O Casapark anunciou em dezembro, os seis escritórios convidados para a 1ª Mostra Liquidecora + Casapark Prime 2026, com inauguração em janeiro.

Participam Cecília Herculano, responsável pelo Quarto de Casal; Renata Ciccarini, que assina o Home Office; o Studio Freijó — formado por Natalie Tramontini e Thalita Gonçalves — à frente do Living do Colecionador; e o Studio Vanguarda, representado por Matheus Silva, com a Sala de Estar.

O Loft de Solteiro será assinado pela Traama Arquitetura, de Ana Luiza Veloso e Amanda Saback, e o Espaço Gourmet pela Orla Arquitetura, formada por Isabella Souza e Carla Monza. A mostra abre ao público no dia 16 de janeiro, junto com o início do Liquidecora Casapark 2026, a tradicional liquidação de começo de ano do shopping, referência em mobiliário e complementos para a casa.

“Estamos muito felizes com a participação dos escritórios convidados”, afirma Carol Valença, gerente de marketing do Casapark. Segundo ela, a mostra é um espaço de aprendizado e inspiração, que aproxima o público das tendências e possibilidades do design de interiores. “Ao percorrer os ambientes, o visitante percebe como cores, materiais, iluminação e mobiliário dialogam de forma funcional e estética, facilitando a aplicação dessas ideias em sua própria casa”, completa.

Serviço:

Mostra Liquidecora + Casapark Prime 2026

Onde | Praça Central do Casapark

Visitação | de 16/01/2026 a 22/02/2026 

                    De segunda a sábado, das 10h às 22h

                    Domingo, das 12h às 20h

Entrada | Gratuita

Classificação indicativa | Livre para todos os públicos

Redes sociais | @casapark

Endereço | SGCV Lote 22, Park Sul – Brasília

Telefone | (61) 3403-5300

Em sua primeira exposição individual no Brasil, a artista grega Demi Kaia apresenta um conjunto de obras inéditas, criadas em residência artística na galeria durante 40 dias em Brasilia. A artista é eminentemente desenhista, é uma artista-ativista, cujas obras refletem muitas das questões conflituosas e tensas do mundo: guerras, defesa de gênero, violência contra mulher e animais etc.. Na exposição apresenta também diversos desenhos dos últimos 20 anos, inclusive vários de seus famosos “Diários” em capa de couro. Na residência criou objetos e esculturas usando elementos da natureza do cerrado e dos animais que observou no Brasil, dois temas recorrentes em sua produção artística.

Texto depoimento da artista com o crítico italiano Gianluigi Ricuperati Mãos que Traçam Fronteiras

Tudo começou com um gemido, um único e avassalador *porquê*. Em algum momento, você precisa se perguntar o que liga as convulsões do mundo aos valores mais básicos, ao senso comum essencial que pretendemos compartilhar. Foi exatamente isso que eu fiz. Comecei a escrever um diário muito jovem, determinada a registrar tudo. Crescendo durante a recessão grega, aquelas páginas se encheram rapidamente: imagens brutais e pornográficas em tinta, cenas políticas copiadas e recopiadas do mundo lá fora — virando você do avesso, como um Magnificat invertido, sombrio e cromático. Era uma forma de tradução. Violência representada pela violência. E, infelizmente, tais desenhos não envelheceram. Guerras. Genocídios. Ecocídios. Autoritarismos. Colapso ambiental. São as manchetes permanentes da nossa era.

Esta instalação — desenhos antigos e novos, objetos encontrados, esculturas feitas in situ — funciona como uma espécie de salto coletivo da memória, moldado por vidas humanas e não humanas e pelas maneiras como ambas são posicionadas, usadas e descartadas.

Como outros sistemas de dominação, o especismo define as estruturas que habitamos: um sistema de crenças no qual os poderosos traçam fronteiras para justificar a exploração de outras criaturas. Olhe ao redor e diga-me se esta não é a nossa narrativa central. Hoje, somos os protagonistas silenciosos desta parábola — acelerando através das telas que seguramos em nossas mãos, tornando-nos, por sua vez, mártires ou algozes, ou testemunhas silenciosas.

E assim surge a pergunta, inevitável: É moralmente correto sentir felicidade em um mundo tão fragmentado? Albert Camus escreveu que não aumentamos a dor de ninguém ao reconhecermos sua infelicidade; a aceitação pode, na verdade, fortalecer nossa capacidade de lutar por eles.

Eu escolho acreditar nele. A compaixão precisa prevalecer. Em suas palavras, “Ser humano é viver em um estado de tensão permanente: tentar guiar o mundo enquanto tenta não ser subjugado por ele”.Contudo, dentro dessa paisagem fragmentada, algo persiste: uma fé silenciosa, quase obstinada, em nossa capacidade de promover mudanças.

Se a violência ecoa através das gerações, a ternura e a compreensão também podem ecoar. Se a destruição molda a memória, o cuidado também pode. As mesmas mãos que traçam fronteiras podem desmantelá-las; o mesmo olhar que testemunhou o sofrimento em silêncio pode intervir e gritar alto. A esperança se apresenta como responsabilidade, mais do que como salvação.

Ela nos exige que permaneçamos alertas, que permaneçamos permeáveis, que continuemos a sentir mesmo quando percebemos a dor. Ela nos pede para imaginar formas de coexistência — caóticas, frágeis, imperfeitas — entre a vida humana e a não humana. Ela nos pede para praticar a compaixão não como sentimento, mas como resistência.

Talvez seja só isto que importa: cultivar um “princípio da esperança”, como Ernst Bloch o definiu de forma tão brilhante em sua obra-prima homônima, um cântico interior que nasce da atenção, da recusa, do ato repetido da vontade de não se desviar.

A prática da Esperança, mesmo que expressa no hábito diário de desenhar, escrever e imaginar espaços, pode funcionar, mesmo em um cosmos de pesadelo como o nosso, como um portal do tempo – desta forma, poderíamos chegar próximo da Utopia.

Sobre a artista

Demi Kaia nasceu na Grécia, vive e trabalha em Atenas. Ela apresentou seu trabalho em 11 exposições individuais e inúmeras coletivas, principalmente na Grécia, mas também na Suíça e na França. Seus numerosos “Projetos de Diário” serviram de porta de entrada para um grande número de desenhos, registrando a realidade grega em tempos de crise econômica, e seu trabalho recente é uma narrativa moldada por vidas humanas e não humanas e pelas maneiras como ambas são posicionadas, usadas e descartadas. Ela também possui duas performances em seu repertório e seu trabalho escultural atual cria ambientes que exploram a relação entre humanos e não humanos/natureza. Sua última exposição individual aconteceu na Fundação Katakouzenos em Atenas (2023) e foi intitulada “Biblioptaera”, com curadoria de Efie Falida. Suas obras podem ser encontradas em coleções particulares, incluindo a de D. Daskalopoulos (Fundação Neon), e muitas delas publicadas em revistas, jornais e no livro “That Time”, publicado pela editora Futura.

Serviço: “Mãos que Traçam Fronteiras”, exposição individual de Demi Kaia

Abertura terça-feira, dia 12 de dezembro, Galeria Karla Osorio – Pav. III, galeria 6

Em cartaz até 28 de fevereiro de 2026

Visitação: segunda a sexta, 10h – 19h, sábados 10h – 17h

A entrada é gratuita. Recomenda-se agendar por telefone, email, DM no Instagram ou WhatsApp.

Contato artista Demi: +30 694 4533517 demikaia@hotmail.com

Na última quinta-feira, 18 de dezembro, o Pátio Brasil foi palco da Roda de Conversa e Apresentação Brasília Hub Criativo, evento que integrou a exposição Territórios Criativos – Do Brasil para o Mundo. A iniciativa reafirma o compromisso de Brasília em consolidar seu papel como um polo global de design e economia criativa, uma posição que a capital federal ocupa desde 2017, quando foi reconhecida pela UNESCO.

Com um olhar voltado para o futuro criativo de Brasília, o evento trouxe à tona discussões relevantes sobre o impacto da cidade no cenário global de inovação e as novas oportunidades que surgem para os artistas, empreendedores e profissionais da área criativa. A roda de conversa teve como objetivo explorar as perspectivas de Brasília enquanto centro de criação e inovação, conectando as tendências globais às especificidades locais.

Durante a Roda de Conversa, também foram destacados momentos importantes da agenda criativa da cidade. Brasília foi recentemente anfitriã do IX ECriativo, o Encontro da Rede Brasileira de Cidades Criativas da UNESCO, evento que reuniu representantes de diversas cidades criativas ao redor do mundo. Além disso, a capital sediará o II Fórum de Cidades Criativas do Design em março de 2025, evento que promete fortalecer ainda mais a posição de Brasília no cenário internacional.

A exposição Territórios Criativos seguiu com seu propósito de dar visibilidade à diversidade cultural e à inovação que permeiam o trabalho criativo brasileiro, celebrando a produção artística e o pensamento inovador. 

Com um público engajado e várias trocas de ideias, a Roda de Conversa Brasília Hub Criativo contribuiu para reforçar a importância de Brasília como um ambiente fértil para a inovação e a criatividade, com grande potencial para inspirar e impulsionar projetos que conectem o Brasil ao mundo.

 

O artista gaúcho radicado em Brasília apresenta um diálogo inédito com as máscaras de Athos Bulcão, a série obras menos conhecidas do artista influenciada pelo cinema de Stanley Kubrick e a psicodelia dos anos 1960 e 1970 

No dia 27 de novembro, às 18h, a Fundação Athos Bulcão inaugura a mostra “Tudo se transforma em alvorada”, um diálogo entre a produção do artista gaúcho radicado em Brasília Ismael Monticelli e a série de máscaras de Athos Bulcão. A exposição aprofunda a investigação de Monticelli sobre o legado da arquitetura moderna da capital federal, tomando como ponto de partida as narrativas não oficiais que atravessam a cidade. São diferentes camadas entrelaçadas — históricas, místicas, políticas e estéticas — que escapam ao discurso monumental hegemônico e revelam uma Brasília menos rígida, mais aberta a fabulações, desvios e imaginários paralelos. O artista observa como essas tramas ocultas ou marginalizadas criam outras maneiras de experimentar a capital, aproximando-a de um território onde ficções e sensibilidades retrofuturistas ganham espaço.

Com entrada gratuita e classificação indicativa livre para todos os públicos, “Tudo se transforma em alvorada” fica em cartaz até o dia 10 de janeiro de 2026, com visitação de segunda a sexta-feira, das 9h às 18h, e aos sábados, das 9h às 13h. A Fundação Athos Bulcão fica na 510 Sul, Bloco B, Loja 51, Asa Sul, Brasília. A mostra é realizada com o patrocínio do Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal (FAC-DF).

“Tudo se transforma em alvorada” nasce do encontro entre Monticelli e uma das séries menos conhecidas e mais experimentais de Athos Bulcão (1918–2008): as máscaras. Pela primeira vez, a Fundação abre espaço para que um artista desenvolva um diálogo direto e especulativo com sua obra, reunindo 20 máscaras de Athos, apresentadas ao lado — e, em alguns momentos, entrelaçadas — de novas criações de Monticelli que se desdobram em instalação, pintura, vídeo e neon.

Uma arqueologia visual

A série das máscaras de Athos Bulcão revela uma faceta decisiva e pouco visível de sua produção. Longe do repertório amplamente reconhecido de azulejarias modulares, geometrias construtivas e painéis públicos, essas peças expõem um Athos interessado em misturar materiais, reminiscências e camadas heterogêneas de visualidade. Como observa a crítica e curadora Marília Panitz, autora do texto crítico da exposição, trata-se de “um amálgama (inclusive matérico) de experiências diversas com a visualidade. Criam certa arqueologia idiossincrática, onde aparecem fragmentos de sua memória organizados em referências diversas”.

Essa dimensão experimental encontra lastro no próprio processo descrito por Athos. “Em entrevista, Athos comentou a gênese dessa série, afirmando ter se baseado no último momento do filme 2001 – Uma Odisseia no Espaço, com o ‘feto’. Ele também relaciona essas ideias com o que viu no Musée de l’Homme, em Paris, em 1971”, afirma Ismael. E continua: “Sua intenção, segundo o próprio Athos, era criar objetos que brincassem com a antropologia e com a ideia da origem, produzindo máscaras que parecessem feitas de matérias estranhas.” Partindo desse conjunto de referências — do feto estelar de Kubrick às coleções antropológicas parisienses —, as máscaras emergem como uma reflexão sobre origem e finitude. Condensam simultaneamente a imagem do bebê ou do feto e a presença de ossadas e esqueletos humanos, operando como dispositivos simbólicos que negociam os intervalos entre nascimento, morte e evolução.

Athos e a psicodelia

Monticelli propõe uma leitura que reinsere as máscaras de Athos no imaginário gráfico e cinematográfico que marcou as décadas de 1960 e 1970 — um período em que se intensificou o desejo de traduzir visualmente os processos da mente, de investigar como pensamento, percepção e consciência poderiam ser figurados por meio de imagens.

Essa atmosfera se torna ainda mais evidente quando Monticelli aproxima as máscaras — não apenas da cena final do feto, mas também — da célebre sequência Star Gatede 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968). Ali, Stanley Kubrick comprime narrativa, corpo e racionalidade em um corredor de luzes, cores e distorções que radicaliza a experiência visual. Críticos da época descreveram a passagem como um transe cromático que substitui o pensamento por êxtase visual, reconhecendo nela um dos momentos mais emblemáticos da estética psicodélica e das experimentações visuais que moldariam a sensibilidade da década seguinte.

É nesse mesmo ambiente cultural que surge a chamada “cabeça pictograma”, ícone do design gráfico dos anos 1970: perfis humanos reduzidos ao contorno, nos quais diagramas, cores e linhas buscam representar fluxos internos, raciocínios e estados mentais. Ao revisitar as máscaras de Athos sob essa chave, Monticelli desloca o gesto modernista para outro registro: a convicção de que a subjetividade pode ser atravessada por fluxos visuais e de que “a cabeça” — seja no cinema, no design ou na arte — opera como um campo simbólico onde interioridade e mundo se interpenetram.

Sobre o artista

Ismael Monticelli é artista multimídia cuja prática investiga, em pesquisas de longo prazo, as relações entre arte, história e ficção, explorando utopias, distopias e imaginários de futuro. Doutor em Arte e Cultura Contemporânea pela UERJ (2022), foi vencedor do 7º Prêmio Indústria NacionalMarcantonio Vilaça (2019) e contemplado pelo programa Retomada Artes Visuais da Funarte (2023). Realizou residências na La Becque Résidence d’Artistes (Suíça) e no Institute of Contemporary Arts (Singapura). Participou da 14ª Bienal do Mercosul (2025) e da 10ª Bienal do Mercosul (2015), além de exposições individuais no Brasil e coletivas em instituições do Reino Unido, Estados Unidos, Suíça e Singapura. Seu trabalho já foi destacado por veículos como The Guardian, Apollo Magazine e Ocula Magazine.

SERVIÇO

Tudo se transforma em alvorada

Ismael Monticelli em diálogo com Athos Bulcão
Texto crítico: Marília Panitz

Abertura: 27 de novembro de 2025, às 18h 

Visitação: 28/12/2025 a 10/01/2026

                  De segunda a sexta, das 9h às 18h

                  Sábado, das 9h às 13h

Local: Fundação Athos Bulcão – Galeria AB
Endereço: W3 Sul, CRS 510, Bloco B, Loja 51 – Asa Sul, Brasília, DF

Telefone: (61) 3322-7801

E-mail: fundathos@fundathos.org.br

Entrada: Gratuita

Classificação indicativa: Livre para todos os públicos

Este projeto tem o patrocínio do Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal (FAC-DF)

Itinerância amplia o recorte apresentado anteriormente na Cúpula do G20, no Rio de Janeiro, consolidando compromisso do Museu de Arte Moderna e do Centro Cultural Banco do Brasil com a democratização do acesso à arte moderna e contemporânea.

Curadoria reúne obras em diferentes suportes de nomes essenciais da arte brasileira, como Alberto da Veiga Guignard, Amílcar de Castro, Angelo Venosa, Beatriz Milhazes, Candido Portinari, Di Cavalcanti, Hélio Oiticica, Leonilson, Lucia Laguna, Luiz Zerbini, Lygia Clark, Lygia Pape, Sebastião Salgado, Sergio Camargo, Thiago Martins de Melo, Tomie Ohtake e Tunga.

O Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) Brasília apresenta, a partir de 16 de dezembro de 2025, a exposição Uma história da arte brasileira, realizada pelo Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio). Depois de sua primeira etapa em Belo Horizonte, a mostra chega ao Distrito Federal em versão ampliada, reunindo cerca de cem obras — o dobro da edição anterior — que traçam um panorama abrangente da produção artística nacional entre os séculos 20 e 21. Ocupando o térreo e o subsolo da Galeria 1 do CCBB, a mostra tem classificação livre e ingressos gratuitos, que podem ser retirados na bilheteria ou pelo site (https://ccbb.com.br/brasilia/).

Com curadoria de Raquel Barreto e Pablo Lafuente, curadora-chefe e diretor artístico do MAM Rio, respectivamente, a exposição apresenta um conjunto de trabalhos essenciais para compreender os caminhos da arte brasileira, articulando continuidades, rupturas, invenções e experimentações que atravessam gerações, geografias e contextos sociais. 

Entre os artistas representados — nomes incontornáveis da arte moderna e contemporânea — estão Alberto da Veiga Guignard, Aluísio Carvão, Amílcar de Castro, Angelo Venosa, Arjan Martins, Beatriz Milhazes, Carlos Scliar, Daniel Senise, Franz Weissmann, Hélio Oiticica, Ivan Serpa, Leonilson, Lúcia Laguna, Luiz Zerbini, Lygia Clark, Lygia Pape, Manabu Mabe, Maria Leontina, Márcia X, Mario Cravo Neto, Milton Dacosta, Nelson Leirner, Nuno Ramos, Raul Mourão, Sebastião Salgado, Sérgio Camargo, Thiago Martins de Melo, Tomie Ohtake e Tunga.

“Levar essa exposição para Brasília reforça o compromisso do MAM Rio com a democratização do acesso ao seu acervo e com a função social da arte, entendida como instrumento de educação, cidadania e reflexão crítica”, afirma Yole Mendonça, diretora-executiva do museu. “Com mais de 16 mil obras entre coleção própria e acervos em comodato, o MAM Rio é uma instituição central para a história da arte moderna e contemporânea no Brasil. A itinerância nacionalamplia esse acesso e aproxima o público de um patrimônio artístico fundamental.”

“É com muita alegria que inauguramos a exposição em Brasília, com mais obras que nas versões anteriores, com o objetivo de proporcionar um percurso histórico da arte brasileira, procurando oferecer ao público nem sempre familiarizado com o tema uma visão em conjunto da arte do país”, celebra Raquel Barreto.

Da Cúpula do G20 à itinerância nacional

Concebida originalmente para a Cúpula do G20, realizada no MAM Rio em novembro de 2024, a exposição foi visitada por chefes de Estado e delegações internacionais antes de ser aberta ao público. A etapa em Brasília dá continuidade ao percurso iniciado no CCBB Belo Horizonte, ampliando o conjunto de obras e aprofundando a leitura histórica proposta pelo museu.

Cinco eixos curatoriais

Organizada em cinco núcleos cronológicos, a exposição apresenta momentos decisivos da arte brasileira: 

Modernismo (1910–1950), quando artistas consolidaram uma linguagem própria marcada pela busca de identidade nacional; Abstracionismo e Concretismo (anos 1950), com a emergência de grupos e manifestos que redefiniram o campo artístico; Nova Figuração e poéticas do conceito (anos 1960–1970), período de forte experimentação em resposta à ditadura militar; Da década de 1980 ao presente, com a força pictórica da Geração 80, a pluralidade dos anos 1990 e as transformações dos anos 2000 — quando artistas negros, indígenas, mulheres e LGBTQIA+ tensionam cânones e reescrevem narrativas; e, por fim, Imagens do Brasil contemporâneo, seleção do comodato Joaquim Paiva, uma das mais importantes coleções de fotografia do país, que aborda cenas sociais, políticas, paisagens e aspectos fundamentais da vida brasileira.

Um retrato plural da arte no Brasil

“A exposição evidencia como a prática artística interpreta o mundo, revela tensões históricas e amplia nossa percepção das múltiplas histórias que compõem a arte brasileira”, afirmam os curadores.

Ao reunir artistas de diferentes épocas e perspectivas, Uma história da arte brasileiraconvida o público a revisitar trajetórias, repensar narrativas e reconhecer a diversidade que forma — e transforma — a produção artística no país.

Sobre o MAM Rio

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro promove experiências participativas e inclusivas a partir da arte. Fundado em 1948 com a premissa de ser um museu-escola, é referência como plataforma de criação e formação para artistas e públicos, alcançando diferentes gerações e territórios. O MAM Rio é responsável por um extenso acervo de arte moderna e contemporânea, com focos na arte brasileira e em fotografia. Atualmente, abriga três coleções de artes visuais, com um total de cerca de 16 mil obras.

As exposições do MAM Rio propõem relações entre artistas de diferentes gerações, conectando passado e presente em todas as linguagens e manifestações, pautados por temáticas diversas e equitativas do mundo e do fazer artístico. 

O prédio do MAM Rio no Parque do Flamengo, desenhado por Affonso Eduardo Reidy e com jardins projetados por Roberto Burle Marx, virou referência para a arquitetura mundial. O museu e seu entorno oferecem um espaço de convivialidade e experimentação que impulsiona processos de troca, circulação, vivências e cultura.

Sobre o CCBB Brasília

O Centro Cultural Banco do Brasil Brasília (CCBB Brasília) foi inaugurado em 12 de outubro de 2000. Localizado no Edifício Tancredo Neves, o prédio é uma obra arquitetônica de Oscar Niemeyer e tem o objetivo de reunir, em um só lugar, todas as formas de arte e criatividade possíveis.

Com projeto paisagístico de autoria de Alda Rabello Cunha, dispõe de amplos espaços de convivência, galerias de artes, sala de cinema, teatro, praça central e jardins, onde são realizados exposições, shows, espetáculos, exibições de filmes e performances.

Além disso, é oferecido o Programa Educativo CCBB Brasília, projeto contínuo de arte-educação, que desenvolve ações educativas e culturais, aproximando o visitante da programação em cartaz, acolhendo o público espontâneo e, especialmente, estudantes de escolha públicas e particulares, universitários e instruções, por meio de visitas mediadas agendadas.

Em 2022, o CCBB Brasília se tornou o terceiro prédio do Banco do Brasil a receber a certificação ISO 14001, cuja renovação anual ratifica o compromisso da instituição com a gestão ambiental e a sustentabilidade.

Acessibilidade

A ação “Vem pro CCBB” conta com uma van que leva o público, gratuitamente, para o CCBB Brasília, de quinta-feira a domingo. A iniciativa reforça o compromisso com a democratização do acesso e a experiência cultural dos visitantes. A van fica estacionada próxima ao ponto de ônibus da Biblioteca Nacional.

O acesso é gratuito, mediante retirada de ingresso no site, na bilheteria do CCBB ou ainda pelo QR Code da van. Lembrando que o ingresso garante o lugar na van, que está sujeita à lotação, mas a ausência de ingresso não impede sua utilização. Uma pesquisa de satisfação do usuário pode ser respondida pelo QR Code que consta no vídeo de divulgação exibido no interior do veículo. Mais informações em: Serviços Oferecidos | CCBB Brasília

Horário da van – De quinta-feira a domingo: 
Biblioteca Nacional – CCBB:  13h, 14h, 15h, 16h, 17h, 18h, 19h e 20h. | CCBB – Biblioteca Nacional: 13h30, 14h30, 15h30, 16h30, 17h30, 18h30, 19h30, 20h30 e 21h30.

SERVIÇO:

Exposição: Uma história da arte brasileira
Curadoria: Raquel Barreto e Pablo Lafuente 
Data de abertura: 16 de dezembro de 2025
Encerramento: 08 de fevereiro de 2026

Local: CCBB Brasília
Endereço: Asa Sul Trecho 2 – Asa Sul, Brasília – DF
Tel: (61) 3108-7600
Website: https://ccbb.com.br/brasilia/

Instagram: @ccbbbrasilia

Ingressos: podem ser retirados gratuitamente na bilheteria do CCBB ou no site,

Classificação: livre

Horários de visitação: terça a domingo, das 9h às 21h, com entrada nas galerias até 20h40

MEME: no Br@sil da memeficação investiga os memes como forma de linguagem, crítica, afeto coletivo e produção estética. A mostra, que estreou em São Paulo e chega a Brasília em dezembro, explora expressões que surgem tanto nas ruas quanto nas redes sociais e que se reinventam no ambiente digital, revelando, de forma criativa, como o Brasil se narra e se transforma coletivamente.

No dia 2 de dezembro, o Centro Cultural Banco do Brasil Brasília abre ao público a primeira mostra dedicada ao fenômeno sociopolítico e cultural: MEME: no Br@sil da memeficação. Com curadoria de Clarissa Diniz e Ismael Monticelli e colaboração do perfil @newmemeseum, a exposição convida o público a explorar a memeficação como um dos modos mais potentes — e irônicos — de narrar o Brasil contemporâneo.

Depois de estrear em São Paulo, a mostra chega a Brasília reunindo cultura digital, arte contemporânea e crítica social em uma experiência inédita no país. A exposição apresenta cerca de 800 itens produzidos por 200 criadores do universo digital e artistas. Em exibição até 1º de março de 2026, a mostra ocupa as galerias 3 e 5 e o Pavilhão de Vidro do CCBB Brasília. A visitação acontece de terça a domingo, das 9h às 21h, com entrada nas galerias até as 20h40. O acesso é gratuito, mediante retirada de ingresso na bilheteria ou pelo site do CCBB, e a classificação indicativa é livre.

“Memes não são só piadas. Eles são ferramentas políticas, culturais e afetivas. São a forma como o Brasil elabora, disputa e contorna suas diferenças — sociais, raciais, de gênero e estéticas — em tempo real”, afirma Clarissa Diniz. “A exposição parte do humor para provocar: como estamos refazendo o país através de suas imagens mais debochadas?”.

“É impossível compreender o Brasil de hoje sem entender seus memes”, diz Ismael Monticelli. “Eles não apenas refletem a realidade, mas atuam sobre ela: produzem memória, disputam narrativa, geram pertencimento. Enquanto fazemos memes, os memes refazem o Brasil.”

A proposta curatorial rompe fronteiras entre o que é visto como “alta” ou “baixa” cultura, reunindo nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Anna Maria Maiolino, Gretta Sarfaty, Nelson Leirner e Claudio Tozzi, ao lado de criadores de conteúdo, como Blogueirinha, Porta dos Fundos, Alessandra Araújo, Melted Vídeos, John Drops e Greengo Dictionary. 

Reforçando o compromisso da BB Asset de ir além da gestão de ativos e apoiar iniciativas que conectam cultura, inovação e diversidade, Gustavo Pacheco, CEO da BB Asset destaca: “Acreditamos que compreender o presente é essencial para construir o futuro. Apoiar uma exposição que investiga os memes como linguagem e expressão cultural é reconhecer a força das novas formas de comunicação na sociedade brasileira. Essa mostra revela como criatividade e crítica se encontram no ambiente digital, influenciando comportamentos e narrativas.”

O meme antes do meme

Organizada em cinco núcleos temáticos — Ao pé da letra, A hora dos amadores, Da versão à inversão, O eu proliferado, Combater ficção com ficção— e tendo como prólogo um espaço tátil intitulado Alisa meu pelo e epílogo Memes: o que são? Onde vivem? Do que se alimentam? —, a mostra conta com cenografia imersiva e uma ampla diversidade de linguagens: vídeos, neons, esculturas, roupas, quadrinhos, pinturas, objetos, backlights, instalações sonoras e experiências interativas.

“A exposição não tem a ambição de ser um inventário do humor nacional, mas de investigar os memes como uma linguagem viva, que transborda a internet e afeta diretamente nossas formas de pensar, sentir e agir”, afirma Ismael Monticelli. “Eles são dispositivos de memória, de disputa e de pertencimento, que operam em altíssima velocidade e atravessam todas as camadas da vida social.”

“Queremos provocar o público a pensar: será que essa vocação memética do Brasil começou mesmo com os memes digitais?”, questiona Clarissa Diniz. “Ou será que ela já se anunciava no carnaval, nos bordões da TV, nas pichações e nos outdoors? O que acontece quando política, publicidade e arte se dobram aos formatos da zoeira?”

Além da ocupação física no CCBB, o projeto se estende ao ambiente digital com uma série de ativações especialmente desenvolvidas para as redes sociais. Em parceria com o perfil de memes @newmemeseum, curadorias de conteúdos exclusivos serão compartilhados on-line, ampliando o alcance da exposição e promovendo engajamento, acesso e debate com públicos diversos — muito além das paredes do museu.

Percurso da mostra

Prólogo – Alisa meu pelo

O meme Alisa meu pelo, surgido em 2017 a partir da onça-pintada da nota de R$ 50 acompanhada da legenda “Alisa meu pelo (onça carente)”, viralizou ao ressignificar a onça não como ícone de virilidade, mas como símbolo afetivo, carente e próximo. Ao se difundir, o meme passou a comentar o próprio Brasil de forma leve e zombeteira, ativando uma produção simbólica popular e participativa. Na exposição, onças em diferentes materiais convidam o público ao toque e à interação, ampliando esse gesto coletivo de humor e reflexão. Participaram da criação das onças os artistas José Francisco Afrânio, Jorge Gomes e Vinicius Vaitsmann.

1. Ao pé da letra

No primeiro núcleo da exposição, o foco recai sobre os jogos semânticos e os descompassos entre texto e imagem que tornam os memes tão eficazes em gerar riso, crítica e estranhamento. Em vez de explicarem um ao outro, palavras e figuras se combinam para formar sentidos inesperados — ou se colam literalmente, desnaturalizando expressões e convenções sociais. Aborda práticas como o uso de emojis, narrações e dublagens cômicas, além de línguas digitais, como o tiopês e o pajubá, e estruturas como o snowclone, revelando como essas invenções linguísticas produzem deslocamentos de sentido e potência crítica. 

Alguns criadores presentes no núcleo são: Amanda Magalhães (@amandzmagalhaes), Daniel Santiago, Frimes (@frimes), Greengo Dictionary (@greengodictionary), Guto TV (@gutotvreal), Leandra Espírito Santo, Melted Vídeos (@meltedvideos), Nelson Leirner, Pamella Anderson, Panos Subversivos (@panossubversivos), Rafael Portugal (@rafaelportugal), Raquel Real (@raquelrealoficial), Roxinha e Ruth Lemos.

2. A hora dos amadores

Inspirado pela célebre capa da revista Time de 2006 — que elegeu “você” como a personalidade do ano —, este núcleo aborda a virada provocada pela internet e pelas redes sociais, que deram visibilidade inédita às “pessoas comuns”. Os memes, nesse contexto, aparecem como uma tecnologia social de protagonismo, permitindo que vozes antes apagadas ou silenciadas ocupem o centro da cena cultural. Em países como o Brasil, marcados por fortes desigualdades, os memes se tornaram um território fértil para narrativas insurgentes: do humor que revela a precariedade cotidiana à crítica social feita com poucos recursos e muita sagacidade. Este núcleo celebra essa potência do amadorismo como desvio criativo e força política.

Alguns criadores presentes no núcleo são: Alessandra Araújo (@alessandraraujooficial), Valdisnei (Lourival Cuquinha e Daniela Brilhante), Malfeitona (@malfeitona), O Brasil que deu certo (@obrasilquedeucerto) e Raphael Vicente (@raphaelvicente).

3. Da versão à inversão

Se a imitação é uma das bases da linguagem memética, aqui ela é entendida como gesto crítico e criativo. Este núcleo mostra como memes transformam cópias em versões que subvertem e desmontam o original, produzindo humor, paródia e comentário social.
A exposição apresenta desde pequenas alterações — como trocar uma palavra ou fazer um recorte específico de imagem — até inversões radicais: mulheres imitando homens, humanos dublando animais e estéticas que embaralham as fronteiras entre identidade e representação. Como no carnaval, o riso vem da inversão — e, nela, uma crítica se insinua.

Alguns criadores presentes no núcleo são: A vida de Tina (@avidadetina), Alexandre Mury, Festa da Firma (@festadafirma), John Drops (@johndrops), Juvi Chagas (@ajuvichagas), Lara Santana (@larasantana), Malhassaum (@malhassaum), Porta dos Fundos (@portadosfundos), Renata Felinto e Victor Arruda.

4. O eu proliferado

Neste núcleo, a curadoria volta-se à explosão do “eu” nas redes sociais e à forma como a vida privada se tornou espetáculo. A internet deixou de ser apenas um espaço de compartilhamento para se tornar um palco de autoperformance. A construção de si — por meio de selfies, dancinhas, relatos, confissões e personagens — tornou-se prática cotidiana, revelando tanto o desejo de existir publicamente quanto os efeitos dessa hiperexposição.

O núcleo aborda a dramaturgia do “eu” como potência e armadilha. Se, por um lado, possibilita a afirmação de identidades historicamente apagadas, por outro, evidencia o impacto subjetivo da lógica neoliberal que transforma autoestima em mercadoria e precariza o bem-estar mental.

Alguns criadores presentes no núcleo são: Blogueirinha (@blogueirinha), Coach de Fracassos (@coachdefracassos), Frases Pra Você (@frasespravoce), Galinhas Inseguras (@galinhasinseguras), Gretta Sarfaty, Jacira Doce (@jaciradoce), Lenora de Barros, Nathalia Cruz (@nathaliapontocruz), Panmela Castro, Pedro Vinicio (@pedrovinicio80), Regina Vater, Telma Saraiva, Valentina Bandeira (@valentinabandeira) e Valeska Soares.

 5. Combater ficção com ficção

A polarização política e a radicalização do discurso público são temas centrais deste núcleo, que examina o papel dos memes na disputa simbólica do presente. Ao mesmo tempo em que são ferramentas de enfrentamento, síntese e resistência, os memes podem também ser veículos de desinformação, exclusão e violência simbólica. A curadoria propõe aqui uma reflexão sobre os usos éticos do riso, compreendendo o humor como forma sofisticada de diplomacia, mas também como instrumento perigoso nas mãos do autoritarismo. Entre memecracia e memecrítica, este núcleo convida a pensar: como rir sem reforçar os estigmas que queremos combater?

Alguns criadores presentes no núcleo são: Augusto de Campos, Claudio Tozzi, Dolangue News (@dolangue.news), História no Paint (@historianopaint), Juju dos Teclados (@jujudosteclados), Marcelo Tas (@marcelotas), Pasquim, Paulo Gustavo, Porta dos Fundos (@portadosfundos), Regina Silveira, Saquinho de Lixo (@saquinhodelixo) e Sensacionalista (@sensacionalista).

Epílogo – Memes: o que são? Onde vivem? Do que se alimentam?

Encerrando o percurso, o epílogo da exposição abraça a impossibilidade de definir os memes de maneira definitiva. Ao invés de uma resposta fixa, a curadoria propõe uma provocação coletiva: como cada pessoa compreende o que é um meme? O que eles significam hoje? O epílogo contou com a colaboração da equipe do #MUSEUdeMEMES, da Universidade Federal Fluminense, coordenada por Viktor Chagas, maior estudioso de memes no Brasil, e apresenta 10 entrevistas com criadores brasileiros, como Gregório Duvivier e Malfeitona, que respondem, em vídeo, essa indagação existencial com liberdade e afeto. Aqui, o meme é entendido como forma fluida, mutante e bastarda — que habita os interstícios da linguagem, circula entre mídias e revela, no improviso, a imaginação crítica do nosso tempo.

Sobre os curadores

Clarissa Diniz é curadora, escritora e professora em arte com 20 anos de carreira. Professora da Escola de Belas Artes da UFRJ, foi uma das primeiras curadoras brasileiras a incluir memes em exposições. Realizou curadorias em importantes instituições, como o Museu de Arte do Rio, a Pinacoteca de São Paulo e o Museu de Artes de São Paulo – Masp. Ao longo de sua carreira, já realizou curadorias de exposições como: Contrapensamento selvagem (cocuradoria com Cayo Honorato, Orlando Maneschy e Paulo Herkenhoff. Instituto Itaú Cultural, São Paulo); O abrigo e o terreno (cocuradoria com Paulo Herkenhoff. Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, 2013); Ambiguações (Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, 2013); Todo mundo é, exceto quem não é – 13ª Bienal Naifs do Brasil (SESC Piracicaba, 2016, e Sesc Belenzinho, 2017); Dja Guata Porã – Rio de Janeiro Indígena (cocuradoria com Sandra Benites, Pablo Lafuente e José Ribamar Bessa, Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, 2017); Rio do samba: resistência e reinvenção (cocuradoria com Evandro Salles, Marcelo Campos e Nei Lopes, Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, 2018) e À Nordeste (cocuradoria com Bitu Cassundé e Marcelo Campos, Sesc 24 de Maio, São Paulo, 2019). Raio-que-o-parta: ficções do moderno no Brasil (cocuradoria com Raphael Fonseca, Fernanda Pitta, Aldrin Figueiredo, Marcelo Campos, Divino Sobral e Paula Ramos, Sesc 24 de Maio, 2022) e Histórias Brasileiras (cocuradoria com Adriano Pedrosa, Lilia Schwarcz, Sandra Benites, Isabella Rjeille, Amanda Carneiro, André Mesquita, Guilherme Guifrida, Glacea Britto, entre outros, Museu de Arte de São Paulo, São Paulo, 2022). Entre 2006 e 2015, foi editora da revista Tatuí, principal revista de crítica de arte brasileira, de viés experimental. Publicou inúmeros catálogos e livros.

Ismael Monticelli é artista multimídia. Sua pesquisa de doutorado, concluída em 2022, enfocou a relação entre arte, internet e redes sociais. Foi contemplado pelo programa Retomada Artes Visuais (2023), da Fundação Nacional de Artes – Funarte. Recebeu o 7º Prêmio Indústria Nacional Marcantonio Vilaça (2019), o mais importante prêmio para artistas em atuação no Brasil. Também foi um dos três artistas selecionados para a Bolsa ProHelvetia de Residência para Artistas Sul-Americanos, realizada na La Becque Résidence d’Artistes, La Tour-de-Peilz, Suíça (2019). Realizou residência no Institute of Contemporary Arts de Singapura, desenvolvendo um trabalho com parte da coleção da instituição. Participou da 14ª e da 10ª Bienal do Mercosul (2025 e 2015). Entre 2022 e 2023, seu trabalho foi destacado pelo The Guardian, pela Apollo Magazine e pela Ocula Magazine, durante sua participação na exposição Horror in the Modernist Block (curadoria de Melanie Pocock, Ikon Gallery, Birmingham, Reino Unido). Realizou diversas exposições individuais, como O teatro do terror (Casa França-Brasil, Rio de Janeiro, 2025; Museu Nacional da República, Brasília, 2024); O que sobrenada, sobrenada no caos (curadoria de Clarissa Diniz, Portas Vilaseca Galeria, Rio de Janeiro, 2022). Participou de diversas exposições coletivas no Brasil e em países como Reino Unido, Estados Unidos, Suíça e Singapura. Tem doutorado em Arte e Cultura Contemporânea – Arte, Imagem e Escrita (UERJ, 2022), mestrado em Artes Visuais – Processos de Criação e Poéticas do Cotidiano (UFPel, 2014) e bacharelado em Artes Visuais (UFRGS, 2010).

Colaboração | Perfil de Instagram New Memeseum

O @newmemeseum foi criado no final de julho de 2020 e conta com quase meio milhão de seguidores. Uma das principais motivações de sua criação foi o desejo de refletir, com humor e ironia, sobre os mecanismos adotados para sobreviver no/ao mundo da arte e, também, sobre os mecanismos que o mundo da arte nos impinge. O perfil realizou a ocupação virtual Combater ficção com ficção, no projeto ofício:web, do Sesc Pompeia, São Paulo, que ficou em cartaz de julho a agosto de 2021. Participou da terceira edição do programa Pivô Satélite, São Paulo, intitulada Sexo, mentiras e videotape, com curadoria de Raphael Fonseca e com a proposta Panorama Botijão da Arte Brasileira. Além disso, o trabalho do perfil já foi destacado pelos jornais Folha de São Paulo e O Globo. 

Sobre o CCBB Brasília 

O Centro Cultural Banco do Brasil Brasília (CCBB Brasília) foi inaugurado em 12 de outubro de 2000. Sediado no Edifício Tancredo Neves, uma obra arquitetônica de Oscar Niemeyer, tem o objetivo de reunir, em um só lugar, todas as formas de arte e criatividade possíveis.

 

Com projeto paisagístico assinado por Alda Rabello Cunha, dispõe de amplos espaços de convivência, galerias de artes, sala de cinema, teatro, praça central e jardins onde são realizadas exposições, shows musicais, espetáculos, exibições de filmes e performances.

Além disso, oferece o Programa Educativo CCBB Brasília, projeto contínuo de arte-educação que desenvolve ações educativas e culturais para aproximar o visitante da programação em cartaz, acolhendo o público espontâneo e, especialmente, estudantes de escolas públicas e particulares, universitários e instituições, por meio de visitas mediadas agendadas.

Em 2022, o CCBB Brasília se tornou o terceiro prédio do Banco do Brasil a receber a certificação ISO 14001, cuja renovação anual ratifica o compromisso da instituição com a gestão ambiental e a sustentabilidade.

Sobre a BB Asset

A BB Asset, maior gestora de fundos do país, administra cerca de R$ 1,7* trilhão em patrimônio líquido e é responsável pela gestão de mais de 1.200 fundos de investimento, atendendo milhões de pessoas que buscam realizar seus objetivos financeiros. A empresa é reconhecida pela excelência de sua gestão, com as maiores notas das agências de classificação de risco Fitch Ratings e Moody’s. Detém aproximadamente 17,5% de participação no mercado, consolidando sua liderança no setor. Seus produtos são distribuídos pela maior rede de atendimento bancário do país, o Banco do Brasil, e pelas principais plataformas de investimento.

A BB Asset acredita que seu papel vai além da gestão de ativos. Com soluções desenvolvidas para diferentes perfis e objetivos, a empresa assume a responsabilidade de contribuir para uma sociedade mais inclusiva, participativa e conectada com o que realmente importa, investindo em iniciativas que promovem desenvolvimento ambiental, social, de governança e cultural.

*Dados do ranking da ANBIMA de setembro de 2025

Acessibilidade    

A ação Vem pro CCBB conta com uma van que leva o público, gratuitamente, para o CCBB Brasília, de quinta-feira a domingo. A iniciativa reforça o compromisso com a democratização do acesso e a experiência cultural dos visitantes. A van fica estacionada próxima ao ponto de ônibus da Biblioteca Nacional. O acesso é gratuito, mediante retirada de ingresso no site, na bilheteria do CCBB ou ainda pelo QR Code da van. O ingresso garante o lugar na van, que está sujeita à lotação, mas a ausência de ingresso não impede sua utilização. Uma pesquisa de satisfação do usuário pode ser respondida pelo QR Code que consta no vídeo de divulgação exibido no interior do veículo.

Horário da van – De quinta-feira a domingo: Biblioteca Nacional – CCBB:  13h, 14h, 15h, 16h, 17h, 18h, 19h e 20h. | CCBB – Biblioteca Nacional: 13h30, 14h30, 15h30, 16h30, 17h30, 18h30, 19h30, 20h30 e 21h30.

MEME: no Br@sil da memeficação é uma produção da Patuá Produções, com patrocínio do Banco do Brasil e BB Asset. Depois da temporada de Brasília, a exposição será apresentada em Belo Horizonte (março a junho de 2026) e Rio de Janeiro (agosto a novembro de 2026).

Serviço:  

Exposição |MEME: no Br@sil da memeficação

Curadoria| Clarissa Diniz e Ismael Monticelli, com a colaboração do @newmemeseum

Visitação | De 2 de dezembro de 2025 a 1º de março de 2026  

                    Terça a domingo, das 9h às 21h, com entrada na galeria até as 20h40

Acesso | Gratuito, mediante retirada de ingresso no site bb.com.br/cultura e na bilheteria física do CCBB Brasília

Classificação Indicativa | Livre

CCBB Brasília

Funcionamento: aberto de terça a domingo, das 9h às 21h

Endereço: SCES Trecho 2, Lote 22 – Edif. Presidente Tancredo Neves – Setor de Clubes Esportivos Sul – Brasília – DF

Fone: (61) 3108-7600

E-mail: ccbbdf@bb.com.br

Site: bb.com.br/cultura

Facebook/Instagram: @ccbbbrasilia

YouTube: bancodobrasil

TikTok: @ccbbcultura

Em uma manhã curada pela HOME Brasília, o Fazenda da Matta será apresentado a convidados em um encontro que promete traduzir a essência do novo luxo: relacionar, sentir e viver experiências.

Na manhã de 15 de novembro, a HOME Brasília irá abrir as portas de sua sede no Edifício Mandarim, no Noroeste, para um brunch que será mais do que uma apresentação de empreendimento. Uma celebração da estética, do propósito e do estilo de vida que moldam o novo imobiliário de alto padrão no Centro-Oeste.

O evento reunirá clientes, parceiros e formadores de opinião em torno de uma experiência sensorial que combina arquitetura, hospitalidade e curadoria — pilares que definem tanto a HOME quanto o Fazenda da Matta, condomínio residencial de luxo em Pirenópolis.

A maquete oficial do empreendimento, exposta no espaço, servirá como ponto central da ambientação: um convite visual para explorar a harmonia entre design contemporâneo, natureza e bem-estar que estrutura o conceito do Fazenda da Matta.

A convergência de propósitos: HOME e Fazenda da Matta

O brunch marcará o início de uma colaboração que representa mais do que uma parceria comercial — trata-se da união de duas visões complementares sobre o viver bem.

Segundo Jean Oliveira, sócio da HOME e profissional com mais de 22 anos de trajetória no mercado imobiliário de alto padrão, “o Fazenda da Matta traduz o que entendemos por curadoria: um projeto concebido para quem busca mais do que um endereço — busca um estilo de vida que reflita valores, ritmo e pertencimento.”

Para Mariana Hilário, diretora de Marketing e Comunicação da HOME, “essa sinergia nasce do desejo comum de humanizar o mercado imobiliário. O brunch é uma metáfora dessa conexão — um momento leve, de encontro e descoberta, onde cada detalhe foi pensado para gerar vínculo e encantamento.”

A estética como narrativa: arquitetura, natureza e afeto

Com atmosfera intimista, o evento foi pensado como uma extensão do próprio conceito do Fazenda da Matta. O décor em tons terrosos, o menu de café da manhã elaborado e a iluminação natural criarão uma experiência envolvente, refletindo o espírito do empreendimento — um refúgio contemporâneo que une design autoral, paisagismo orgânico e bem-estar integrado.

No centro da proposta, a ideia de que o luxo do futuro é silencioso, natural e afetivo: nasce da atenção aos detalhes, do respeito ao tempo e da curadoria de experiências que resgatam a relação entre o homem e o ambiente.

Mais que uma vitrine, uma experiência

Durante o encontro, os convidados poderão explorar a maquete e conhecer os diferenciais do projeto, que vai muito além da estética arquitetônica. O Fazenda da Matta aposta em uma nova perspectiva de vida — onde o lazer, a natureza e a convivência se fundem em um único espaço, pensado para gerar pertencimento e qualidade de vida.

A HOME, por sua vez, reforça sua posição como referência em curadoria imobiliária com propósito, combinando inteligência de mercado e sensibilidade estética para traduzir o luxo contemporâneo em experiências tangíveis.

O futuro do viver bem

O brunch na HOME Brasília não será um evento isolado, mas o reflexo de um novo momento do mercado imobiliário: mais humano, relacional e sensorial.
Como sintetiza o manifesto da marca:

“Mais que imóveis, criamos experiências.
Mais que negociações, geramos vínculos.
Mais que um time, somos uma assinatura.”

O Fazenda da Matta e a HOME Brasília compartilham esse mesmo princípio — o de transformar o ato de morar em uma experiência estética e emocional, na qual cada detalhe é pensado para inspirar, acolher e conectar.

Sobre o Fazenda da Matta
O Fazenda da Matta é um condomínio de alto padrão localizado a 10 minutos do centro de Pirenópolis (GO), com projeto que valoriza o contato com a natureza, a sofisticação estética e a convivência entre vizinhos. O empreendimento conta com haras assinado por Doda Miranda, arquitetura de Denise Zuba Arquitetos, paisagismo do escritório Depieri e uma parceria com a Vinícola Assunção para a produção de vinho com rótulo próprio.Contará com um museu a céu aberto, integrado às trilhas e jardins do condomínio com obras exclusivas assinadas por nomes da arte contemporânea como Samuel Caixeta. O projeto ainda inclui a presença do Bistrô de Fogo e ações sociais com parceiros locais.

Informações sobre disponibilidade de lotes e experiências estão disponíveis discretamente em:
🌐 www.fazendadamatta.com.br  . @fazendadamatta_
📍 Visitas mediante agendamento com atendimento curado.