O filme de António Ferreira foi escolhido pelos membros da Academia Portuguesa de Cinema para representar Portugal na disputa por uma indicação ao Oscar de Melhor Filme Internacional

O longa-metragem A MEMÓRIA DO CHEIRO DAS COISAS, dirigido por António Ferreira e protagonizado por José Martins e Mina Andala, foi selecionado como candidato de Portugal na categoria de Melhor Filme Internacional na 99ª edição do Oscar, em 2027. A escolha foi feita por meio de votação dos membros da Academia Portuguesa de Cinema.

A seleção representa uma importante conquista para o filme e abre uma nova etapa em sua trajetória internacional. Produzido pela Persona Non Grata Pictures e pela Muiraquitã Filmes, A MEMÓRIA DO CHEIRO DAS COISAS é um drama íntimo que atravessa temas como memória, envelhecimento e possibilidade de reconciliação, a partir de um olhar marcado pela profundidade emocional, pela contenção das interpretações e pela sutileza visual.

Filmado integralmente em Coimbra, com a participação majoritária de profissionais e atores da cidade, o filme mantém uma forte ligação com a comunidade artística local, que contribuiu para sua realização. A escolha para representar Portugal também é motivo de orgulho para essa comunidade, levando o trabalho desenvolvido em Coimbra a uma nova dimensão de reconhecimento.

A trajetória do filme já conta com outras distinções, entre elas o Prêmio de Melhor Ator concedido a José Martins no Festival Internacional de Cinema de Xangai e o Prêmio Sophia de Melhor Ator Protagonista, concedido pela Academia Portuguesa de Cinema.

Com a candidatura portuguesa ao Oscar 2027, A MEMÓRIA DO CHEIRO DAS COISAS dá continuidade a uma trajetória de reconhecimento em Portugal e no exterior, agora com a responsabilidade e o orgulho de representar o cinema português.

SOBRE O FILME

O tempo tirou de Arménio a fortaleza do corpo e seu novo lar é uma casa de repouso para idosos. Oisolamento e a amargura o afastaram da família e suas relações mais próximas são com os profissionais que cuidam dele. A chegada de Hermínia, sua nova enfermeira, tira as coisas de lugar. Mulher negra, ela destrava traumas e preconceitos do veterano de guerra que aprendeu a reconhecer inimigos pela cor da pele.

Construído como eco do colonialismo na África, A Memória do Cheiro das Coisas, novo filme doportuguês António Ferreira, intercala temas complexos e necessários: envelhecimento, solidão, racismo, redescoberta.

Para o diretor, o personagem lhe permite abordar muitos temas: “Sua relação com o passado écomplexa, especificamente com os negros, outrora ‘os inimigos’. Um homem que superou a violência da guerra, acostumado a ser independente, com toda a sua rudeza, se vê agora debilitado e em posição de vulnerabilidade nas mãos de uma mulher negra, tendo que lidar com seus preconceitos, tentando manter um equilíbrio entre sua autonomia e a necessidade de ser cuidado”, explicou Ferreira.

O diretor afirma também que seu filme é uma homenagem aos trabalhadores que dedicam suas vidas a cuidar de outras vidas: “Por esse motivo, imagens ‘documentais’ de asilos reais intercalam a narrativa de ficção”, diz o cineasta. O filme é estrelado por Mina Andala e José Martins, que venceu o prêmio de melhor ator no Festival Internacional de Cinema de Shanghai, na China, onde A Memória do Cheiro das Coisasestreou mundialmente. 

“Meu objetivo é que possamos observar os mecanismos por trás de tantos ‘Arménios’ na sociedade portuguesa: toda uma geração de homens atirada para a guerra, vítima de uma lavagem cerebral que desumanizou o negro. Ao ser forçado a esse contato, o outro se humaniza, se torna mais próximo e, em última análise, igual a nós”, conclui.

SINOPSE:

Diante da vulnerabilidade da velhice, Arménio éobrigado a encarar os fantasmas do passado, enquanto uma amizade inesperada floresce entre ele e Hermínia. Este filme é um retrato poético e intimista de um idoso em um asilo, explorando a fragilidade da condição humana, a inevitabilidade da morte e a busca por redenção. Aborda questões urgentes da nossa sociedade, como o envelhecimento da populaçãoe o racismo estrutural.

O DIRETOR

António Ferreira (Coimbra, 1970) é realizador e produtor luso-brasileiro. Formado na ESTC (Lisboa) e na dffb (Berlim), chamou atenção com o curta Respirar (debaixo d’água) (2000, Cannes). Assinou longas como Esquece tudo o que te disse (2002), Embargo (2010, de José Saramago), Pedro e Inês (2018, filme português mais visto do ano), A Bela América (2023) e A Memória do Cheiro das Coisas(2025). Dirigiu ainda a peça As lágrimas amargas de Petra von Kant (TNDM II, 2012) e o filme Posfácio nas Confecções Canhão. Fundador da APCA e membro da Academia Portuguesa de Cinema e da APACI, énaturalizado brasileiro e co-dirige, com Tathiani Sacilotto, a Persona Non Grata Pictures (Brasil/Portugal). Ao todo, soma oito filmes realizados, 30+ produzidos e 40 prêmios em 100+ festivais.

FICHA TÉCNICA
Direção: António Ferreira
Roteiro: Tiago Cravidão, António Ferreira
Produção: Persona Non Grata Pictures (Tathiani Sacilotto), coprodução Muiraquitã Filmes (Eliane Ferreira), António Ferreira, Laurence Lascary
Fotografia: Leandro Valente (Lee Fuzeta)

Montagem: António Ferreira
Direção de arte: Luísa Bebiano
Figurino: Inês Damasceno
Maquiagem: Raquel Ralha
Música original: Luís Pedro Madeira
Som: Bernardo Theriaga, Ricardo Cutz, Matheus Miguens, Ian Fernandes, Felipe Magalhaes
Produtoras: Persona Non Grata Pictures; Muiraquitã Filmes
País/ano: Portugal/Brasil, 2025
Duração: Drama, 96 min

Distribuição: Bretz Filmes

ELENCO
José Martins …………… Arménio
Mina Andala …………… Hermínia
Pedro Lamas …………… João
Robson Lemos …………… Jefferson
Maria Manuel Almeida …………… Amélia
Maria José Almeida (Mizé) …………… Joana
Sofia Coelho …………… Psicóloga
Paula Barata …………… Laura
José Castela …………… Tozé
Cláudia Carvalho …………… Administradora
Ricardo Vaz Trindade …………… Homem da Funerária
Francisco Paz …………… Telles
Luís Ferreira …………… Morais
Teosson Chau …………… Soldado
Zeca Carvalho …………… Fisioterapeuta
João Damasceno …………… Médico
Isabel Craveiro …………… Isabel

SOBRE A MUIRAQUITÃ FILMES
A Muiraquitã Filmes é uma produtora brasileira com um portfólio diverso de longas-metragens desenvolvidos em cooperação com parceiros criativos e inovadores de todo o mundo. A produtora ganhou destaque com documentários premiados, como “Cine Marrocos” de Ricardo Calil (Golden Dove na Next Masters Competition, Dok Leipzig 2018), “Fico te devendo uma carta sobre o Brasil” de Carol Benjamin (Menção Especial na First Appearance Competition, IDFA 2019) e “Os Arrependidos” (Melhor filme no ÉTudo Verdade 2021). 

Entre as ficções que produziu, estão “Vermelho Russo” de Charlie Braun (melhor roteiro no Festival do Rio 2016), “Querência” de Helvécio Marins Jr. (estreia na seção Fórum do Berlinale 2019 e Melhor Filme na Competição Internacional do Jeonju IFF) e “Retrato de um Certo Oriente” de Marcelo Gomes (Rotterdam Competição Big Screen 2024). 

Atualmente, entre outros projetos, trabalha na produção de “Sobre Memória e Esquecimento” de Ricardo Martensen (apoiado pelo IBF e pelo Sundance Institute) e na pós-produção de “Jardim dos Silêncios” de Henrique Dantas, uma coprodução com a Itália. Estreou recentemente “Pasárgada” de Dira Paes (melhor edição de som em Gramado 2024), “Cyclone” de Flavia Castro (Shanghai IFF e Munique IFF 2025) e a coprodução com Portugal “A Memória do Cheiro dasCoisas” de António Ferreira (melhor ator em Shangai IFF 2025).

SOBRE A PERSONA NON GRATA PICTURES
Fundada em 1999, a PERSONA NON GRATA PICTURES já produziu mais de 30 filmes de ficção e documentário, em coprodução com Brasil, Argentina, Equador, Portugal, Espanha, França, Alemanha e Moçambique. Com vocação internacional, seus filmes circulam por festivais e chegam aos circuitos comerciais de cinema e TV, sempre com assinatura autoral e diálogo com opúblico. A produtora prioriza coproduções com apoio de programas como Ibermedia, MEDIA, ICA (PT), FSA (BR) e CNC (FR). É dirigida por Tathiani Sacilotto e António Ferreira. Entre os títulos: A Memória doCheiro das Coisas (2025), A Bela América (2023), Pedro e Inês (2018), Embargo (2010) e outros.

SOBRE A BRETZ FILMES
Criada em 1990, a Bretz Filmes atua na distribuiçãopara cinema, vídeo, TV e streaming. Desde 2011, especializou-se em documentários e filmes de autor e, a partir de 2015, passou a priorizar o cinema brasileiro. Lançou títulos como O Cavalo de Turim, Nostalgia da Luz, Another Year, Cézanne e Eu, Honeyland, For Sama, Gabriel e a Montanha, On Yogae Fico Te Devendo Uma Carta Sobre o Brasil. Com 500+ títulos no catálogo, também desenvolve e coproduz projetos com parceiros como TV Globo, Globoplay, Canal Brasil, Netflix, Prime Video, Curta!, Arte 1 e outros.

Encerramento no CCBB Brasília reúne encontros com cosplayers, exibição gratuita do clássico da animação japonesa e última oportunidade de visitar a mostra com 218 obras originais e experiência imersiva

A exposição Yoshitaka Amano – Além da Fantasia entra em seus últimos dias no Centro Cultural Banco do Brasil Brasília (CCBB Brasília) com uma programação especial que leva para além das obras dois universos marcantes da trajetória do artista japonês. Nos dias 31 de outubro e 1º de novembro, o público poderá encontrar personagens da franquia Final Fantasy nas galerias da exposição. Já no feriado de 2 de novembro, o cinema do CCBB recebe uma sessão gratuita de Angel’s Egg (1985), clássico da animação japonesa dirigido por Mamoru Oshii, com concepção artística de Amano.

No sábado e domingo, das 14h às 19h, as cosplayers Rach Asakawa e Rayara Eckhardt estarão caracterizadas como Fang e Lightning, personagens de Final Fantasy. Durante os dois dias, os visitantes poderão interagir e fazer fotos com as personagens ao longo do percurso expositivo. A ação aproxima o público de uma das criações mais conhecidas de Amano, cuja contribuição para a identidade visual da franquia ajudou a construir um imaginário que marcou gerações de jogadores e ultrapassou as fronteiras dos videogames.

A programação continua na segunda-feira, 2 de novembro, quando o CCBB Brasília abrirá excepcionalmente durante o feriado e haverá exibição de Angel’s Egg, às 16h. A sessão gratuita oferece uma oportunidade de conhecer na tela do cinema uma das obras mais singulares da carreira de Amano. Os ingressos devem ser retirados pelo site www.bb.com.br/cultura ou na bilheteria física do centro cultural.

Com atmosfera gótica e surrealista, Angel’s Egg acompanha uma menina solitária que percorre uma cidade desolada enquanto protege um grande ovo. A narrativa, construída a partir de imagens simbólicas e poucos diálogos, convida o espectador a uma experiência visual contemplativa e enigmática. Lançado em 1985, o longa se tornou uma obra cultuada da animação japonesa, destacando a força da linguagem artística de Amano na criação de personagens, cenários e atmosferas fantásticas.

Última oportunidade de visitar a exposição

Além das atividades especiais, o público tem até 1º de novembro para conhecer Yoshitaka Amano – Além da Fantasia, que reúne 218 obras originais trazidas diretamente do Japão e uma instalação imersiva concebida especialmente para a mostra. Com curadoria de Antonio Curti e patrocínio da BB Asset, a exposição apresenta mais de cinco décadas de produção artística e revela a diversidade de linguagens exploradas por um dos nomes mais influentes da cultura visual contemporânea.

Entre pinturas, ilustrações, objetos e trabalhos pouco conhecidos do público brasileiro, a mostra revela uma produção que atravessa animação, quadrinhos, videogames, literatura, moda e artes visuais. As composições de linhas delicadas, figuras etéreas e referências que aproximam a tradição japonesa da arte ocidental evidenciam uma identidade artística que se mantém reconhecível em diferentes suportes e linguagens.

A passagem da exposição por Brasília dá continuidade ao encontro de Amano com o público brasileiro, iniciado com uma mostra realizada em São Paulo, em 2024, e ampliado pelas temporadas do CCBB em Belo Horizonte e no Rio de Janeiro. Sobre a oportunidade de apresentar seus trabalhos originais no país, o artista destaca: “Os visitantes poderão conhecer obras nunca exibidas, incluindo grandes peças em alumínio – algo que só pode ser plenamente apreciado ao ver o trabalho original, pessoalmente”.

Da animação às artes visuais

Nascido em 1952, na província japonesa de Shizuoka, Yoshitaka Amano começou a carreira ainda adolescente na Tatsunoko Production, um dos estúdios mais importantes da história da animação japonesa. Ao longo de mais de cinco décadas, desenvolveu uma linguagem própria, marcada pelo traço fluido, pela elegância das figuras e pela combinação de referências culturais de diferentes origens.

Sua contribuição para Final Fantasy foi decisiva para a identidade visual da franquia, enquanto trabalhos como Vampire Hunter D e Angel’s Egg consolidaram sua presença no universo da fantasia. Colaborações com autores, editoras e marcas internacionais ampliaram ainda mais o alcance de sua produção.

Organizada em sete núcleos temáticos — Tatsunoko, Final Fantasy, Candy Girl, Devaloka, Vampire Hunter D, Angel’s Egg e Colaborações —, a exposição permite acompanhar diferentes momentos dessa trajetória. O percurso termina no Pavilhão de Vidro, com uma instalação imersiva desenvolvida em parceria com a AYA Studio. Inspirada na série Devaloka, a experiência utiliza 15 projetores laser sincronizados, animações e desenho sonoro para envolver os visitantes em cenários povoados por divindades, criaturas fantásticas e paisagens que transitam entre o material e o espiritual.

Sobre a BB Asset

A BB Asset, maior gestora de fundos do país, administra cerca de R$ 1,79 trilhão em patrimônio líquido e é responsável pela gestão de mais de 1.200 fundos de investimento, atendendo milhões de pessoas que buscam realizar seus objetivos financeiros. A empresa é reconhecida pela excelência de sua gestão, com as maiores notas das agências de classificação de risco Fitch Ratings e Moody’s. Detém aproximadamente 17,4% de participação no mercado, consolidando sua liderança no setor. Seus produtos são distribuídos pela maior rede de atendimento bancário do país, o Banco do Brasil, e pelas principais plataformas de investimento. A BB Asset acredita que seu papel vai além da gestão de ativos. Com soluções desenvolvidas para diferentes perfis e objetivos, a empresa assume a responsabilidade de contribuir para uma sociedade mais inclusiva, participativa e conectada com o que realmente importa, investindo em iniciativas que promovem desenvolvimento ambiental, social, de governança e cultural.

Sobre o CCBB Brasília

O Centro Cultural Banco do Brasil Brasília (CCBB Brasília) foi inaugurado em 12 de outubro de 2000. Localizado no Edifício Tancredo Neves, o prédio é uma obra arquitetônica de Oscar Niemeyer e tem o objetivo de reunir, em um só lugar, todas as formas de arte e criatividade possíveis.

Com projeto paisagístico de autoria de Alda Rabello Cunha, dispõe de amplos espaços de convivência, galerias de artes, sala de cinema, teatro, praça central e jardins, onde são realizadas exposições, shows, espetáculos, exibições de filmes e performances.

Além disso, o CCBB Brasília oferece o Programa Educativo, projeto contínuo de arte-educação que desenvolve ações educativas e culturais. O programa aproxima os visitantes da programação em cartaz, acolhe o público espontâneo e atende especialmente estudantes de escolas públicas e particulares, universitários e instituições por meio de visitas mediadas e agendadas.

Em 2022, o CCBB Brasília se tornou o terceiro prédio do Banco do Brasil a receber a certificação ISO 14001, cuja renovação anual ratifica o compromisso da instituição com a gestão ambiental e a sustentabilidade.

Acessibilidade

A ação “Vem pro CCBB” conta com uma van que leva o público, gratuitamente, para o CCBB Brasília, de quinta-feira a domingo. A iniciativa reforça o compromisso com a democratização do acesso e a experiência cultural dos visitantes. A van fica estacionada próxima ao ponto de ônibus da Biblioteca Nacional.

O acesso é gratuito, mediante retirada de ingresso no site, na bilheteria do CCBB ou ainda pelo QR Code da van. Lembrando que o ingresso garante o lugar na van, que está sujeita à lotação, mas a ausência de ingresso não impede sua utilização. Uma pesquisa de satisfação do usuário pode ser respondida pelo QR Code que consta no vídeo de divulgação exibido no interior do veículo. Mais informações em: Serviços Oferecidos | CCBB Brasília

Horário da van – De quinta-feira a domingo: Biblioteca Nacional – CCBB: 13h, 14h, 15h, 16h, 17h, 18h, 19h e 20h. | CCBB – Biblioteca Nacional: 13h30, 14h30, 15h30, 16h30, 17h30, 18h30, 19h30, 20h30 e 21h30.

Serviço:

Yoshitaka Amano – Além da Fantasia 

Até 2 de novembro de 2026

Horários: De terça-feira a domingo, das 9h às 21h

Programação especial de encerramento

Cosplayers Rach Asakawa e Rayara Eckhardt 

Dias 31 de outubro e 1º de novembro, sábado e domingo, das 14h às 19h

Exibição de Angel’s Egg
Dia 2 de novembro (segunda-feira), às 16h, no Cinema do CCBB

Ingressos gratuitos, mediante retirada no site www.bb.com.br/cultura e na bilheteria física do CCBB Brasília.

Local: Galerias 3, 5 e Pavilhão de Vidro do CCBB Brasília

Endereço: SCES Trecho 02 Lote 22 – Edif. Presidente Tancredo Neves – Setor de Clubes Especial Sul

Classificação indicativa: Livre

Projeto da Todo Público e do Coletivo ENTREVAZIOS faz exibições mediadas de minidocumentário, abre escuta poética com mulheres idosas e amplia acervo online de objetos afetivos que contam uma Brasília fora dos livros

Uma panela, uma fotografia, um caderno, um retalho de tecido. É a partir de objetos assim, guardados por mulheres que ajudaram a erguer o Distrito Federal, que o projeto Barraca de Memórias – Difusão do Acervo Poético chega ao Guará, uma das regiões mais antigas do DF. Realizada pela Todo Público em parceria com o Coletivo ENTREVAZIOS, a iniciativa circula entre outubro e novembro por escolas públicas e espaços comunitários com exibições de minidocumentário, rodas de conversa entre gerações e a ampliação do Acervo Poético de Objetos(acervo.entrevazios.com.br).

A programação começa com a Barraca de Memórias, no dia 27 de outubro no Centro de Convivência do Idoso no Guará. Um momento de escuta que funciona como o nome diz: um espaço onde mulheres idosas moradoras do Guará compartilham relatos e objetos que guardam a memória da região. Tudo o que for registrado passa a integrar o acervo online, que ganha novas narrativas. De 3 a 19 de novembro, o projeto faz 10 exibições mediadas do minidocumentário Barraca de Memórias, cada uma seguida de bate-papo e lanche. Duas sessões contam com intérprete de Libras e duas com audiodescrição. As exibições acontecerão em espaços como a Casa de Cultura do Guará, o Centro de Referência em Assistência Social do Guará, Unidades Básicas de Saúde, Escolas Públicas, entre outras. Nos dias 10 e 11, as sessões também serão abertas ao público e acontecerão no Auditório da Administração do Guará. 

Memória contra o apagamento

A proposta é reconhecer as mulheres idosas como guardiãs da memória e protagonistas da construção de Brasília, uma história que costuma ficar fora dos registros oficiais. Ao levar o projeto para jovens e, também, para pessoas idosas, o projeto aposta no encontro entre gerações que vivem no mesmo território: quem chegou primeiro e construiu a cidade, e quem herdou essas paisagens.

“Realizar a Barraca de Memórias no Guará é uma escolha que dialoga profundamente com a própria proposta do projeto. O Guará é um território importante para a construção da memória do Distrito Federal e, ao longo da pesquisa e da pré-produção, percebemos também a presença muito significativa da população idosa na região e a força das iniciativas comunitárias voltadas para esse público. Por isso, estar no Guará é também uma forma de reconhecer esse território, criar espaços de escuta e valorizar as histórias de vida de quem ajudou a construir a cidade. Acreditamos que preservar a memória é, sobretudo, reconhecer as pessoas e os territórios que fazem parte dela.” Afirma Luênia Guedes, coordenadora do projeto.

O Acervo Poético de Objetos reúne anos de pesquisa do Coletivo ENTREVAZIOS. A Barraca de Memórias já passou por Planaltina, Vila Planalto, Paranoá, Núcleo Bandeirante, Brazlândia, Candangolândia, Vila Telebrasília, Fercal e Taguatinga. No site, as histórias estão organizadas por região e podem ser acessadas de qualquer lugar.

“Levar este acervo para um site é dar permanência às vozes que a história tradicional frequentemente silencia. São mulheres que não apenas testemunharam a construção de Brasília, mas foram seus verdadeiros alicerces — com suas mãos, seus afazeres, seus sonhos e sua coragem de resistir e ficar. Elas não só ficaram: fizeram quintal, criaram laços, tornaram este chão habitável e cheio de afeto. Agora, suas memórias não se perdem no tempo. Cada panela, cada fotografia, cada história costurada no afeto vira patrimônio vivo, acessível a todos”, explica a artista e pesquisadora Maysa Carvalho.

Sobre o Coletivo Entrevazios 
Criado em 2014, o grupo vem propondo reflexões e diálogos contínuos sobre Brasília e suas poéticas, investigando as intersecções da cidade, arte, memória e os corpos que a atravessam.  Os desdobramentos artísticos do Coletivo incluem trabalhos como: o Livro de Artista ENTREVAZIOS (2014); a intervenção urbana O Estrangeiro (2015); a exposição instalativa De Ver Cidade – Brasília numa caixa de brincar (2019 e 2025); a intervenção poética de teatro de animação Lourença (2021); o minidocumentário Barraca de Memórias (2023); a exposição Percursos Inventados (2023); o espetáculo Carrego O Que Posso, Faço Quintal Onde Dá (2024 a 2026); as visitas teatralizadas com Cidade Espetáculo – Aventura nos Três Poderes (2024 e 2025), a exposição Memória Migrante – Mostra Acervo Poético (2025) e o projeto Barraca de Memórias (2026).

Sobre a Todo Público
 A Todo Público é uma iniciativa especializada na sensibilização de públicos e na democratização do acesso à arte, à cultura e ao patrimônio. Desenvolve ações educativas e interativas que transformam espaços culturais em ambientes acessíveis, pautadas pela educação patrimonial, pela mediação artística e pela acessibilidade cultural social. Atua com mediação cultural, programas educativos, acessibilidade, mobilização de público e coordenação pedagógica. Entre suas realizações estão trabalhos como: a consultoria de programação do MAB Educativo (2019 a 2023); a curadoria e acessibilidade da mostra Percursos Inventados – Entrevazios (2023); a coordenação pedagógica de Cidade Espetáculo: Aventura nos Três Poderes (2024); a coordenação de metodologias do projeto Só Taguá Têm, com Instituto Soma e IPHAN (2025); a mobilização de público e a coordenação de acessibilidade do Festival de Brasília do Cinema Brasileiro e do DF Instrumental (2025); e, em 2026, a coordenação pedagógica do programa educativo da Praça dos Três Poderes.

SERVIÇO
Projeto Barraca de Memórias – Difusão do Acervo Poético
Escuta poética (Barraca de Memórias): 27 de outubro
Exibições mediadas do mini documentário e bate-papo: de 3 a 19 de novembro
Acervo Poético de Objetos:acervo.entrevazios.com.br
Informações e programação completa em: @entrevazios

Escrita e interpretada por Iury Persan, a peça reúne teatro de sombras e vídeo mapping e terá oito sessões, de 27 a 29 de outubro, com mediação, debate e material didático para os alunos

Ensino Médio do Centro Educacional 01 da Estrutural vão assistir gratuitamente a “Sobre Pedras”, espetáculo escrito e interpretado por Iury Persan que parte do cenário de uma guerra para falar de perdas e recomeços. São oito sessões, de 27 a 29 de outubro de 2026, no auditório do Espaço Cultural CREAS: seis exclusivas para alunos do Centro Educacional 01 da Estrutural e duas abertas à comunidade.

Um homem diante dos escombros

Depois de um ataque, um homem retorna às ruínas da própria casa e procura a esposa, a filha e a mãe. Entre objetos quebrados, tenta reconstruir não só um espaço físico, mas aquilo que dava sentido à sua vida: imagina pratos sobre uma mesa que já não existe, serve uma refeição, espera pela família. Com restos de brinquedos, monta uma pequena casa. Uma flor vira lembrança do amor; uma antiga canção de ninar traz de volta o acolhimento materno.

Iury Persan, autor do texto e ator em cena, explica o ponto de partida. “A trajetória do personagem nos coloca diante de uma pergunta fundamental: o que resta de nós quando perdemos o lugar, as pessoas e as certezas que davam sentido à nossa existência?”, questiona Iury Persan. Embora o cenário seja o da guerra, a peça dialoga com batalhas do cotidiano, como a perda, a separação, a falta de trabalho, a solidão e a violência.

Teatro de corpo, sombra e silêncio

A dramaturgia é conduzida pelo corpo, silêncio, sonoridade e objetos, com recursos visuais como teatro de sombras. A linguagem nasce da pesquisa de Iury sobre a relação entre corpo e espaço, desenvolvida no laboratório cênico da Cia. Carcaça. “A casa destruída não é apenas o lugar onde a história acontece: ela age sobre o personagem, impõe limites, desperta lembranças e modifica seus movimentos”, conta o ator. Para ele, não se trata “simplesmente de retirar o texto falado, mas de construir uma dramaturgia em que a imagem, o movimento, a luz e a matéria tenham a mesma importância da palavra”.

Por que levar a peça aos estudantes

Moradia, família, memória, perdas, desigualdades e o direito de construir um futuro estão entre os temas que o espetáculo abre para conversa com os jovens. “É, sobretudo, uma oportunidade de olhar para o mundo a partir de uma perspectiva que nem sempre ocupa o centro das discussões em sala de aula: a visão de quem precisa lutar para preservar aquilo que lhe é mais essencial: a vida”.

A história da própria Cidade Estrutural, marcada pela luta por moradia e pela construção de uma comunidade, entra nessa conversa. “Conhecer essa trajetória permite que os jovens compreendam que o lugar onde vivem não surgiu por acaso: ele é resultado de processos históricos, de decisões políticas, de condições econômicas e, principalmente, das ações de pessoas que construíram suas vidas naquele território”, afirma. Iury ressalta que a experiência do personagem não equivale à realidade dos estudantes: a proposta não é transformar dificuldades sociais em imagens de guerra, e sim despertar perguntas sobre dignidade humana, direito à moradia e vínculos afetivos. “O teatro não precisa explicar aos jovens o que devem pensar; pode oferecer imagens, experiências e perguntas que os ajudem a elaborar suas próprias interpretações”, conta.

Mediação e debate 

Em todas as apresentações, uma mediação antecede o espetáculo e, ao final, estudantes, docentes, ator e equipe técnica participam de um debate. Alunos e professores recebem ainda um programa educativo com material didático impresso. As sessões de 28 de outubro, às 10h e às 16h, têm acessibilidade em Libras.

“Espero que o público leve consigo mais perguntas do que respostas prontas”, diz Iury, que quer ver a conversa passar por “memória, pertencimento, perda e reconstrução” sem igualar histórias diferentes nem simplificar suas complexidades.

Ao final, uma pequena casa feita de peças de brinquedo permanece em cena. Para o autor, a imagem ajuda a perceber “que uma casa é muito mais do que suas paredes e que uma ruína não representa apenas aquilo que foi destruído, mas também aquilo que permanece”.

O projeto é realizado com recursos do Fundo de Apoio à Cultura (FAC) da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Distrito Federal.

Sobre o autor

Iury Persan é ator, dançarino, palhaço e dramaturgo, formado em Artes Cênicas pela Universidade de Brasília. Estreou no teatro em 2007 e já foi premiado como melhor ator em festivais como o LUPA (2010), o FESTTO, em Teófilo Otoni (2014), e o de Guaçuí (2017). Integrou grupos como Cutucart, Coletiva Teatro e Teatro dos Ventos e levou trabalhos a Chicago (2016), Atenas (2019) e Lisboa (2024). Em 2023, estreou O Homem Raio, que escreve, dirige e interpreta no laboratório cênico Carcaça. Em 2025, integrou o elenco de Um Lapso de Ouro e Vinho, em temporadas nos SESC Presidente Dutra e Paulo Autran e no Espaço H2O, pelo Festival Nacional de Teatro de Bolso, com sucesso de crítica e público.

SERVIÇO
Sobre Pedras, de Iury Persan
Local: Auditório do Espaço Cultural CREAS, Administração Regional da Cidade Estrutural
Classificação indicativa: 14 anos
Programação:
27 de outubro: sessões às 10h e às 16h (estudantes); às 20h, sessão aberta ao público espontâneo
28 de outubro: sessões às 10h e às 16h, com acessibilidade em Libras (estudantes); às 20h, sessão aberta ao público espontâneo
29 de outubro: sessões às 10h e às 16h (estudantes)
Informações: @c1produtora

Captação será feita em 20 de outubro, no Mané Mercado, em Águas Claras, e reúne músicas inéditas, regravações e sucessos da dupla sertaneja

A dupla sertaneja Henrique & Ruan grava seu novo projeto audiovisual nesta terça-feira, 20 de outubro, às 21h, no Mané Mercado, em Águas Claras. Com direção musical de Ivan Miyazato, o DVD reúne canções inéditas, regravações de sucessos da música brasileira e hits que marcaram a trajetória dos artistas em Brasília. A gravação terá participações especiais de Ju Marques e Pedro Paulo & Matheus.

O projeto marca uma nova etapa da carreira da dupla, que retornou aos palcos em 2026 após quase três anos de afastamento. Com 20 anos de trajetória, Henrique & Ruan prepara um repertório que combina novidades e referências musicais que acompanham sua história. Entre as inéditas estão “A Casa Que a Gente Sonhou” e “Quando Digo Que Deixei de Te Lembrar”. O setlist também inclui “Precipitado” e “Disk Me”, além de regravações como “Como Eu Quero”, “Aquele Amor Que Faz Gostoso”, “Prazer Por Prazer / Por Aí Sem Você” e “Lágrimas e Chuva”.

A gravação também resgata sucessos associados à trajetória da dupla no cenário sertanejo do Distrito Federal, como “Vamos Pra Lá Beber”, “Chora Carolina”, “Então Dance”, “Por Isso” e “Por Você Eu Choro”. A proposta é reunir diferentes momentos da carreira em um mesmo projeto, aproximando o repertório autoral das canções que construíram a relação dos artistas com o público brasiliense.

Entre os convidados, Ju Marques participa da interpretação de “Sem Limites Pra Sonhar”, canção que integra o repertório do DVD. Natural de Ceilândia, no Distrito Federal, ficou conhecida ao interpretar grandes sucessos do rock e do pop internacional em ritmo de seresta e modão. A noite contará ainda com Pedro Paulo & Matheus, dupla reconhecida no cenário sertanejo regional. A direção musical é de Ivan Miyazato, profissional com trabalhos ligados a artistas como João Paulo & Daniel e Luan Santana.

Formada no fim dos anos 1990, em Minas Gerais, e radicada em Brasília desde meados dos anos 2000, Henrique & Ruan construiu sua trajetória no cenário musical do Distrito Federal. A dupla lançou sete CDs e dois DVDs: “Quando Eu Bebo, Eu Choro”, de 2017, com participação do Trio Parada Dura, e “Playlist Henrique & Ruan”, de 2019, gravado às margens do Lago Paranoá. A nova gravação audiovisual sucede o reencontro com o público em 2026 e reúne repertório novo e canções que fazem parte da história dos artistas.

SERVIÇO
Gravação do DVD Henrique & Ruan
Data: terça-feira, 20 de outubro de 2026
Horário: 21h
Local: Mané Mercado — Águas Claras, Brasília (DF)
Direção musical: Ivan Miyazato
Participações especiais: Ju Marques e Pedro Paulo & Matheus
Entrada: gratuita, com couvert artístico de R$ 25 se a pessoa consumir no local

Com atração surpresa no sábado e clima de “até breve”, o festival se despede do público de Brasília e promete retornar na estiagem de 2027

Dez anos de música, encontros e ocupação cultural dos espaços públicos de Brasília merecem ser comemorados juntos, com uma despedida à altura. Por isso, de 22 a 24 de outubro, o Buraco do Jazz promove três dias de programação especial, a partir das 18h, no Centro Cultural Três Poderes (CC3P). A maratona de encerramento da temporada 2026 reúne Bivalves, Maíra Guedes, Encontro Racional e uma atração surpresa para o sábado.

Com mais de 350 edições ao longo de sua trajetória, sendo 25 realizadas apenas neste ano, o fim desta temporada marca um até breve. A chegada do período chuvoso anuncia a pausa anual do Buraco do Jazz para recarregar as energias. Para o idealizador do evento, Gustavo Frade, a parada vem acompanhada da certeza de dever cumprido em mais um ano de ocupação cultural. 

“Crescemos sem perder nossa identidade e o brasiliense adotou o Buraco do Jazz como o quintal da sua própria casa. Entendi que o nosso maior legado no gramado da Praça dos Três Poderes não são apenas os acordes, são os encontros. Agora é hora de pausar com a chegada das chuvas para reencontrar nosso público na estiagem de 2027”, pontua Frade.

Atrações
A programação começa na quinta-feira (22), com a banda Bivalves no já icônico palco-bolha, estrutura que se tornou uma das marcas visuais do evento. Na sexta-feira (23), Maíra Guedes assume o palco para mais uma noite de música ao ar livre. O gran finale fica para sábado (24), quando uma banda surpresa abre a programação às 17h, preparando o terreno para o Encontro Racional, às 20h, no último show desta temporada comemorativa.

Mas o Buraco do Jazz oferece uma experiência completa. Além de shows, o público pode conferir os produtos da Feira de Artesanato e aproveitar as opções gastronômicas da praça de food trucks. E, como uma despedida boa é divertida, o tradicional Concurso de Cangas promete engajar o público – as estampas e montagens mais criativas (ou mais feias, afinal não há perdedores) sobre o gramado serão premiadas.

SERVIÇO:
Buraco do Jazz – programação de encerramento
Quando: 22 a 24/10. Quinta a sábado, a partir das 18. Shows a partir das 20h
Onde: Centro Cultural Três Poderes
Quanto: entrada franca | contribuição voluntária – o festival é independente, sustentado principalmente por recursos próprios e pela contribuição espontânea do público.

Mais informações: @buracodojazz

PROGRAMAÇÃO
22/10 – Quinta – BIVALVES
23/10 – Sexta – MAÍRA GUEDES
24/10 – Sábado – banda surpresa, às 17h | Encontro Racional, às 20h

O filme levou o Troféu Redentor nas categorias de Melhor Ator e Melhor Figurino, além do Prêmio FIPRESCI de Melhor Filme Brasileiro.

LONDON, longa queer nacional escrito e dirigido por Victor Di Marco e Márcio Picoli, saiu vitorioso do Festival do Rio com três prêmios nesta edição. Levando o Troféu Redentor nas categorias de Melhor Ator para Victor Di Marco e Melhor Figurino para Samy Still, além do Prêmio FIPRESCI de Melhor Filme Brasileiro, o filme integra a 50ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, que acontece entre os dias 15 e 29 de outubro de 2026.

“Eu sou um ator com deficiência e falo isso com muito orgulho. Eu tenho uma frase de um filme meu que diz que ‘para pessoas como eu, só é permitido sonhar dormindo…E é muito bom sonhar acordado’. Eu queria dedicar esse prêmio a minha avó que via novelas comigo todos os dias e me incentivava no dia seguinte a refazer todas cenas que eu via no dia anterior”, comemorou o ator após receber o Troféu Redentor de Melhor Ator no Encerramento do Festival do Rio.

Filmado em Porto Alegre pela Proa & Popa Produções e pela Balde de Tinta, o filme teve uma passagem emocionante no Festival de Veneza com a conquista do troféu Queer Lion.

A vitória vem através de um trabalho duro e sincero. Com uma realização atravessada por inúmeros desafios, como uma enchente catastrófica às vésperas das filmagens e materiais danificados, os diretores destacam que ter chegado a tantos festivais é, sobretudo, uma conquista coletiva de quem acreditou no potencial da produção.

LONDON terá duas sessões na 50ª edição da Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Confira as datas, horários e locais:

CINESESC – 21/10 – 21:15 (quarta-feira)
ESPAÇO PETROBRAS DE CINEMA SALA 1 – 29/10 – 19:45 (quinta-feira)

Na trama, o diretor e roteirista Victor Di Marco interpreta London, um jovem com deficiência que trabalha fazendo performances eróticas em uma casa de fetiches. No entanto, tudo muda quando descobre a origem e o destino de sua deficiência através de um exame médico.

Com a decisão de guiar sua vida pelo diagnóstico ou pelos seus sonhos, o protagonista se vê diante de um mundo míope e distorcido enquanto reinventa forças para se libertar e descobrir quem realmente é. 

LONDON terá distribuição no Brasil da Retrato Filmes.

SINOPSE

London, um jovem com deficiência que trabalha em uma casa de fetiches, se vê diante de um dilema inesperado ao receber a oportunidade de compreender seu corpo por meio de um exame médico.

FICHA TÉCNICA
Elenco: Victor Di Marco, Carla Cassapo, Jéssica Teixeira, Pedro Bertoldi, Priscilla Colombi, Emilio Farias e Manu Thedy
Direção e Roteiro: Victor Di Marco e Márcio Picoli
Produção: Laura Moglia, Márcio Picoli, Victor Di Marco, Aline Gutierres
Coprodução: Sofia Wickerhauser, White Wolfy, Visom
Direção de Produção: Helena Poetini
Direção de Arte: Valeria Verba
Direção de Foto: Bruno Polidoro, ABC.
Montagem: Will Domingos, edt.
Produção executivo: Laura Moglia e Márcio Picoli
Trilha Sonora Original: Vito O. Azevedo
Som Direto: Cleverton Borges

SOBRE VICTOR DI MARCO

Victor Di Marco é ator, diretor e roteirista. Dirigiu e protagonizou  “LONDON”, seu longa de estreia que fará sua estreia na Semana da Crítica do Festival de Veneza, os curtas “ZAGÊRO”, “O que Pode um Corpo?” e “Possa Poder” em que foi indicado ao Grande Prêmio do Cinema Brasileiro. Despontou em sua carreira ganhando importantes prêmios de Melhor Ator, em que, se destacam as duas vezes no Festival de Cinema de Gramado (2022, 2024) em que Victor foi o primeiro ator com deficiência a receber este prêmio. Atuou também, na série Sob Pressão da Globoplay e lançou o livro “Capacitismo: o mito da capacidade” pela Editora Letramento, vendendo mais de 30 mil cópias.

SOBRE MÁRCIO PICOLI
Márcio Picoli é diretor, roteirista e produtor. London, seu primeiro longa-metragem, foi selecionado para a Settimana Internazionale della Critica do Festival de Veneza e tem distribuição da Retrato Filmes. Antes disso, dirigiu os curtas O Que Pode um Corpo?, Possa Poder, Rasgão e Zagêro, premiados no Festival de Gramado, Kinoforum, Curta Cinema, CinePE, Mix Brasil. Duas vezes indicado ao Prêmio Grande Otelo e duas vezes vencedor do prêmio Canal Brasil de curtas.

SOBRE A PRODUTORA
Proa & Popa Produções, produtora brasileira de cinema independente, fundada em 2019 por Laura Moglia. A empresa dedica seu trabalho ao desenvolvimento de obras autorais que unem sensibilidade artística e relevância contemporânea.

Em 2026, alcança um marco com a estreia mundial de seu primeiro longa-metragem, London, dirigido por Victor Di Marco e Márcio Picoli, na Settimana Internazionale della Critica do Festival Internacional de Cinema de Veneza.

Sua trajetória começou com o curta O que Pode um Corpo?, seguido por Possa Poder, Rasgão e Zagêro. Juntos, esses filmes somam mais de 80 prêmios em festivais nacionais e internacionais, além de indicações de O que Pode um Corpo? e Zagêro ao Grande Prêmio do Cinema Brasileiro (Grande Otelo).

A Proa & Popa segue dedicada a contar histórias que encontram no cinema um espaço de liberdade, afeto e transformação.

SOBRE A DISTRIBUIDORA
A Retrato Filmes é uma distribuidora focada na ampliação dos públicos do cinema independente em todas as telas. Reconhecida no mercado brasileiro por sua curadoria de prestígio, carrega assinou a distribuição de grandes títulos, como “Valor Sentimental”, vencedor do Oscar de Melhor Filme Internacional. O próximo lançamento nos cinemas será “Acampamento Miasma: Adolescência, Sexo e Morte”, terror slasher vencedor do Queer Palm. O longa estrelado por Gillian Anderson e Hannah Einbinder chega ao circuito nacional no dia 13 de agosto.

Em 2025, a Retrato Filmes firmou uma parceria inédita de investimento privado com a MUV Capital, ampliando seus serviços de distribuição com filmes internacionais de destaque nos principais festivais do mundo. Entre os títulos estrangeiros, lançou os espanhóis “Sirât”, de Oliver Laxe, indicado ao Oscar de Melhor Filme Internacional e de Melhor Som, e o drama “Surda”, de Eva Libertad, vencedor de três prêmios Goya, que se tornou objeto de estudo do Instituto Nacional de Educação dos Surdos (INES). Também foi responsável pelo relançamento em 4K dos clássicos “Cidade dos Sonhos”, de David Lynch, e “Amores Brutos”, de Alejandro Iñárritu.

No catálogo de produções e coproduções brasileiras, a distribuidora lançou os premiados “Ruas da Glória” (Melhor Ator Coadjuvante e Atriz Coadjuvante para Alejandro Claveaux e Diva Menner, no Festival do Rio), “Salão de Baile: This is Ballroom” (Prêmio Félix no Festival do Rio; Melhor Longa-Metragem no MixBrasil), que este ano integrou a programação do Falas do Orgulho, da TV Globo, e “Alma do Deserto” (Queer Lion no Festival de Veneza).

Com a participação de 675 trabalhos de diferentes estados brasileiros, a comissão analisou as propostas inscritas no projeto

O 3º Prêmio MD’Azevedo de ArtesVisuais – Diálogos Decoloniais encerrou o período de inscrições e entrou em uma etapa decisiva de sua programação: a seleção das 35 obras que irão integrar a exposição coletivadesta edição. Foram recebidas 274 inscrições de artistas de diferentes estados do Brasil, ampliando o alcance nacional de uma iniciativa que tem como propósito reconhecer a diversidade da produção artística contemporânea e estimular a arte como espaço de reflexão, expressão e transformação social.

O desafio foi selecionar, entre essa pluralidade, as 35 obras que irão representar a terceira edição e construir, por meio delas, um conjunto capaz de expressar a diversidade da produção.

Com o tema “Diálogos Decoloniais”, o prêmio propõe ampliar as possibilidades de leitura sobre arte, identidade, memória, território, pertencimento e diversidade. A iniciativa parte da compreensão de que as artesvisuais podem abrir espaço para diferentes narrativas e perspectivas, colocando em diálogo experiências, territórios e formas distintas de produzir e compreender a cultura brasileira.

Sete linguagens e espaço para novas tecnologias

Uma das características desta edição é a diversidade de linguagens contempladas. O edital recebeu trabalhos em pintura, desenho, gravura, escultura, arte digital, fotografia e mosaico, com técnicas livres. Cada artista pôde inscrever até três trabalhos, ampliando as possibilidades de participação e representação das diferentes vertentes da produção visual contemporânea.

O prêmio também acompanha as transformações dos processos de criação artística e aceita obras concebidas com o apoio de Inteligência Artificial. Nesses casos, a utilização da tecnologia deveria ser declarada como parte do processo criativo no momento da inscrição.

A presença da IA amplia o espaço para experimentações dentro das artes visuais.

Gildred Nascimento: arte negra, memória e protagonismo feminino

Entre os principais destaques da terceira edição está o Prêmio Destaque Artista Mulher Negra – Gildred Nascimento, criado especialmente para reconhecer, valorizar e incentivar a produção de mulheres negras nas artes visuais.

A premiação destina R$ 1.500 à artista vencedora, além de um Troféu Exclusivo Gildred, estabelecendo um reconhecimento específico para uma mulher negra artista dentro da programação do prêmio e Menção Honrosa para mais duas mulheres negras. A iniciativa integra uma perspectiva de valorização da diversidade e de ampliação da presença de mulheres negras nos espaços de reconhecimento, circulação e legitimação da produção artística.

A homenagem carrega a memória de Gildred Nascimento, mulher negra, artista plástica e arte-educadora que construiu sua trajetória a partir da arte, da educação e da formação de pessoas. Fundadora do Centro de Artes, Gildred fez da cultura uma ferramenta de educação, inclusão, autonomia e valorização das identidades culturais.

Por isso, o reconhecimento dedicado a uma mulher negra artista estabelece uma conexão direta entre memória, representatividade e protagonismo feminino. Em um campo historicamente marcado por desigualdades de acesso e visibilidade, destacar a produção de mulheres negras significa também reconhecer a contribuição dessas artistas para a construção da cultura e da história da arte brasileira.

O próprio troféu destinado à vencedora carrega essa dimensão simbólica: a peça é uma escultura original de autoria de Gildred Nascimento, fazendo com que sua produção artística permaneça presente na premiação e dialogue com a trajetória da artista que dá nome à homenagem.

A proposta se aproxima ainda do próprio conceito de “Diálogos Decoloniais”, ao abrir espaço para narrativas, experiências e perspectivas que historicamente nem sempre ocuparam os centros de reconhecimento da produção artística.

Premiação e menções honrosas

Além do Prêmio Destaque Artista Mulher Negra – Gildred Nascimento, o 3º Prêmio MD’Azevedo contempla três primeiras colocações. O primeiro lugar recebe R$ 2 mil e o Troféu MD’Azevedo; o segundo, R$ 1,3 mil e o Troféu MD’Azevedo; e o terceiro, R$ 900 e o Troféu MD’Azevedo.

Os artistas classificados em quarto e quinto lugares recebem Menção Honrosa, enquanto os 30 selecionados para a exposição coletiva recebem certificado de participação. As obras selecionadas também integrarão um catálogo impresso com recursos de acessibilidade.

A cerimônia de premiação está prevista para 3 de novembro de 2026, durante a abertura da exposição, que será realizada no Centro de Artes, na Vila Telebrasília, em Brasília. A mostra permanecerá aberta ao público de 3 de novembro a 3 de dezembro de 2026.

Da inscrição à exposição

Com o encerramento das inscrições, centenas de trabalhos vindos de diferentes partes do país passaram diante de uma comissão formada por profissionais com experiências diversas na produção, pesquisa, educação e gestão das artes visuais.

As cidades foram Florianópolis-SC , Vila Gustavo-SP, Tijuca, RJ, Belford Roxo-RJ, Pelotas-RS, São Paulo, Teresina-PI, Brasília – DF, Botafogo-RJ, Cuiabá-MT, Engenho Novo – RJ, João Pessoa – PB, Itacorubi, Florianópolis – SC, Campo – SP, Goiânia -GO, Caiçara – MG, Porto Velho – RO, Canabrava – Salvador – BA, Campinas – SP, Austin Nova Iguaçu – RJ e Cabo Frio – RJ.

A iniciativa é realizada pelo Centro de Artes, localizado na Vila Telebrasília, em Brasília, Distrito Federal, e conta com recursos do Fundo de Apoio à Cultura (FAC), em iniciativa do Governo do Distrito Federal (GDF).

Mais do que um concurso, o Prêmio MD’Azevedo se apresenta como um espaço de encontro entre artistas, linguagens, territórios e diferentes formas de criação. Ao lado da seleção das obras, a homenagem a Gildred Nascimento acrescenta à edição uma dimensão de memória e representatividade, colocando em evidência a produção de mulheres negras artistas e seu protagonismo na construção da cultura brasileira.

Serviço:

O que: 3º Prêmio MD’Azevedo – Diálogos Decoloniais

Exposição: 03/11 a 03/12/26

Classificação: 18 anos

Foto: divulgação

Informações: @centrodeartes

Contato: centrodeartes2013@gmail.com

Obra de Benjamin Britten com elenco formado por artistas da cidade será apresentada nos dias 17 e 18 de outubro.

No mês das crianças, Brasília recebe “Vamos fazer uma Ópera!”, espetáculo cênico-musical com a ópera “O Menino da Chaminé” de Benjamin Britten especialmente pensado para o público infantil e que também promete conquistar espectadores de todas as idades. A montagem marca os 50 anos da morte do compositor britânico e integra as homenagens realizadas em torno de sua obra.

Com direção artística, cênica e cenografia de Hyandra Ello e direção musical e regência do maestro Ricardo Sousa-Castro, o espetáculo reúne cantores adultos de destaque na cena operística de Brasília e seis crianças selecionadas por audição. Os jovens integrantes do elenco participaram de um processo de preparação que incluiu 40 horas de oficinas de canto e teatro, além dos ensaios para a montagem.

Para o maestro Ricardo Sousa-Castro, a obra foi concebida para ser acessível ao público infantil, sem abrir mão do estilo e da complexidade harmônica característicos de Britten. “A Orquestra Metropolitana de Brasília seguirá a formação original do compositor: um piano a quatro mãos, quarteto de cordas e percussão. Essa combinação resulta em uma sonoridade muito particular, com uma especial importância da percussão como elemento dramático. Além da participação de solistas adultos e crianças, a ópera também tem a participação do público, que é convidado a cantar em alguns momentos específicos. O Coro de Câmara de Brasília será o ponto de ligação entre os solistas e o público, ajudando a interpretar as canções da plateia”, explica.

O maestro também destaca o tratamento musical dado ao personagem João, protagonista da história. “O compositor dá um tratamento especial ao personagem João, que tem maior incidência de semitons e cromatismos, que contrastam com as melodias mais diatônicas e alegres das outras crianças. O tratamento melódico evidencia a diferença entre a sofrida vida de João e a das crianças que tiveram uma infância melhor. A ópera também apresenta momentos de maior complexidade harmônica, como na ária da Rita, com maior densidade musical e psicológica. No final, o compositor retoma, de maneira mais sutil, a dissonância de semitom do início, como se quisesse mostrar que há uma ferida em João que ainda não foi curada, deixando claro que o final feliz ainda não garante o futuro do personagem”, complementa Ricardo.

A história começa em Planaltina, nos anos 1990, quando um grupo de crianças brinca de queimada na rua. Por acidente, a bola cai na casa de Dona Meire, uma senhora misteriosa. Ao entrarem discretamente para recuperá-la, as crianças encontram um baú repleto de objetos antigos e uma partitura de ópera. Fascinada pela descoberta, Joana leva a partitura para casa e adormece.

É a partir desse sonho que a narrativa ganha novos contornos. Joana se transforma no pequeno João, um menino abandonado e obrigado a trabalhar limpando chaminés. Ao ficar preso dentro de uma delas, João pede socorro e acaba encontrando outras crianças, que ouvem sua história e decidem ajudá-lo. A partir daí, começa uma aventura que mistura música, imaginação e situações surpreendentes.

A montagem é dividida em três momentos — prólogo, interlúdio e ópera — e utiliza o sonho como elemento central da encenação. Para a diretora artística, cênica e cenógrafa Hyandra Ello, a proposta é criar um espaço em que tempo, lugar e realidade possam se transformar livremente. “Mais do que contar uma história sobre uma menina que sonha, a montagem propõe ao público sonhar junto com ela. Recuperar, por alguns instantes, a liberdade da infância, quando imaginar era uma forma natural de compreender o mundo e quando uma porta podia ser um portal, uma janela podia revelar outro universo e um imprevisto podia simplesmente abrir caminho para uma nova possibilidade”, explica Hyandra.

Visualmente, a encenação dialoga com o universo surrealista do artista René Magritte, especialmente por meio de portas e janelas que funcionam como portais entre diferentes espaços e estados de imaginação. Esses elementos se movimentam no palco e ajudam a criar, diante do público, um cenário em constante transformação.

A montagem também retoma uma história pessoal do produtor e cantor Hugo Lemos, que participou da primeira montagem da obra em Brasília, realizada em 2013. Na época, um edital da Secretaria de Cultura voltado para o público infantil possibilitou a realização do projeto, apresentado por sugestão do professor de canto e diretor de ópera Francisco Frias. 

Treze anos depois, Lemos decidiu retomar a proposta e convidou novamente o maestro Ricardo Sousa-Castro, único outro integrante da equipe original que permanece nesta nova montagem. “Sempre foi uma vontade repetir esse mesmo projeto, fazendo uma seleção de seis novas crianças e oferecendo 40 horas de oficinas de canto e de teatro. Nesses dois meses de preparação para a ópera, nas oficinas e nos primeiros ensaios, percebemos que, a cada dia, elas evoluem e se entregam ao processo com muita dedicação”, conta Hugo Lemos, que admite que essa é uma das óperas favoritas dele.

A seleção das seis crianças foi realizada em julho, por meio de audição, entre 12 candidatos, todos estudantes de música. Para Hugo, a escolha foi uma das etapas mais desafiadoras da produção, mas o resultado tem confirmado a aposta no novo elenco. “Garanto que o público ficará satisfeito e pode esperar um espetáculo divertido, encantador e profissional”, afirma.

Além de apresentar a ópera ao público infantil, a montagem aposta no contato das novas gerações com o canto lírico, o teatro e a música de concerto, aproximando crianças e famílias de uma linguagem artística muitas vezes associada apenas ao público adulto.

“Vamos fazer uma Ópera!” é um projeto realizado com recursos do Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal (FAC-DF) e será apresentado no Teatro Madre Carmen Salles nos dias 17 e 18 de outubro. A classificação é livre e a duração aproximada é de 1h10. A sessão do dia 17 às 16h contará com audiodescrição, libras e programa em braile.

Elenco

Adultos
Dona Meire – Janette Dornellas
Rita – Gabriela Ramos
Julia – Isabel Quintela
Beto/Tonho – Hugo Lemos
Cláudio/Aldo – Roger Vieira

Crianças
João/Joana – Maísa Mourão
Caio – Joaquim Frazão
Sara – Maia Castro
Dani – Raphaela Paixão
Iuri – Murilo Mourão
Nina – Maria Leal

Ficha técnica

Direção Artística, Cênica e Cenografia: Hyandra Ello
Direção Musical e Regência: Maestro Ricardo Sousa-Castro
Direção de Produção: Hugo Lemos
Figurinos: Janette Dornellas
Iluminação: Lidianne Carvalho
Maquiagem: Ju Welasco
Orquestra Metropolitana de Brasília

Coro de Câmara de Brasília

Serviço:

Vamos fazer uma Ópera!

17 e 18 de outubro de 2026 às 16h e 19h
Teatro Madre Carmen Salles, 604 norte

Ingressos: R$ 20 (inteira) | R$ 10 (meia)
Antecipados: hl.art.br/vfo
Bilheteria local: uma hora antes de cada sessão (dinheiro ou pix)

Informações importantes:

• Ingressos gratuitos para crianças e jovens até 14 anos, maiores de 60 anos e PCD.
• Meia-entrada para estudantes, professores e profissionais da saúde
• Meia solidária mediante doação de alimentos
• Lugares por ordem de chegada (com fila preferencial prevista em lei)

A sessão do dia 17 às 16h contará com audiodescrição, libras e programa em braile.

Classificação: Livre
Duração: 1h10

Este projeto é realizado com recursos do Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal