A mostra é coletiva e reúne 18 artistas do acervo da galeria

O título anuncia um gesto: abrir os trainéis é revelar o que está guardado, é convidar o olhar para dentro. A mostra apresenta obras inéditas e celebra a pluralidade de linguagens que define a identidade da Referência, reunindo pinturas e objetos que transitam por diferentes formatos, suportes e matérias.

A riqueza tátil das obras e a multiplicidade de propostas artísticas compõem um percurso generoso, no qual cada trabalho dialoga com o conjunto e, ao mesmo tempo, sustenta a sua singularidade.

A mostra é composta por obras de Alessandra França, Clarice Gonçalves, Courinos, Desirée Feldmann, Diô Viana, Evandro Soares, Fernando Leite, Karina Dias, Léo Tavares, Luciano Macedo, Luiz Aquila, Osvaldo Gaia, Patricia Bagniewski, Patricia Furlong, R.Godá, Reynaldo Candia, Samantha Canovas e Veridiana Leite.

A visitação é de segunda a sexta, das 10h às 19h, e sábados, das 10h às 14h.

Obras do fotógrafo ocuparão a sede do Superior Tribunal de Justiça, onde haverá também lançamento editorial comemorativo

No próximo dia 01 de junho, o fotógrafo Araquém Alcântara abre exposição e faz noite de autógrafos na sede do Superior Tribunal de Justiça (STJ), em Brasília. A exposição reunirá imagens em grandes formatos (2,20 m x 1,50 m), selecionadas para celebrar 50 anos de carreira do artista. Há registros da Amazônia, da Mata Atlântica e de outros biomas, bem como cenas do cotidiano do povo brasileiro.

Dedicado à sensibilização do público em relação a questões ambientais, Araquém Alcântara foi o primeiro fotógrafo a registrar todos os parques nacionais brasileiros, tendo sido também pioneiro na documentação visual dos ecossistemas e unidades de conservação do país. 

Araquém Alcântara lança obra-manifesto                                                     

Livro de 50 anos de carreira é uma “crônica visual da beleza e do horror”

O fotógrafo Araquém Alcântara comemora, aos 75 anos, cinco décadas de trajetória,  com o lançamento de um livro seminal que, segundo o curador Eder Chiodetto,  pontua imagens de flagrante beleza do povo brasileiro, o desmatamento das florestas e os efeitos das mudanças climáticas nos biomas nacionais.

Reunindo 220 imagens em mais de 500 páginas, o volume sintetiza um percurso que começou em Santos, no litoral paulista, nos anos 1970, e atravessa florestas, rios e serras, em um projeto de vida dedicado à documentação e à defesa da natureza brasileira.

 Araquém construiu um acervo com cerca de 500 mil imagens, que forma hoje um dos mais importantes patrimônios visuais da biodiversidade do país, desvendando a Mata Atlântica, o Cerrado, a Caatinga, o Pantanal, os Pampas, a Amazônia e seus povos. 

Com 62 livros autorais, 75 exposições individuais,  mais de 40 prêmios nacionais e internacionais, obras nos acervos do Masp, Pinacoteca de São Paulo, MAM-SP, Centro Georges Pompidou e Museu Britânico, o inquieto artista consolidou a dimensão ética e estética rara de seu trabalho — um manifesto pela vida, que se mantém pulsante e necessário.

“O verdadeiro fotógrafo deve escolher o caminho com o coração e nele viajar incansavelmente”, escreveu Araquém em um de seus textos. “Só na Amazônia, estive mais de 100 vezes, desde 1971.” Todo esse movimento se tornou o eixo espiritual de sua produção, marcada pela devoção à luz, à paisagem e à consciência.

Da epifania à insurgência: as origens de um olhar

O livro revisita as primeiras imagens feitas no cais de Santos, onde prostitutas, marinheiros e estivadores inauguraram o universo do fotógrafo, e avança até as fotos mais recentes das queimadas na Amazônia e no Pantanal. Entre esses extremos, destaca-se a fotografia que se tornaria um ícone — a foto de capa feita em 1980, retratando seu pai, Manoel Alcântara, em protesto contra a instalação de usinas nucleares na Juréia.

A imagem — hoje símbolo da crítica à política energética e à destruição ambiental — marca o início da fase autoral de Araquém, que revela sua vocação para a fotografia como ato de combate e gesto poético.

A cena, descrita por Chiodetto como “um instante de epifania e insurgência”, foi o ponto de inflexão que transformou o repórter em um “andarilho da luz”. “Ali se consolidou o caminho a ser seguido — investir toda sua energia de artista em nome de uma causa que, mesmo quando parece fadada ao fracasso, segue ecoando nas elipses do tempo”, escreve o curador.

                                                                      A obra-manifesto

“Entre epifanias e apocalipses”, como resume um dos textos críticos, o livro revela a grande travessia de Araquém — 50 anos de fotografia para iluminar os 500 anos da terra chamada Brasil. São imagens que registram a beleza da flora e fauna e também a miséria, o terror causado pela poluição em Cubatão, a devastação das matas e dos biomas.

Fotografias que impõem a reflexão: “Sou um artista de combate, cúmplice dos injustiçados. Minhas fotos são um canto de amor à natureza e ao povo brasileiro”, escreve Araquém.

Adolescente nos final dos anos 1960, quando leu Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa, Araquém gravou na memória um dos trechos, que norteou seu foco: “Como é que posso com este mundo? A vida é ingrata no macio de si; mas transtraz a esperança mesmo no meio do fel do desespero.” O escritor forjou o percurso do fotógrafo, que transformou sua câmera em instrumento de resistência.

SERVIÇO:

Inauguração da exposição “O Brasil de Araquém Alcântara” e lançamento do livro  “50 anos de fotografia”

Data: 1º/06/2026

Horário: 19h

Local: Mezanino do Edifício dos Plenários – Superior Tribunal de Justiça

O Senac-DF e o Escritório Oscar Niemeyer assinaram, na quarta-feira (20), no Rio de Janeiro, um Acordo de Cooperação Técnica (ACT) para a criação do Ateliê Niemeyer Brasília. O espaço será inaugurado no segundo semestre, no Centro de Educação Profissional de Economia Criativa, Ennius Muniz, no Setor Comercial Sul, com a exposição de peças do maior nome da arquitetura brasileira.

O encontro contou com a presença de Kadu Niemeyer, neto e atual administrador do escritório, do presidente da Fecomércio-DF, José Aparecido Freire, do diretor regional do Senac-DF, Vitor Corrêa, além dos conselheiros do Senac-DF, Antônio Rabello, Ennius Muniz e José Fernando da Silva. O acordo prevê a disponibilização inicial de itens históricos utilizados por Niemeyer ao longo de sua trajetória, reforçando ações de preservação da memória arquitetônica e cultural do país.

Segundo o presidente do Sistema Fecomércio-DF, José Aparecido Freire, trata-se de um acordo de extrema relevância para a preservação da história nacional. “Oscar Niemeyer ajudou a desenhar a identidade de Brasília e do Brasil para o mundo, e receber parte desse acervo representa um compromisso do Sistema Fecomércio e do Senac-DF com a educação, a cultura e a valorização da nossa memória arquitetônica”, afirma.

Já o diretor regional do Senac-DF, Vitor Corrêa, ressalta o potencial educativo da iniciativa. “Esse acordo aproxima os estudantes, pesquisadores e toda a sociedade de um legado único da arquitetura mundial e, mais do que objetos históricos, estamos falando de peças que ajudam a contar a trajetória criativa de Oscar Niemeyer e sua contribuição para a construção de Brasília”, destaca.

Entre as peças que farão parte do acervo estão diversos croquis originais, fotografias, cartas, cerca de 20 livros relacionados à arquitetura e à trajetória de Niemeyer, além de objetos pessoais.

Para Kadu Niemeyer, a iniciativa vai aproximar as novas gerações do legado do seu avô. “Este acordo permitirá que estudantes e todas as pessoas interessadas conheçam um pouco mais sobre a trajetória e o pensamento do meu avô”, destaca. “Oscar Niemeyer sempre teve uma relação muito próxima com os estudantes, gostava de conversar, trocar ideias e incentivar novos olhares sobre a arquitetura e a sociedade e, com essa iniciativa, mantemos viva a sua obra, suas ideias e sua contribuição para a cultura brasileira.”

O Ateliê Niemeyer Brasília fará parte do Circuito Criativo de Arte & Educação do Senac-DF que possui obras de artistas renomados e estão presentes em unidades e polos do Senac em todo o Distrito Federal. A assinatura do ACT marca um importante passo para fortalecer iniciativas de educação, cultura e valorização da arquitetura brasileira no Distrito Federal. 

Por Silvana Sousa, Beatriz Bonfim, Marina Ferreira, Claudia Meireles – Metropoles vida & estilo

Iniciativa do Metrópoles Artes, a exposição Constelações Contemporâneas evidencia a diversidade da cena artística em Brasília 

Em uma noite marcada pela valorização da arte produzida no Distrito Federal, a exposição Constelações Contemporâneas da Cena Artística de Brasília foi oficialmente aberta nessa terça-feira (19/5), no Foyer da Sala Villa-Lobos, um dos espaços culturais mais emblemáticos da capital. Realizada pelo Metrópoles Arte, a iniciativa reuniu artistas, autoridades e convidados em uma grande celebração da produção cultural brasiliense.

Com curadoria de Monica Tachotte, a mostra gratuita apresenta cerca de 200 obras assinadas por 40 artistas de diferentes gerações, evidenciando a diversidade, a força e a pluralidade da cena artística local. O projeto também reforça a ocupação de espaços icônicos de Brasília por manifestações culturais, aproximando o público da produção desenvolvida no DF.

Entre os presentes na abertura, esteve a governadora do Distrito Federal, Celina Leão (PP-DF), que destacou a relevância da iniciativa para ampliar a visibilidade dos artistas da capital e fortalecer e posicionar a capital como uma referência na produção de artes visuais.

“Muitos desses artistas já são reconhecidos internacionalmente e pouco conhecidos aqui no Distrito Federal. Essa iniciativa dá vida ao Teatro Nacional, ao trazer pessoas para cá e chamar o meio cultural. Tenho certeza de que isso é muito importante para que Brasília tenha a vocação de ser a capital da República. Esse espaço foi pensado para isso. Uma exposição como essa mostra a força que é a nossa cultura”, frisou Celina Leão.

Constelações Contemporâneas exalta artistas brasilienses em celebração da potência local

A coluna acompanhou a abertura da exposição e conversou com os artistas participantes sobre a importância do projeto para a valorização da arte brasiliense.

André Santangelo trouxe para Constelações Contemporâneas uma série de fotografias sobrepostas feita a partir de uma técnica própria desenvolvida há 20 anos

“Eu fiz uma exposição aqui no mezanino em 1999 e, em 2000, levei essa mesma exposição para Londres. Esse é um espaço que estava fechado há muitos anos e, para mim, voltar aqui e expor é superlegal. Quanto mais eventos acontecem na cidade, mais a gente aumenta o público e, consequentemente, o segmento. É melhor para todo mundo.”

Reconhecido por seu trabalho de reconfiguração do imaginário, Antonio Obá apresenta obras da série Sonambúlicas — feitas no limiar entre sono e vigília durante a preparação de uma exposição

“É uma honra estar nesse lugar com esse grupo de artistas — uma boa parte conheço, são amigos de caminhada, pessoas muito queridas — e que, com o passar dos anos e decorrido do trabalho, a gente acaba perdendo o contato. Ter essa possibilidade tão bonita de celebrar isso conjuntamente é, para mim, muito honroso.”

Bruna Zanatta apresenta quatro obras têxteis, feitas a partir da técnica tufting, na qual explora a relação entre textura, cor e movimento como forma de expressão emocional e espacial

“Depois de passar muito tempo me reconhecendo só como uma fazedora, eu entendi que existia um pouco além, que era a inevitabilidade de criar. Eu acho que todo artista tem isso, independente do como, do onde ou do porquê. Existe uma força que te faz querer criar e se descobrir por meio desse processo de criação. Eu acho que ser artista é um pouco disso e aqui tem muitos artistas já são superreconhecidos. Quando eu descobri que a gente ia participar com eles, foi uma honra muito grande.”

Carlos Lin destaca o uso dos materiais in natura nas obras como um resgate do seu “eu criança”, que cresceu em meio à zona rural e contato com a natureza

“O convite da Monica, curadora, para participar da exposição, para mim, foi um presente da vida. Ela foi minha estudante na universidade. Tive o privilégio e a honra de ser professor dela. Depois, a gente trabalhou junto. E, quando ela me fez o convite, meu coração ficou quentinho.”

Em Constelações Contemporâneas, Camila Soato traz quatro Óleos sobre tela, nos quais explora a arte contemporânea a partir do conceito de fuleragem, que propõe a precariedade, o humor e a gambiarra como métodos legítimos de produção poética

“Antes mesmo de entrar na faculdade era um espaço que eu vinha, que eu permeia. Retomar esse lugar com as minhas obras e de vários colegas celebra o Distrito Federal […]. Aqui, você tem referência do Athos Bulcão, de Brasília, das brincadeiras debaixo do bloco. Ao mesmo tempo, Brasília, o Plano Piloto, em volta, tem todas as RAs — as cidades satélites, como se dizia. E o cotidiano também, essa mistura da roça com o urbano, das brincadeiras que vêm de lá e vêm para cá”, disse. 

A artista e pesquisadora Capra Maia compõe a exposição com a instalação Arkhé e a obra Pele do Tempo: descamações. Ela utiliza a técnica de cianotipia para imprimir de forma artesanal as fotografias antigas da família

“É um evento grande, a gente fica feliz de estar participando. Movimenta mesmo a cena da cidade, sem dúvida. E de ter um público tão grande, não é? Porque muitas vezes a gente monta exposições e acaba sendo sempre um mesmo público que frequenta. Acho que é interessante a gente ter uma circulação e uma relevância maior, de fato ser visto.

Celso Junior é fotojornalista e tem uma linguagem sensível e direta, focada na atenção ao cotidiano e ao registro documental

“Para o circuito de artes de Brasília, Constelações Contemporâneas representa um deslocamento importante de eixo. A mostra articula produções que dialogam diretamente com a matriz modernista da cidade, ampliando o debate estético da capital ao inserir novas gramáticas visuais em um território historicamente vinculado ao patrimônio arquitetônico. Para a cena local, significa atualização do nosso repertório de arte.”

Artista e professor da Universidade de Brasília, Christus Nóbrega expõe a série a Roupa Nova do Rei, inspirada no conto de Hans Christian, feita a partir da técnica milenar chinesa Jianzhi

“Esse é um espaço que nasce com um DNA do Teatro, das danças, das artes cênicas, mas que agora se expande, se conecta. Uma cenografia muito bonita, muito bem executada, uma cenografia do Gerivaldo Tavares que se conecta com o prédio — parece que sempre existiu aqui. E parabenizar também o Metrópoles por trazer, produzir, como mais um agente da cultura de Brasília”, disse. 

A obra apresentada por Daniel Jacaré na mostra Constelações Contemporâneas integra a Série Luzes, pesquisa em que o artista retrata a cidade por meio de pontos luminosos, cores e movimentos, sem representar diretamente suas formas

“Desde o momento em que fui convidado para participar da exposição até agora, a ansiedade permaneceu a mesma. A reabertura do Teatro Nacional, voltada para uma iniciativa tão importante de valorização do cenário artístico de Brasília, torna tudo ainda mais simbólico. Sinto-me muito lisonjeado. Mais do que sobre as minhas obras, esta exposição fala sobre a força coletiva dos mais de 40 artistas reunidos aqui para impulsionar a arte produzida na cidade.” 

Brasiliense, Daniel Toys é um dos nomes mais reconhecidos da arte urbana e pintura contemporânea da capital federal

O trabalho exposto estabelece um diálogo entre o Cerrado e o Sertão nordestino, reunindo referências de origem, memória e pertencimento. A proposta parte da ideia de “pintar um sonho”, transformando desejos, lembranças, poesia e símbolos cotidianos em composições marcadas por ícones que representam a trajetória humana e os diferentes caminhos da vida.

“É uma troca muito rica e uma experiência especial ver uma exposição que aborda a caminhada e a trajetória de cada artista a partir de diferentes visões. Iniciativas como essa são muito importantes para a cultura, para a cena artística e para o público, além de ampliarem a visibilidade dos talentos que Brasília apresenta.”

As obras de Desirée Feldmann incorporam técnicas de manufatura, como costura, modelagem e encadernação, reinterpretadas em uma linguagem contemporânea que valoriza saberes manuais transmitidos entre gerações

“Se você observar com atenção, o trabalho carrega diversos detalhes ligados a técnicas tradicionais de manufatura, como costura, modelagem e encadernação. São processos manuais que atravessam gerações e que eu gosto de chamar de ‘tecnologias atemporais’, porque permanecem vivos através das pessoas e das memórias. É muito legal estar nesse espaço ao lado de tantos artistas importantes para a cena de Brasília. Me sinto muito honrada.”

O projeto colaborativo DUPLAplus surge da parceria de Luisa Günther e Ary Coelho — falecido em 2017. Juntos, exploram fotodanças como objeto de memória, afeto e permanência. Hoje o projeto segue com a ajuda das filhas, Emilia Gunther, Betina Gunther e Flora Gunther

“Num primeiro momento, eu tirava a foto dele, uma foto nossa. E aí quando ele desencarnou, eu falei: ‘Gente, como é que eu vou continuar sendo DUPLAPlus se eu não tenho mais o meu par?’. Foi quando entendi que a minha dupla era qualquer outro fotógrafo — uma pessoa do outro lado da câmera. Então, aqui o espectador, ou uma pessoa tirando foto, já era minha dupla. Todo mundo que passou aqui pela frente virou minha dupla nesse momento. Virou um trabalho mais de abraço, em coletivo.”

Nascido em Ceilândia e criado em Minas, Gabriel Matos explora a trajetória de exílio rural por meio de obras que passeiam entre a fotografia, o bordado, a colagem e a escultura

“Acredito que boa parte do que a Monica quis trazer com meu trabalho foi mostrar esse perpasso através do exílio do rural, que é muito o que minha poética fala. Nasci em Ceilândia, mas não me considero ceilandense naturalmente, porque eu só nasci lá. Me considero fruto do exílio do rural — que eu preciso sair para nascer, porque na minha cidade não tem infraestrutura. As pessoas não nascem lá, lá não entra na taxa de natalidade. A gente acaba vindo para a capital, que é a cidade maior e mais próxima.”

Orgulhosamente “cria de Ceilândia”, Gu carrega na arte e no nome o orgulho da região em que nasceu. Para Constelações Contemporâneas, explora fotografia, intervenção urbana e audiovisual para refletir a cidade e o pertencimento

“Ceilândia é minha inspiração diária. As ruas de Ceilândia, o movimento de Ceilândia, a cultura que ela proporciona para a gente — que é também a cultura do Distrito Federal. Eu gosto de pensar essa ideia do Distrito Federal como um todo, porque a gente sabe que são diferentes territórios, cada um carregando a sua verdade, que contribui para ser tudo isso, para pulsar. E essa ideia também de entender e valorizar esse território como um território”, destaca.

A série Do Chão para o Chão, aposta de Helena Lopes em Constelações Contemporâneas, é resultado de uma experiência física e existencial, na qual explora memória, ausências e permanência por meio do observar e fotografar o chão

“Quando chego a 2019, eu visito a Polônia e visitamos um campo de concentração. Então, esse chão que está nas fotografias é o chão do campo de concentração da Polônia. São muitas fotografias. Eu demorei quatro anos para resolver essa série. A fotografia é feita de forma digital — no celular.”

Formada em artes visuais pela Universidade Federal da Paraíba, Íris Helena investiga criticamente a paisagem urbana de Brasília. Na obra Primeira Pedra, exposta na mostra, ela utiliza impressão sob Pedras Portuguesas coletadas na Praça dos Três poderes

“Eu sou uma artista que tem muito interesse sobre ruínas, sobre aquilo que se transforma. Inclusive, os próprios materiais que eu uso. Eu sempre utilizo materiais que são não usuais para fotografia, como, por exemplo, um lembrete, um papel higiênico. Então, são coisas muito frágeis. Ou então uma pedra, né? Em tudo isso eu fico tentando trabalhar: a memória, a imagem fotográfica e essas histórias que eu conheço da cidade, de uma forma em que vai agregar um significado diferente.”

Natural do Rio Grande do Sul, Léo Tavares revela que acolheu Brasília como lar e que grande parte de seu repertório criativo nasceu no Planalto Central

“Eu fiz faculdade de artes plásticas na UnB, atualmente chamada de artes visuais. Foi no campus que desenvolvi interesse pela ligação entre a escrita e a imagem. Eu transitava entre dois mundos: o da palavra e o da visualidade. Aqui, estão expostos trabalhos de assemblagem que fazem parte de uma produção mais recente. Embora não integrem uma série e sejam independentes entre si, ainda existe uma ligação pela técnica e pelos elementos da literatura e da poesia.”

Em Brasília desde os 11 anos, a paraíbana Luíza Gunter é professora do Departamento de Artes Visuais da Universidade de Brasília (UnB) e traz para a exposição a obra Sobre o acúmulo das intenções insistentes diante o incerto, que traz camadas temporais e afetivas

As obras expostas de Luisa Günther dizem muito sobre suas paixões. “Temos duas entradas de produção: pinturas e fotoperformance. As pinturas que trago, na verdade, são ‘desenhuras’. É justamente essa mistura entre o desenho e a pintura. Espero que as pessoas se divertem e mergulhem nos trabalhos”, disse. 

Maria Porto é brasiliense e vê na cidade um potencial de referência nas artes visuais. Para Constelações Contemporâneas, traz as obras Primeiro Pedaço, Uma Festa de Adeus e Surpresa, em que explora metáforas e texturas

“Brasília ainda é uma cidade muito jovem e, por isso, muitas vezes existe esse movimento de olhar para fora. Ter exposições e iniciativas como essa fortalece a cena local e faz a gente criar mais laços e raízes aqui. É muito bonito ver artistas de diferentes gerações coexistindo nesse espaço — nomes mais antigos, artistas da minha idade e até mais jovens. Ver tudo isso acontecendo em Brasília mostra que a produção contemporânea daqui também tem força, sem precisar sair para São Paulo ou Rio. Vivenciar a cidade é bem importante.”

Radicada em Brasília, Marina Fontana usa a paisagem de Brasília como campo de pesquisa para criação de seus acrílicos, bem como fotografias e colagens. Para Constelações Contemporâneas, exibe a série Pau-ferro e a obra Rizomas da Alma

“O meu campo de pesquisa é a paisagem de Brasília. Me aprofundo muito nos detalhes, fotografo muitos detalhes. E o pau-ferro é um campo de investigação. Eu fotografo os troncos e me inspiro neles. A série Pau-ferro é isso: é a inspiração desses troncos, das texturas, nas cores, nas formas.”

Artista plástico e professor aposentado de desenho, pintura e história da arte da Universidade de Brasília, Nelson Maravalhas expõe três pinturas hipnagógicas na mostra

“A abertura da exposição é um sucesso de público e promove um encontro entre diferentes gerações de artistas da cidade. Acredito que eu seja um dos mais experientes da mostra, ao lado de muitos artistas jovens, o que deixa interessante a cena cultural de Brasília.”

Patrícia Monteiro usa as paisagens do Cerrado para construir imagens como território de memória

“Fiquei muito feliz com o convite do Metrópoles e por ver meu trabalho como artista plástica sendo valorizado. O Cerrado está muito presente nas minhas obras, nesse resgate das paisagens e das memórias afetivas que carrego, principalmente da minha relação com a Chapada dos Veadeiros. Trago tudo isso de forma abstrata, deixando o espectador livre para interpretar. Muitas vezes, o que eu vejo não é o que o outro vê e é justamente essa troca de percepções e memórias que eu me interesso em provocar.” 

De Sobradinho, Pamella Anderson investiga a cultura digital brasileira como campo simbólico e político. Para as exposição Constelações Contemporâneas, provoca o observador com as obras Alguém tem que chorar pros mlk sorrir e Deu a louca no gerente

“É importante ter um novo espaço dando visibilidade tanto para jovens artistas quanto para artistas mais experientes. As minhas pinturas nascem da influência dos rage comics, dos memojis e da linguagem dos emojis e smiles da internet. Elas misturam humor, exagero e excesso visual, quase como um ‘vômito ultraprocessado’ de referências digitais e emoções contemporâneas.”

Formada pela Universidade de Brasília, Patrícia Bagniewski investiga o vidro como matéria orgânica e simbólica, explorando luz, transparência e transformação

“É especial estar cercada de colegas com quem estudei ou com quem divido outras mostras. Acho que existe uma felicidade coletiva de estarmos juntos neste momento histórico de reabertura de um espaço que amamos e que simboliza tanto para Brasília. As pessoas vinham muito aqui ver orquestra e agora ele é dedicado também às artes visuais. É superemocionante.”

Paula Calderón, artista visual brasiliense desenvolve a pintura como investigação da paisagem do Cerrado e construção de Brasília — uma forma de explorar a memória da cidade e as camadas que moldam o território

“Eu vim com cinco trabalhos. São pinturas sobre tela, todas telas relativamente grandes, e nelas eu retrato cenas da construção de Brasília. Nessa série, eu queria trabalhar muito essa questão das pessoas que vieram para a construção, sabe? Pessoas que vieram de vários lugares diferentes e largaram a vida para tentar um negócio novo em uma cidade que nem existia ainda.”

O ciclo da matéria orgânica e inorgânica e o papel dos processos de contaminação e transformação são o ponto central do trabalho da artista, Raquel Nava, que tensiona a natureza e os resíduos nas obras que compõem a exposição

“Brasília tem muitos artistas, mas ainda poucos espaços dedicados à arte. Existem instituições importantes, como o CCBB Brasília e a Caixa Cultural Brasília, mas as galerias independentes ficam abertas e, depois de um tempo, fecham. Quando estão funcionando, são espaços bastante frequentados e vivos. Existe uma rede artística muito unida em Brasília. Os artistas se acompanham, se frequentam e se fortalecem.”

Sobre a obra apresentada em Constelações Contemporâneas, Raylton Praga explicou que sua pesquisa é baseada em formas geométricas e na liberdade de interpretação do público

“Está tudo muito bonito, e fazer parte de uma exposição com tanta gente bacana é uma alegria imensa. Quando cheguei e fui procurar meu trabalho, fiquei muito contente com o resultado. Quando recebi o convite, apresentei vários trabalhos para a curadoria, e fico muito feliz com a escolha feita e com a forma como a obra dialoga com a exposição.”

Rogério Roseo desenvolve a pintura centrada na experiência humana e na introspecção

“Eu sou um jovem artista e, quando recebi o convite da Mônica, fiquei realmente muito honrado. De fato, a exposição reúne artistas de altíssimo nível. Você vê a qualidade dos trabalhos apresentados. Para qualquer artista, estar nesse ambiente, nesse espaço, é muito especial.”

Mestre em Poéticas Visuais pela Universidade Paulista, Samantha Canovas investiga o têxtil como linguagem e a relação com o vestuário, propondo reflexões sobre as fronteiras entre arte e artesanato

“É uma seleção de artistas muito ampla e que representa o que a arte do Centro-Oeste vem se tornando. Poder acompanhar a repercussão, ver as fotos da exposição e perceber como as minhas obras estão inseridas nesse contexto me deixa muito feliz. Uma delas é um trabalho muito significativo para mim: o Projeto 366, uma performance realizada ao longo de um ano. Na verdade, foram 367 dias em que usei apenas uma única roupa: o macacão que agora está exposto na mostra.”

Mestre em artes visuais pela Universidade de Brasília, Taigo Meireles dialoga com a tradição de pintura histórica, cenografia clássica e cinema

“Eu acho que é uma iniciativa excelente. Contempla gerações diferentes, produções diferentes, faz com que as pessoas se encontrem, ponham as obras lado a lado, cria contato, diálogo estético e coloca isso à disposição de um público que também reivindica a cidade.”

Artistas visual, fotógrafa e designer de moda, Thamires Moreira investiga memória, afeto e paisagem como territórios simbólicos. Para Constelações Contemporâneas, trouxe a série Serra Dentro

“Comecei a pintar profissionalmente, digamos assim, em 2021, quando vendi meu primeiro quadro. As obras expostas hoje têm tudo a ver com as minhas origens: o Cerrado, a natureza e um pé de pequi em que eu subia quando era criança. Os quadros Ingá, Ingá 1 e Ingá 2 estão entre os meus preferidos. Eles foram feitos em homenagem à minha avó, que morreu na pandemia de Covid.”

Valéria Pena-Costa desenvolve uma pesquisa centrada o tempo com força ativa sobre a matéria. Quando eu ainda era estudante da UnB, fez exposições no Teatro Nacional e destaca o desejo de contribuir positivamente o público brasiliense

“São quatro obras aqui, porque uma delas é um díptico. Meus trabalhos falam de fabulações, de memórias infantis. Eu espero, realmente, que as minhas obras emocionem as pessoas e que as pessoas busquem um pouco além daquilo que veem. Porque o meu trabalho sempre propõe algo por trás daquilo que é visível. Essa é a minha intenção.”

Natural de Brasília, Victoria Serednicki é um prodígio da cena artística brasiliense, com produções que transitam entre o figurativo e o abstrato

“As minhas obras presentes na mostra propõem uma reflexão sobre a paisagem como construção simbólica da vida. Minha prática artística se constrói a partir da experiência direta com o mundo, das vivências, dos deslocamentos e do tempo dedicado à observação. A filosofia está profundamente presente nesse processo, orientando reflexões sobre o tempo, a impermanência, o silêncio e a forma como nos relacionamos com aquilo que nos cerca”, compartilha. 

Virgílio Neto trabalha com arte há 15 anos e se destaca pelo olhar autêntico e uso de diversos materiais e narrativas

“Os trabalhos que foram escolhidos têm muito a ver com o momento em que eu estou. Eu tenho reunido várias temáticas, mas elas têm se afunilado em paisagem, partindo da ideia do Cerrado, da terra, que se mistura também a questões de memória, questões oníricas. Eu tento fazer nas minhas pinturas um retrato, mas que não é óbvio, não é cartesiano. Inclusive, esses trabalhos que eu faço sobre Brasília são tudo, menos cartesianos”, detalha.

Com uma leitura transversal de mais de 60 anos da produção de Claudio Tozzi e a coletiva “Abismal… Abissal“, a galeria abre temporada com curadorias que investigam a imagem, o tempo e a interioridade.

A Cerrado Cultural inaugura, no dia 23 de maio, às 11h, em Brasília, as exposições Uma continuidade como respiro, de Claudio Tozzi, com curadoria de Cristiano Raimondi, e Abismal…Abissal, coletiva com curadoria de Tálisson Melo. As mostras ocupam espaços distintos da galeria e apresentam investigações em torno da imagem, do tempo e da interioridade na produção contemporânea. As exposições permanecem em cartaz até 25 de julho. A entrada é gratuita e a visitação acontece de segunda a sexta, das 10h às 19h, e aos sábados, das 10h às 13h.

Claudio Tozzi – Uma continuidade como respiro

Em Uma continuidade como respiro, Claudio Tozzi reúne mais de vinte obras realizadas entre 1963 e os dias atuais, entre pinturas e esculturas, configurando um recorte que abrange mais de seis décadas de produção. Em vez de uma leitura cronológica, a exposição evidencia a permanência de um mesmo campo de investigação, no qual determinadas questões formais e conceituais se reorganizam ao longo de sua trajetória.

O título da mostra propõe a continuidade a partir de uma analogia com a respiração: um fluxo constante, natural e inevitável, que atravessa o tempo de maneira quase inconsciente, mas permanece aberto a pequenas variações e intensificações. Atuando como um prólogo, a histórica tela Paz II (1963–1964) já apresenta elementos que atravessam toda a sua produção: a fragmentação da imagem, a relação entre figura e estrutura e a presença de uma dimensão política inscrita na própria construção visual.

Claudio Tozzi (São Paulo, 1944) é um nome central da arte brasileira contemporânea. Sua trajetória se desenvolve em estreita relação com processos industriais de imagem, como as retículas derivadas da impressão gráfica em quadricromia, articulando relações entre arquitetura, urbanismo e percepção. Ao longo de sua carreira, participou de exposições em instituições como a Tate Modern, o MALBA e a Pinacoteca de São Paulo.

Com curadoria de Cristiano Raimondi, a mostra foi desenvolvida a partir de um longo diálogo com o artista e propõe uma leitura transversal de sua produção.

Abismal…Abissal (coletiva)

Já Abismal…Abissal, coletiva com curadoria de Tálisson Melo, parte das múltiplas camadas de sentido presentes nos termos que dão título à exposição. Derivadas da mesma raiz grega, ábyssos (“sem fundo”), “abismal” e “abissal” evocam ideias de profundidade, vertigem e interioridade.

Reunindo obras de 12 artistas de diferentes origens e trajetórias, a mostra articula figurações híbridas, paisagens, arquiteturas e estruturas geométricas atravessadas por memória, espiritualidade e imaginação.

As obras elaboram o interior não como espaço fixo, mas como condição instável e movediça, que desestabiliza qualquer noção rígida de origem.

Participam da mostra:

– Manuela Costa e Silva e Raquel Nava, com trabalhos que exploram figurações animais e híbridas;

– Abraão Veloso, Estevão Parreiras e Rebeca Miguel, em investigações sobre introspecções afetivas, escrevivência e questões metafísicas;

– Ana Hortides, Isabela Seifarth e Talles Lopes, em pesquisas sobre arquitetura e urbanismo vernacular em relação com a vida comum;

– Walter Pimentel, com obras voltadas a aparições e à espiritualização da matéria;

– Genor Sales e Tor Teixeira, com trabalhos que abordam paisagens do trabalho e relações entre terra, água e corpo;

– Raylton Parga, com investigações em abstração geométrica e linguagem das formas.

Curadoria

Cristiano Raimondi (Bolonha, Itália, 1978) é curador e historiador da arte, com formação em arquitetura pelo IUAV de Veneza. Atua internacionalmente com uma abordagem interdisciplinar que cruza arte contemporânea, design e ciências sociais, tendo desenvolvido projetos no Nouveau Musée National de Monaco, na Artissima (Turim) e na Fondation Prince Pierre. Sua pesquisa dedica atenção à produção brasileira, com publicações e projetos curatoriais voltados à obra de Alfredo Volpi, incluindo o livro Alfredo Volpi: A Poética da Cor, além de estudos sobre Rubem Valentim e Eleonore Koch.

Tálisson Melo (Juiz de Fora – MG, 1991) é curador, pesquisador e crítico de arte. Atua no desenvolvimento de projetos curatoriais e textos críticos voltados às práticas contemporâneas, articulando relações entre arte, imagem e pensamento. É curador-pesquisador no Memorial da Resistência de São Paulo e no Programa MASP Pesquisa. Doutor em Antropologia e Sociologia pela UFRJ, com estágio na Yale University, e pós-doutor pelo IEB-USP, onde pesquisou a noção de “cronopolítica” nas artes visuais. Assinou as mostras Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil (CCBB, Prêmio APCA) e Atualização do sistema(Museu Nacional da República, Prêmio ABCA).

Sobre a Cerrado Galeria

Com sedes em Brasília e Goiânia, a Cerrado Galeria atua na descentralização do mercado de arte e na valorização da produção do Centro-Oeste. Inaugurada em 2023, desenvolve um programa voltado à diversidade de linguagens, gerações e territórios, reunindo artistas consagrados e novos nomes da produção contemporânea em diálogo com diferentes contextos da arte brasileira. Seus espaços, instalados em edifícios singulares nas duas cidades, abrigam exposições, intervenções site-specific e ações educativas.

Serviço

Exposições: Uma continuidade como respiro, de Claudio Tozzi, e Abismal…Abissal, coletiva
Curadoria: Cristiano Raimondi e Tálisson Melo

Abertura: 23 de maio de 2026, às 11h

Período expositivo: 23 de maio a 25 de julho de 2026

Local: Cerrado Cultural – SHIS QI 05, Chácara 10, Lago Sul, Brasília – DF

Visitação: segunda a sexta, das 10h às 19h; sábado, das 10h às 13h

Entrada: gratuita

Siga: @cerrado.galeria

Constelações Contemporâneas da cena artística de Brasília reúne nomes de destaque e reafirma a potência criativa da capital

Brasília volta o olhar para a potência de sua própria produção artística. O Metrópoles Arte apresenta Constelações contemporâneas da cena artística de Brasília, exposição que ocupa o foyer da Sala Villa-Lobos, no Teatro Nacional, entre os dias 19 de maio e 17 de julho, reunindo artistas de diferentes gerações, linguagens e trajetórias em uma grande cartografia visual da arte produzida na capital.

Mais do que uma mostra coletiva, a exposição propõe um movimento de reconhecimento e afirmação da cidade como território vivo de criação contemporânea. Brasília aparece não apenas como símbolo do projeto modernista, mas como espaço em permanente transformação, atravessado por experiências, afetos, memórias e novas formas de expressão artística.

Reunindo nomes como Antonio Obá, Camila Soato, Daniel Jacaré, Carlos Lin, Nelson Maravalhas, Patricia Bagniewski e Virgílio Neto, entre outros, a exposição transforma o espaço expositivo em um campo de encontros visuais, conceituais e sensíveis, criando diálogos entre artistas que refletem diferentes perspectivas sobre o território, o corpo, a paisagem e a experiência urbana.

Inspirada na definição contemporânea da astronomia — que compreende constelações como regiões do céu onde estrelas coexistem e novas formações continuam surgindo — a mostra assume a constelação como método curatorial. Cada artista aparece como uma presença singular, com trajetória própria, enquanto o conjunto forma um panorama em expansão da vitalidade artística brasiliense.

Com curadoria de Mônica Tachotte, a exposição propõe uma leitura da cidade que ultrapassa a imagem cristalizada da arquitetura monumental. O percurso convida o público a perceber Brasília também como território simbólico, afetivo e pulsante, marcado pela diversidade de vozes e pela produção contemporânea que emerge de seus diferentes espaços e vivências.

A mostra se organiza em quatro eixos interligados. Entre o Projeto e o Vivido tensiona as relações entre urbanismo e experiência cotidiana, reunindo obras de André Santangelo, Celso Junior, Daniel Jacaré, Gabriel Matos, Gisel Carriconde, Gu da Cei, Julio Lapagesse, Patricia Bagniewski, Samantha Canovas e Virgílio Neto.

Já Memórias em Trânsito reflete sobre deslocamentos, identidade e construção de narrativas a partir dos trabalhos de Bruna Zanatta, Capra Maia, DuplaPlus, Helena Lopes, Iris Helena, Maria Porto, Tamires Moreira e Victória Serednicki.

Em Território, Paisagem e Ancestralidade, artistas como Carlos Lin, Courinos, Daniel Toys, David Almeida, Karina Dias, Léo Tavares, Marina Fontana, Marcos Anthony, Paula Calderón e Renato Rios ampliam o olhar sobre pertencimento, natureza e camadas simbólicas.

Por fim, Corpo, Gesto e Experiência reúne artistas como Antonio Obá, Camila Soato, Christus Nóbrega, Desireé Feldmann, Luisa Günther, Nelson Maravalhas, Pamela Anderson, Raquel Nava, Raylton Parga, Rogério Roseo, Taigo Meireles e Valéria Pena-Costa, em trabalhos que colocam o corpo e a ação como linguagem central.

Ao ocupar um dos espaços culturais mais emblemáticos da capital, Constelações contemporâneas da cena artística de Brasíliareafirma o compromisso do Metrópoles Arte com o fortalecimento da produção local e com a ampliação da visibilidade dos artistas do Distrito Federal. A mensagem é clara: Brasília continua produzindo, se reinventando e expandindo suas próprias constelações criativas.

Serviço:

Exposição – Constelações contemporâneas da cena artística de Brasília

Local: Foyer da Sala Villa-Lobos – Teatro Nacional 

Dia: 19 de maio a 17 de julho

Horários: de segunda a segunda, das 12h às 20h
Entrada: Gratuita

Apresentado recentemente ao público, o novo livro de Girafa entrega 100 imagens que ressignificam a geometria e a estética do Planalto Central.

 O que é uma abstração? A pergunta – que poderia ser respondida tanto pela filosofia quanto pela psicologia, pelas artes visuais ou por tantas outras áreas do saber humano, mas quase sempre distante do concreto – encontra uma de suas possíveis e mais lúdicas definições em A Cidade Abstrata. O novo livro reúne 100 fotografias do artista multilinguagem Luis Jungmann Girafa. Com edição da Matéria Plástica Arte Atemporânea, a obra é fruto de seus mais de 70 anos de vida, dos quais mais de quatro décadas foram dedicadas às artes no Distrito Federal.

“A Cidade Abstrata é uma série de fotos que dizem respeito a Brasília e que tem esse conteúdo que não é descritivo, é uma coisa mais provocativa, que são detalhes do urbanismo que nos centra. É um livro que eu busco capturar cenas que não necessariamente correspondam à realidade do que está sendo fotografado, mas que você tenha uma representação”, explica Luis Jungmann Girafa.

O lançamento da obra ocorreu no último dia 09 de maio, na livraria Platô (405 Sul). O público pôde adquirir a obra no local (R$ 80) e participar da sessão de autógrafos com o autor, que contou ainda com brindes, apresentação musical do Duo Teclados e Cordas – com Renato Vasconcelos e Paulo AndrettaVares – e uma exposição de diversos quadros de autoria de Girafa, que seguem disponíveis para venda.

A Cidade Abstrata

A publicação reúne uma seleção intuitiva do trabalho de Girafa, evidenciando o refinamento do olhar deste premiado fotógrafo, que atua também como arquiteto, cineasta e artista plástico. A obra sugere uma provocação sobre o espaço de viver e a arte, revelando não somente a geometria de Brasília e suas infinitas possibilidades, mas o interessante paradoxo de uma paisagem urbana que nasceu planejada, feita de materiais que remetem a tudo o que é sólido e perene.

De fato, as imagens captadas por Girafa proporcionam novos ângulos e leituras acerca da capital: a institucionalidade brutalista contrasta com certa precariedade; frestas por onde pessoalidades vazam outros matizes. Transeuntes anônimos, trabalhadores e usuários do equipamento urbano completam e vivificam as cenas. Fruto de financiamento do Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal (FAC-DF), o projeto prevê ainda a distribuição gratuita de 30% da tiragem.

Nas páginas de A Cidade Abstrata, fica evidente que “a luz torna-se forma geométrica, a linha se transforma em traço de cor, a textura ganha proporção, e o volume se define como espaço dentro do enquadramento. Luiz Jungmann evidencia, em suas imagens, os variados da linguagem visual, deixando, ao mesmo tempo, uma brecha para o simbólico e o lírico, marcando o desejo de busca pela expressão sensível, em que os elementos visíveis não se limitam a formas composicionais, mas transmitem intensidades subjetivas”, afirma a curadora Cinara Barbosa.

“Nesse ritmo, o livro apresenta imagens que quebram padrões, ora de um modo, ora de outro, trazendo movimento por meio de vestígios de plástico bolha, telas de sombreamento utilizadas na construção civil, sugerindo o passado da cidade planejada. Ao mesmo tempo, revela a Brasília que se transforma em uma escala cotidiana de presença viva, tecida pelas marcas de sua ocupação humana”, complementa a curadora.

Responsável pela pergunta inicial deste texto, a poeta brasiliense Maria Lúcia Verdi – que assina o texto de abertura do livro – acredita que a intenção de Luis Jungmann Girafa é 100% provocativa na obra ao estampar “imagens que documentam a interminável possibilidade de abstração, contida na geometria de Brasília. Recortes exatos, detalhistas, olhar preciso sobre construções e desconstruções presentes na cidade – neles, a presença do cimento, da pedra, do ferro, do vidro, da madeira, do plástico, da argila. Os corpos do concreto em todas as gradações do cinza e em todas as cores. Mas existem reflexos, traços, riscos, fraturas encontráveis em distintas superfícies, que remetem literalmente à arte abstrata – o olhar vagando do chão ao teto, recolhendo-as”.

Já o autor modestamente afirma ser um “fotógrafo sem estilo” que acredita que “a fotografia tem que ir para o papel. Seja no jornal, na revista, no porta-retratos, na parede ou nas páginas de um livro”. Como é o caso de A Cidade Abstrata, um trabalho que nasceu e se desenvolveu de forma muito intuitiva. “Eu não pretendo guiar o olhar de ninguém, prefiro que as pessoas gostem, de alguma forma, que se sintam atraídas pelas imagens e assim façam a sua própria viagem”, sentencia.

Sobre o autor

Luis Jungmann Girafa é uma figura múltipla e transdisciplinar, um autêntico “homem renascentista” do Planalto Central, cuja atuação transita de forma fluida por diversas linguagens. Arquiteto, artista plástico, fotógrafo, cineasta, poeta, cenografista, ilustrador e professor, Girafa tem sua trajetória profundamente entrelaçada com Brasília – cidade onde absorveu, desdobrou e reinventou a herança modernista. Graduado e mestre pela Universidade de Brasília (UnB), onde se consolidou como professor da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU), ele utiliza a visão espacial e o rigor construtivo como alicerces de sua produção. 

Nas artes plásticas, destaca-se pela abstração geométrica e pela criação de “maquetes poéticas”. Na fotografia, premiada e reconhecida nacionalmente, foge do mero registro para investigar texturas e composições geométricas, fazendo a ponte entre a tradição dos pioneiros construtivistas e a arte visual contemporânea. Essa mesma percepção do espaço e da luz é transportada para o audiovisual, área em que atua com direção de arte e direção-geral (como no projeto Eu Não Sei), tendo sido consagrado no 54º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro (2021) com dois troféus Candango de Melhor Filme e Melhor Montagem pelo longa-metragem Acaso. Em essência, Girafa une a precisão do arquiteto à subversão do artista: domina as regras do espaço e da gravidade para, por meio da arte, subvertê-las e criar novos mundos.

Serviço:

Lançamento do livro “A Cidade Abstrata”, de Luis Jungmann Girafa

Quando: 9 de maio de 2026, a partir das 17h

Onde: Livraria Platô – CLS 405, Bloco A, Loja 12, Asa Sul – Brasília/DF

Entrada: Gratuita / Indicação livre para todos os públicos.

Valor do livro: R$ 80 (à venda no local ou diretamente com o autor – Whatsapp: 61 98127-5728)

Siga: @platolivraria | @luis_jungmann_girafa

Arquiteta compartilha repertório e experiências do Salone del Mobile em encontro voltado a profissionais do design e da arquitetura

Após mais uma imersão no principal palco do design mundial, a arquiteta Kika Mattosdesembarca em Brasília para conduzir o talk “Milão além da tendência: repertório, sensibilidade e o futuro do morar”, no dia 13 de maio, às 19h, no Espaço Casa do Casapark. As inscrições são gratuitas. 

A iniciativa integra a programação do Casapark Prime, em parceria com a Nexper (empresa especializada na criação, gestão e produção de experiências estratégicas e autorais), e propõe uma leitura ampliada das experiências vividas na mais recente edição do célebre Salone del Mobile, em Milão, a maior e mais influente feira de design, mobiliário e iluminação do mundo, cuja 64ª edição foi realizada no final de abril. 

Em sua 13ª participação consecutiva no evento italiano, Kika Mattos apresenta um olhar que vai além do tradicional mapeamento de tendências. A partir de uma curadoria sensível, o encontro conecta design, arte e comportamento, explorando como os espaços contemporâneos refletem emoções, narrativas e novas formas de habitar. “A ideia é construir uma palestra memorável, com alto valor percebido, capaz de engajar o público, fortalecer relações e posicionar o encontro como uma referência em conteúdo e curadoria”, destaca a arquiteta.

À frente da KM Arquitetura, a arquiteta construiu uma trajetória marcada pela criação de projetos autorais que equilibram técnica e afeto. Idealizadora da plataforma Loveprodu, dedicada à produção e curadoria de ambientes, Kika reforça, em sua prática, a importância do olhar atento aos detalhes e às histórias que os espaços podem contar. Essa abordagem, que atravessa sua atuação profissional, se traduz em um talk que privilegia narrativa, sensibilidade e conexão.

Voltado a arquitetos, designers, especificadores e profissionais do alto padrão, o encontro reforça o Casapark Prime como um polo de pensamento e troca no campo da arquitetura e do design. “Acreditamos na força dos encontros que ampliam o olhar e estimulam novas formas de pensar o morar, conectando repertório, sensibilidade e experiência”, afirma Ivana Valença, diretora de marketing do Casapark. O evento convida o público a compreender os movimentos que desenham o futuro do morar — com Milão como ponto de partida e inspiração.

Kika Mattos é arquiteta formada pela UFBA, com especialização em Madrid. Iniciou sua carreira em Salvador e há mais de 12 anos atua em São Paulo, desenvolvendo projetos residenciais que unem estética, técnica e sensibilidade. À frente da KM Arquitetura, cria projetos personalizados que valorizam a essência de cada cliente e o potencial afetivo dos espaços. Acredita que a produção é o que dá alma à arquitetura — e foi a partir dessa visão que nasceu o Loveprodu. Workshop criado em 2017 e que hoje funciona como uma plataforma de conteúdos, cursos e vivências voltada à produção e curadoria de ambientes.

Serviço:
Casapark Prime Talks — Milão além da tendência: repertório, sensibilidade e o futuro do morar
Com Kika Mattos
Data: 13 de maio
Horário: 19h
Local: Espaço Casa – Casapark
Inscrições gratuitas: https://www.sympla.com.br/evento/caspark-prime-talks-milao-alem-da-tendencia-kika-mattos/3411469

Exposição da artista nipo-brasileira Akimi Watanabe segue em cartaz até 12 de maio e propõe reflexão sobre padrões sociais, corpo e pertencimento

A exposição Verdade Moldada, da artista nipo-brasileira Akimi Watanabe, entra em seus últimos dias em cartaz no Espaço Oscar Niemeyer. Em exibição até 12 de maio, a mostra convida o público a uma reflexão sensível e provocadora sobre os padrões sociais que atravessam o corpo, o feminino e as dinâmicas de pertencimento: uma oportunidade final para vivenciar a experiência.

Radicada em Brasília e filha de pioneiros japoneses na capital, Watanabe parte da história dos “pés de lótus”, prática milenar chinesa que mutilava mulheres em nome de um ideal de beleza, para lançar uma pergunta urgente: até que ponto seguimos permitindo que estruturas sociais moldem nossos corpos e nossas escolhas?

A partir desse recorte histórico, a artista evidencia como, na China imperial, um complexo sistema de valores culturais, filosóficos e econômicos, associado a status e elegância, submetia meninas a dores extremas e a uma vida limitada, transformando-as, literalmente, em objetos decorativos. A reflexão, no entanto, ultrapassa o passado e se projeta diretamente sobre o presente.

Com cerca de 100 desenhos em nanquim, além de colagens digitais, instalações, objetos e esculturas, a artista constrói uma narrativa que instiga o público a refletir: até quando a validação social seguirá sendo parâmetro para transformações do corpo? Em que medida ainda nos moldamos para caber, pertencer ou sermos vistos?

Com curadoria de Rogério Carvalho, a exposição propõe um deslocamento do olhar, convidando o visitante a identificar mecanismos contemporâneos que reproduzem, sob novas formas, antigas violências simbólicas. Redes sociais, padrões estéticos e discursos normativos surgem como possíveis equivalentes dos “pés de lótus” na pós-modernidade.

“Watanabe não denuncia apenas um passado oriental, ela desmonta a ideia confortável de distância. Ao trazer para o contemporâneo equivalências simbólicas do foot binding, a artista desloca o eixo da discussão. Não se trata de outras culturas, mas de um sistema global de moldagem do feminino, que persiste sob novas linguagens, mais sutis, porém igualmente coercitivas”, observa o curador.

Ao tensionar essas camadas, a artista aponta para uma distopia silenciosa: a crença na autonomia individual dentro de sistemas sutis de controle. Nesse contexto, reforçando que o corpo da mulher segue sendo território de disputa histórica, social e simbólica, ecoa a afirmação da ministra do STF, Cármen Lúcia: “não fomos silenciosas, fomos silenciadas”. 

DEPOIMENTO DE AKIMI WATANABE destacando a experiência da exposição, a recepção do público e o impacto das reflexões propostas

Mais do que revisitar um episódio do passado, Verdade Moldada se apresenta como um convite à consciência crítica: um exercício de percepção sobre as forças que ainda hoje influenciam, limitam e redefinem quem somos.

SERVIÇO
Exposição: Verdade Moldada
Artista: Akimi Watanabe
Local: Espaço Oscar Niemeyer
Data: de 9 de abril a 12 de maio
Horário: De terça a sexta — das 9h às 18h/ Sábado domingo — das 9h às 17h

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