questões relacionadas à memória e à cultura popular.

Para além do aprendizado musical, o Avóz dos Tambores se insere em uma perspectiva de transformação social. O projeto aposta na cultura como ferramenta de integração, bem-estar e valorização da pessoa idosa, criando oportunidades para que esse público ocupe espaços de protagonismo e participação na vida cultural.

A iniciativa também dialoga com um cenário de envelhecimento acelerado da população brasileira. Com o número de pessoas idosas em crescimento, ações de formação cultural voltadas a esse público contribuem para o enfrentamento do etarismo e para a promoção de um envelhecimento ativo, reconhecendo pessoas idosas não apenas como público consumidor de cultura, mas como agentes, criadoras e protagonistas da produção cultural.

“Essa edição foi muito especial porque pudemos acompanhar de perto o envolvimento e a transformação de cada participante ao longo do processo. A percussão cria esse lugar de encontro, de escuta e de troca, e foi muito bonito perceber como as alunas foram se apropriando dos ritmos, dos instrumentos e, principalmente, desse espaço de criação coletiva. O encerramento é uma celebração de tudo que construímos juntos, mas também mostra que a música não tem idade e que sempre é tempo de aprender, experimentar e ocupar a cena”, afirma Celin. 

O encerramento no Parque da Cidade marca, assim, não apenas o fim de mais uma etapa do projeto, mas a celebração de um processo construído coletivamente por meio do ritmo, da convivência e da valorização dos saberes e experiências de suas participantes.

O projeto Avóz dos Tambores é realizado com recursos do Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal (FAC), viabilizados por meio da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Distrito Federal (Secec).

Programação completa: 

10h30 – Abertura oficial do encerramento do projeto

10h30 – Apresentação da agente cultural Monikota faz o que gosta

11h – Apresentação das alunas e entrega de certificados

11h20 – Show de encerramento

Serviço – Avóz dos Tambores – Encerramento

Data: Domingo, 30 de agosto

Horário: 10h30 às 12h

Local: Estacionamento 13 do Parque da Cidade

Entrada: Gratuita

Redes: https://www.instagram.com/avozdostambores/ —

De uma árvore mágica, em um mundo que flerta vertiginosamente com o próprio fim, brota a esperança. É para resgatar a capacidade humana de sonhar diante do colapso climático que o Coletivo Truvação estreia a obra Quando os Umbigos Brilham, em Sobradinho no dia 3 de setembro (quinta), na Pracinha da Quadra 3, Sobradinho I, às 20h. A peça seguirá nos dias 4 (às 20h), e 5 e 6 de setembro (às 19h), e contará com audiodescrição, Libras e infraestrutura para pessoas com mobilidade reduzida. A classificação indicativa é livre.

Guiados por um misterioso brilho que lhes pulsa no ventre, três seres improváveis, uma humana, uma menina-máquina e um cachorro-cogumelo, despertam sem memórias, mas com a missão de impedir que o universo seja engolido pela terrível “Grande Fenda”. Para isso, a trupe lúdica precisa garimpar e registrar o que ainda resta de mais especial na humanidade. O percurso, contudo, entra em curto-circuito com os interesses da poderosa FIM Tech, uma corporação tecnológica disposta a apagar qualquer centelha de vida autêntica que ameace seu domínio. A narrativa tece uma crítica afiada, porém banhada em esperança, sobre a crise hídrica, o consumo desenfreado e o adoecimento das relações entre a humanidade e a Terra.

Misturando fantasia, música ao vivo, comicidade popular, poesia e participação do público, o espetáculo convida crianças, jovens e adultos a embarcarem em uma jornada que faz o público refletir sobre uma das perguntas mais urgentes do nosso tempo: como seguir produzindo vida em um mundo atravessado por guerras, crises ambientais e pelo desencanto?

A linguagem do teatro de rua potencializa essa experiência ao transformar a praça pública em um lugar de convivência, imaginação e celebração. Ana Matuza, que dirige e encena a peça, reflete que “a rua deixa de ser apenas cenário para tornar-se protagonista de uma criação que rompe fronteiras entre artistas e espectadores, convidando o público a ocupar coletivamente o espaço urbano como território de encontro e transformação”.

Para garantir que o encantamento não encontre barreiras, Quando os Umbigos Brilham integra recursos de acessibilidade à sua encenação. As apresentações contam com intérpretes de Língua Brasileira de Sinais (Libras) e serviço de audiodescrição em todas as apresentações, além de acolhimento preparado para acomodar pessoas com deficiência física e neurodivergentes.

Trilogia do Infinito

Quando os Umbigos Brilham faz parte de uma sequência iniciada em 2022 chamada Trilogia do Infinito, dedicada à construção de uma dramaturgia original para o teatro de rua brasileiro. Fazem parte da obra, os espetáculos Umbigo do Infinito e A Batalha do Portal.

Ao longo da trilogia, o Coletivo Truvação constrói uma narrativa em que o corpo humano, a terra e a memória compartilham um mesmo destino. A devastação ambiental, a violência, a lógica da exploração e o rompimento das relações entre humanidade e natureza atravessam a obra como sintomas de uma mesma ruptura. Em contraponto, Quando os Umbigos Brilham aponta para a possibilidade da reparação: restaurar vínculos, reconstruir comunidades e reconhecer que o cuidado com a vida depende da responsabilidade coletiva diante do mundo que habitamos.

Coletivo Truvação

Nascido da urgência de investigar o teatro popular contemporâneo, o Coletivo Truvação consolida, com esta estreia, um projeto dramatúrgico ambicioso, iniciado em 2022 com a Trilogia do Infinito. O grupo, que tem a fantasia como arma crítica e a cultura popular como invenção, reafirma a crença de que reparar o planeta exige a reparação dos nossos afetos. Onde houver amizade, coragem e um umbigo a brilhar, a vida continuará pulsando.

Ficha técnica

Direção e Encenação: Ana Matuza 

Texto: Ana Matuza, Isabella Barros, João Ricken e Lu Matias

Elenco: Alê Arautas, Daniel Landim, Isabella Barros, João Ricken, Luana Lebazi, Lu Matias, Tauã Franco, Thays Oak, Similião. 

Elenco Coro: Ana Afonso, Sandro Araújo, Talita Rangel, Cadu Marques, Sophia Tibiriçá, Magma Serejo, Ana Kaíta, Vinicius Rollo, Dante. 

Musicistas: Gabriel Feitosa, Mar Nóbrega e Vitória Bartholo

Figurinos: Beatriz Villar e Marley Oliveira

Cenografia: Ana Matuza e João Quinto 

Criações de video: Jesso Alves

Técnico de som e luz: Alessandro Moska

Produção e Coordenação Geral: Ana Matuza, Marina Olivier e Mila Ellen 

Assistente de Produção: Dandara Alves 

Assessoria de Imprensa: ECD Comunicação

Arte Gráfica: Jesso Alves

Realização: Circuito Cultural e Coletivo Truvação

Serviço:

Quando os Umbigos Brilham

Dias: 3 e 4 de setembro (20h) // 5 e 6 de setembro (19h)

Local: Pracinha da Quadra 3, Sobradinho I (próximo à Escola Classe 15 de Sobradinho e à UBS 2 de Sobradinho)

Classificação indicativa: livre

Entrada gratuita

Audiodescrição, Libras e infraestrutura para pessoas com mobilidade reduzida.

Devido ao sucesso de público, o CCBB Brasília vai realizar mais cinco sessões do espetáculo “Amor em Rosa”. A montagem vai migrar da Galeria 4 para o Teatro 1, aumentando a capacidade de espectadores. “Amor em Rosa”, direção de Sérgio Maggio, propõe uma imersão no universo criativo de Noel Rosa por meio de uma encenação inspirada na estética vibrante do teatro de revista dos anos 1930. Em cena, 21 canções do compositor ganham nova dimensão em uma narrativa marcada pela irreverência, pela crítica social e pelo espírito popular que consagraram sua obra. As sessões acontecem de 28 a 30 de agosto, na sexta, às 20h; sábado, às 19h e às 21h; e domingo, às 19h e às 21h. Ingressos à venda a partir de quinta (27/8) ao meio-dia no site e na bilheteria física do CCBB. 

Poucos artistas traduziram tão bem o espírito do Brasil urbano quanto Noel Rosa (1910–1937). Conhecido por clássicos como Último Desejo e Feitio de Oração, o compositor também manteve uma relação profunda com o teatro de revista e com o universo radiofônico, duas linguagens fundamentais para a construção da cultura popular brasileira no século XX. 

“Este é um projeto acalentado há 20 anos, que se beneficiou da pesquisa que o coletivo Criaturas Alaranjadas desenvolve sobre o Teatro Musical Popular Brasileiro (TMPB). É uma narrativa que se apropria da estética das revistas dos anos 1930 e da consolidação do rádio como meio de comunicação de massa que integra o Brasil”, aponta Jones Schneider, idealizador do projeto, que tem patrocínio do Fundo de Apoio à Cultura (FAC) e apoio do Banco do Brasil.

A dramaturgia parte de um recorte de canções de Noel Rosa e organiza esse material em um libreto que não segue a chave biográfica. Em cena, as músicas são articuladas a uma narrativa picaresca, atravessada por sátira social típica das revistas e por uma radionovela sobre a relação entre Noel Rosa e Ceci, sua musa. O repertório inclui ainda Tico-tico no fubá, de Zequinha de Abreu, transformado na paródia Melô dos penduricalhos.

Amor em Rosa mobiliza processos artísticos ligados ao teatro de revista brasileiro e a radionovela, duas linguagens populares de forte memória afetiva, histórica e cultural das pessoas e dos grupos sociais de uma época de abruptas mudanças técnicas que alteraram as formas de circulação, escuta e performance da canção. “Noel Rosa estava nesse lugar entre a magia da tradição do samba de mesa e o assombro das novas tecnologias nos estúdios de rádio. Não hesitou em partir para os registros elétricos dos fonogramas, com microfones e amplificadores. A década de 1930, auge de sua produção, marca essa massificação dos bens culturais”, destaca o dramaturgo Sérgio Maggio, que divide a direção com Jones Schneider.

– “O trio de atores está afiado em cena. Jones Schneider conduz o jogo com ginga de malandro e ótimo tempo de comédia; e, além de nos presentear com sua surpreendente voz, assume a responsabilidade de encarnar o próprio Noel Rosa. Ao seu lado, Wol Nunnes brilha intensamente como Marly Temporal e também vive as principais mulheres que orbitaram a vida do compositor. Jeff Moreira, encarnando com puro glamour e deboche a fabulosa Condessa Genoveva, fã inveterada de Noel, envolta em plumas e paetês, sambando na cara da sociedade e brindando o público com a celebração da vida e obra de Noel e expondo os babados da rídicula “alta sociedade” de Brasília; concatenada com as críticas e denúncias em grande parte autobiográficas das músicas do Poeta da Vila, sua língua de cobra chicoteia sem pudores a hipocrisia dessa gente que só cai pra cima”, revela Rodrigo Ferret,  crítico de teatro.

SERVIÇO:

[Teatro] Amor em Rosa

Gênero: revista musical

Local: TEATRO 1 do Centro Cultural Banco do Brasil Brasília

Endereço: SCES Trecho 02 Lote 22 – Edif. Presidente Tancredo Neves – Setor de Clubes Especial Sul – Brasília – DF

Temporada: prorrogada: de 28 a 30 de agosto de 2026

Dias e horários: na sexta, às 20h; sábado, às 19h e às 21h; e domingo, às 19h e às 21h. 

Ingresso: R$ 30 (inteira), e R$ 15 (meia para estudantes, professores, profissionais da saúde, pessoa com deficiência e acompanhante, quando indispensável para locomoção, adultos maiores de 60 anos e clientes Ourocard), à venda a partir de quinta (27/8) ao meio-dia no site e na bilheteria física do CCBB.  Site www.bb.com.br/cultura.

Duração: 80 minutos
Classificação indicativa: não recomendado para menores de 16 anos

Capacidade: 327 lugares.